¿Conoces otros personajes de ficción que hagan el bien?
¿Quién de los personajes había cometido un fraude?
«Los borrachos» fue así el primero de una serie no muy numerosa («La fragua de Vulcano», «Marte», «La Venus del espejo», «La fábula de Aracne», «Mercurio y Argos»), pero sí importante, por su calidad artística y por el peculiar tratamiento desmitificador que dio a sus personajes.
A su alrededor se disponen sus protectores, amigos, personajes de ideas progresistas (como Baudelaire, en el extremo derecho, leyendo un libro), gentes humildes, etc. El cuadro tiene, por tanto, un marcado carácter simbólico, que se contradice en parte con sus propias afirmaciones sobre lo que debía ser la pintura: «representación de los objetos que el artista puede ver y tocar… Un arte concreto, que únicamente puede estar compuesto por la representación de las cosas reales y existentes».
A uno y otro lado de estos dos personajes o en grupos situados a un nivel inferior, conversan o reflexionan los grandes pensadores de la Antigüedad: Sócrates, Parménides, Heráclito, Epicuro, Pitágoras, Diógenes, Euclides, etc. Algunos de ellos son retratos de contemporáneos de Rafael; así, por ejemplo, Platón presenta los rasgos de Leonardo; Heráclito (en primer plano, en el grupo de la izquierda, pero aislado y en actitud pensativa), los de Miguel Ángel; Euclides (tal vez se trate de Arquímedes, en el grupo de la derecha, inclinado y con un compás sobre una tablilla), los de Bramante.
Abierto, consta de doce tablas, divididas en dos pisos, en las que se despliega un programa iconográfico sumamente complejo, inspirado en el Apocalipsis, pero repleto de referencias religiosas a través de personajes y objetos simbólicos, a menudo difíciles de descubrir e interpretar.
Además del detallismo y el tratamiento de las calidades textiles y las carnaciones, destaca esta obra por su magnífica composición, en la que un abigarrado grupo de personajes se desenvuelven con naturalidad en un reducido espacio.
Al milagro asiste una comitiva de personajes toledanos, amigos y contemporáneos de El Greco, lo que supone un verdadero anacronismo: su hijo, en primer plano a la izquierda, que presenta la escena al modo del teatro clásico; el propio pintor, que mira al espectador, justo por encima de San Esteban; el párroco de la iglesia y comitente de la obra, frailes de las órdenes religiosas toledanas, caballeros de la Orden de Santiago, etc. La parte superior es un rompimiento de gloria, presidido por el tema bizantino de la Deesis: Cristo Juez, flanqueado por la Virgen y San Juan como intercesores de la humanidad.
Algunos de estos personajes son identificables: desde grandes figuras de la política, como Carlos V o Francisco I de Francia; hasta el propio pintor, con Tiziano y Tintoretto, en el grupo de músicos situado delante de Cristo.
Algunos de los personajes dirigen su mirada al espectador, como en «Los borrachos» o en «Las Meninas», en una puesta en escena típicamente barroca.
Como la máscara impedía ver la expresión de la cara, el actor expresaba los sentimientos de los personajes con gestos exagerados o verbalmente.
Copia el esquema siguiente y coloca donde corresponda las siguientes acciones: elección de localizaciones y vestuario, rodaje, música y sonido, descripción de la acción y de los personajes, storyboard, escritura del guion,; posproducción, efectos visuales y retoque.
Cristo aparece en el centro del cuadro, sentado y con un nimbo romboidal, junto a la Virgen y los apóstoles, pero entre los más de cien personajes del cuadro apenas destaca.
De hecho, la acción predomina claramente sobre la fiel representación de los personajes, lo que provocó el descontento de aquellos que no resultaban fácilmente reconocibles, pues en este tipo de obras cada uno pagaba su cuota correspondiente al pintor.
Desde el punto de vista de la relación de los personajes entre sí, la composición es unitaria y cerrada, en torno a la figura del dios; y en cuanto a su disposición en el espacio, es una composición en profundidad, ya que se distribuyen en un continuo hacia el fondo.
Durante el Imperio, muchos personajes importantes de las provincias tuvieron acceso a la ciudadanía romana.
El núcleo principal de los moderados eran los grandes personajes relacionados con la obra de las Cortes de Cádiz, que habían ido suavizando con el tiempo sus planteamientos políticos.
El espacio central y más significativo lo ocupa una figura de Cristo notablemente mayor que el resto de los personajes; mediante este recurso se pretende equiparar el tamaño y la importancia.
El héroe se enfrenta con otros personajes a lo largo de la obra, mostrando puntos de vista opuestos.
El juego de rol no cuenta con un guion previo, pero sí con una situación y unos personajes que hay que conocer e interiorizar.
El sarcófago propiamente cristiano, con escenas mínimas o personajes dentro de un rectángulo o medallón central, flanqueado a ambos lados por series de estrígilos.
El tema tiene una fuerte carga crítica hacia los personajes, ricos burgueses bien vestidos (también se ha insinuado que las mujeres fueran prostitutas de lujo) que, a pesar de su indumentaria, no pueden ocultar su aspecto altanero y desagradable.
El tratamiento de sus personajes («El cargador», «El pudelador», «El forjador», etc.) nos recuerda en cierto modo la obra pictórica de Millet, en su visión respetuosa hacia el trabajador anónimo, que aparece dotado de gran dignidad sin incurrir en excesos retóricos.
El tratamiento se aparta por igual de la pintura religiosa tradicional (compárese, por ejemplo, con «El entierro del Conde de Orgaz» de El Greco) y de la sensibilidad romántica: es un entierro ordinario, con personajes sin relevancia, representado tal como probablemente ocurrió.
En algunos cómics de ciencia ficción, como X-Men, hay personajes que son capaces de controlar cosas con la mente, con el pensamiento: abren puertas, cierran ventanas, ponen en marcha la calefacción o el aire acondicionado.
En algunos cómics de ciencia ficción, como X-Men, hay personajes que son capaces de controlar cosas con la mente, con el pensamiento: abren puertas, cierran ventanas, ponen en marcha la calefacción o el aire acondicionado.
En su etapa inicial sevillana practicó una pintura muy vinculada al naturalismo caravaggiesco, con escenas y personajes populares como El aguador de Sevilla (Museo Wellington de Londres) o la Vieja friendo huevos (National Gallery de Edimburgo).
En cuanto al tipo de composición, es cerrada, ya que no se establece conexión entre lo representado en el cuadro y el mundo exterior al mismo; unitaria, porque los personajes se relacionan entre sí mediante gestos y manos; y superficial, pues las dos figuras están situadas en un primer plano paralelo al de representación.
En el «Santo Entierro» de Juan de Juni aparecen diversos personajes.
En este sentido, es admirable la precisión del espejo convexo del fondo, en el que se refleja con precisión fotográfica toda la habitación, incluidos dos personajes que se encontrarían fuera del espacio representado.
En general, se ajustaban a dos tipos principales, aunque con diversas variantes: El sarcófago inspirado en los modelos paganos, con escenas o personajes que ocupan todo el frontal, en un desarrollo continuo o separados por columnas en un marco arquitectónico.
En primer lugar, los personajes representados eran reales y estaban ligados a la familia imperial, que aparece casi divinizada en el escenario sagrado del templo.
En todas ellas, cada uno de los personajes es identificado mediante una inscripción en caracteres griegos, ya que esta lengua era de uso frecuente en la Bética.
Entre los personajes que intervinieron en este debate, sobresalieron tres: B Bartolomé de las Casas, fraile dominico y apasionaa d do defensor de los indios, sostenía que estos eran seres libres con plenitud de derechos como súbditos del rey de Castilla; y la colonización solo se podía justi fi car como empresa exclusivamente evangelizadora y siempre que fuera pací fi ca.
Es de destacar el diálogo directo de miradas que se establece entre los personajes del cuadro y los espectadores reales: aquellos nos observan y nosotros, al ocupar el lugar de los reyes, somos los retratados.
Es una obra representativa de la denominada corriente plebeya del arte romano, que sacrifica la corrección formal en aras de una mayor claridad narrativa: se superponen personajes para mostrar la profundidad de una escena, se combinan puntos de vista diferentes para evitar que unos elementos oculten a otros, se utilizan escalas diferentes para personas y edificios (o elementos de la naturaleza), etc.; todo ello policromado en su día.
Es unitaria, porque los personajes se relacionan entre sí por grupos y mediante gestos o conversaciones, aunque algunos quedan intencionadamente aislados del conjunto.
Esta tendencia, además de compartir con las demás los rasgos generales señalados para la pintura barroca, presentaba las siguientes peculiaridades: Los modelos de sus personajes, religiosos o mitológicos, eran tipos vulgares de la calle (golfillos, mendigos, hombres y mujeres de origen humilde), que en el cuadro se transformaban en ángeles, héroes, dioses o santos.
Esta actividad permite comprender cómo interactúan personajes con mentalidades y culturas distintas ante una situación con fl ic-tiva; también favorece el desarrollo de habilidades que propician el respeto a los diversos puntos de vista y la resolución de confl ictos por medio del diálogo.
Esto es apreciable en todo el cuadro, pero de forma especial en algunos motivos como las nubes, el alma del difunto que transporta hacia el cielo el ángel situado en el centro de la composición, la casulla blanca del sacerdote de espaldas o las gorgueras de los personajes de la parte inferior.
Imágenes de los dioses griegos y otros personajes de la mitología.
Imaginativos y simbólicos: narran acontecimientos remotos, protagonizados por dioses y personajes legendarios, y están llenos de símbolos, por lo que son fruto, más de la imaginación que de una actividad discursiva o lógica.
Introdujo un tercer actor, aportó más dramatismo a los diálogos de los personajes y creó argumentos más complejos.
La comedia griega fue evolucionando desde una primera etapa en que estaba muy politizada, con un lenguaje obsceno, hasta la comedia nueva, con multitud de personajes estereotipados, situaciones muy embrolladas y un final siempre feliz.
La gama cromática empleada combina igualmente los colores cálidos y luminosos de los personajes en primer plano con los fríos del paisaje de fondo.
La importancia del paisaje natural y urbano como elemento unificador y su sorprendente profundidad, desde un punto de vista elevado para dar cabida a la multitud de personajes.
La influencia del naturalismo caravaggista se refleja tanto en el tema como en la técnica: protagonismo de personajes tomados de ambientes humildes, escena de la vida cotidiana, iluminación de acentuado tenebrismo, dibujo muy preciso y minucioso que refleja a la perfección las calidades de cada objeto (obsérvese el detalle de la copa o del cántaro, con las gotas que resbalan por él), y colores oscuros y terrosos de factura lisa.
La intención del artista es convertir al observador de la obra en participante activo del fervor religioso de la santa, y para ello le invita, en primer lugar, a asistir a una representación, simulando a su alrededor un auténtico recinto teatral, con un escenario enfrente y palcos laterales con espectadores; y después, le capta emocionalmente por la tensión dramática y la fuerza expresiva de los personajes.
La larga serie de escenas patéticas provoca un sentimiento de piedad y lo personajes, en medio de su desgracia, proclaman la crueldad y el absurdo de la guerra.
La oficina es una taberna del siglo y los personajes llevan indumentarias de esa misma época, salvo Jesús y San Pedro (a la derecha), que van vestidos con una túnica.
La potencia consumida se puede calcular a partir de la tensión y de la intensidad: actividades A pesar de provenir de nombres propios de personajes ilustres, el nombre de las unidades es un sustantivo que se escribe en minúscula .
La preferencia por la narración de hechos históricos protagonizados por personajes reales e identificables, frente a los temas mitológicos o alegóricos a los que tan aficionados eran los griegos.
La utilización de máscaras permitía a los actores representar papeles femeninos y realizar diversos papeles en una misma obra, pues únicamente había tres actores, pero aparecían más personajes.
La visión de los personajes es realista y, al contrario de lo habitual en los retratos regios, sin concesiones a la idealización, plasmando la psicología de cada uno de ellos a través de gestos y actitudes que muestran sin rodeos su verdadera naturaleza: soberbia y altanera la de la reina María Luisa, en el centro y como figura dominante; débil y bondadosa la del rey; taimada la del futuro Fernando VII, a la izquierda.
Las expresiones de dolor de algunos de los personajes.
Las figuras, de animales y personajes humanos, son menos estilizadas, de color negro sobre el fondo claro de la arcilla.
Las fuentes de luz representadas (la del fondo y la del supuesto tambor de la bóveda, en la parte superior) son secundarias e iluminarían al conjunto de personajes por detrás, por lo que sus efectos quedarían fuera de la percepción del espectador.
Los protagonistas de sus pinturas y dibujos son soldados anónimos y gentes del pueblo, no héroes ni personajes históricos.
Los gestos y actitudes se humanizaron y ganaron en expresividad, incluso los de los personajes sagrados.
Los personajes se distribuyen por el escenario en grupos independientes, perdiéndose por completo el carácter unitario de las composiciones clásicas.
Los personajes, de belleza idealizada, se vinculan entre sí a través de las miradas y los gestos de las manos: la Virgen sujeta por detrás a San Juan Bautista niño, que está adorando a Jesús mientras este, situado a un nivel más bajo y protegido por un ángel, le bendice con la mano derecha.
Los protagonistas de sus cuadros y grabados de esta época no son personajes conocidos o importantes, sino seres anónimos de ambos bandos, en ocasiones verdaderos tipos humanos, que ejercen o sufren la violencia del conflicto en su cotidianeidad.
Los romanos, en cambio, amantes de lo específico y concreto, preferían la representación individualizada de personajes reales y la narración histórica.
Los temas eran fundamentalmente religiosos, pero con un tratamiento muy peculiar, ya que con frecuencia se fundía lo sacro y lo cotidiano, en un doble sentido: Los personajes sagrados aparecen en ambientes de la vida cotidiana de la época, que nos familiarizan con las casas y paisajes a que estaba acostumbrada la burguesía flamenca.
Luego se unió a Urano y creó a los Doce Titanes, personajes gigantescos, los más famosos de los cuales son Crono y Rea, Ceo y Febe, Océano y Tetis.
Mantegna exalta en esta obra la vida en la corte de los Gonzaga, desplegando todo un elenco de personajes, algunos reconocibles y otros de dudosa identificación, como también es dudoso el significado de algunas escenas representadas.
Mezclados con ellos aparecen también otros personajes antiguos y contemporáneos del pintor, incluido él mismo, que se autorretrata mirando hacia el espectador en la segunda figura por la derecha del grupo de abajo.
Mosaico procedente de Pompeya que representa a personajes de una comedia, con máscaras: dos mujeres consultan a una bruja.
No consiste en una historia con introducción, nudo y desenlace; se trata, más bien, de que los personajes interactúen y se expresen en una determinada situación.
No obstante, a diferencia de la disposición superficial de los personajes de la parte inferior, en el ámbito de la Gloria se insinúa, mediante variaciones de luz y tamaño, una cierta profundidad espacial, apreciable en la figura de Cristo y en los bienaventurados de la derecha, así como en los grupos laterales.
No obstante, se aprecia en ellos una notable mejora técnica, pues los personajes se desenvuelven con más naturalidad en el espacio que los rodea, consiguiendo de este modo una perfecta integración de figuras y fondos, que contrasta con las rigideces de algunas obras del Quattrocento .
Para conseguirlo, hay que tener en cuenta los siguientes aspectos:– Elementos y contexto de la situación o el con fl icto que se va a representar.– Relación entre los personajes.– Cómo ve nuestro personaje la realidad: qué piensa y por qué (contexto cultural, argumentación).– De qué modo siente la realidad: qué sentimientos despierta en él lo que ve.– Cómo se prevé que actuará ante la situación que se va a esceni fi car y ante los demás personajes.
Perfeccionó la tragedia añadiéndole un segundo actor y permitiendo que los actores representaran a varios personajes.
Pero la verdadera originalidad de Praxíteles reside en que sus personajes, frecuentemente dioses, expresan verdaderas emociones, con una suave sonrisa y una gracia juvenil, a menudo en actitudes relajadas y sensuales.
Pero donde se aprecia una notable mejora del estilo de Velázquez es en la agrupación de los personajes, que en esta obra se relacionan entre sí con naturalidad y soltura, dejando atrás definitivamente la incomunicación y las actitudes forzadas de algunas de las pinturas más significativas de su etapa inicial, como «El aguador de Sevilla» o «La Vieja friendo huevos».
Pero el verdadero atractivo de esta obra está, como en casi todas las de Fra Angelico, en el encanto que transmiten sus personajes.
Pero el verdadero tema del cuadro trasciende lo anecdótico para denunciar la destrucción fría y metódica del ser humano, en un tratamiento propio del Romanticismo (situación límite y personajes anónimos) que se anticipa en mucho tiempo al expresionismo (deformaciones intencionadas para resaltar el dolor y la desesperación).
Pero no menos cierto es que en su obra late un espíritu apasionado, comprometido a fondo con los acontecimientos revolucionarios de su época, y que sus personajes viven situaciones a veces extremas de fuerte carga sentimental.
Personajes y situación.
Plauto crea unos tipos de personajes fijos que hacían reír al público.
Por detrás de ellas se disponen otros personajes anónimos, que comparten un mismo espacio, pero no se comunican entre sí.
Por esa razón, el tratamiento de los personajes es plenamente naturalista, hasta el punto de que en muchos de ellos se puede reconocer a personajes reales de la época del pintor, como se comentará más adelante.
Por otra parte, algunos de los personajes más famosos del cómic, como Superman, Batman, Spiderman o Astérix, han sido llevados al cine con notable éxito de taquilla.
Por otra parte, el espíritu individualista y el afán burgués de notoriedad se refleja en que quienes encargaban la obra solían hacerse representar en ella junto a los personajes sagrados, casi siempre del mismo tamaño y en plano de igualdad, lo que daría origen al retrato como nuevo género pictórico.
Realización de un juego de rol a partir de la situación y los personajes que se citan.
Se despliegan además otros muchos motivos y personajes, algunos de controvertida identificación y otros de enigmático significado, como la famosa rana situada sobre una calavera, cuyo hallazgo en tan denso conjunto decorativo constituye un difícil reto que, según la tradición, todo estudiante debe afrontar para tener éxito en sus exámenes.
Se representan con frecuencia divinidades como Afrodita o Venus (la Venus de Milo ), pero también personajes humildes, como El niño de la espina o El niño de la oca .
Simula ser un grupo escultórico en un marco espacial de fondo dorado, lo que justifica la ausencia de paisaje y concentra la atención en el asunto y las expresiones de los personajes.
Simula una amplitud y profundidad extraordinarias mediante el empleo combinado de dos recursos: por un lado, un perfecto sistema de perspectiva cuyo punto de fuga coincide con el centro de la composición, situado entre las dos cabezas de los personajes principales enmarcados por el arco del fondo; y por otro, la ya citada alternancia de luces y sombras en la mitad superior del fresco.
Sin embargo, bajo la simplicidad de este tema se ocultan numerosos interrogantes, empezando por la propia identidad de los personajes.
Sin embargo, la elegancia de los personajes y la amable dulzura de la escena anuncian ya las características de su obra posterior.
Sin embargo, se caracterizó, como en toda su obra, por su forma mesurada de representar a estos personajes, lejos del naturalismo barroco, evitando resaltar sus defectos y dotándolos de una gran humanidad.
Su función es va-lorar las diversas actitudes y argumentos de los personajes, y preguntarse: ¿cómo actua-ría yo en esa situación si fuese cada uno de los personajes? para comentarla después.
Suárez había elegido para hacerlo la fiesta de Semana Santa, en la que la mayoría del Gobierno y de los personajes del establishment, todos salidos del pasado franquista, se hallaban de vacaciones.
Sus figuras son corpulentas y de proporcionada anatomía; pero lo que realmente le diferencia es que, mientras Berruguete recurre a la tensión de sus personajes para manifestar el sufrimiento, Juan de Juni se sirve de un efectismo teatral que anticipa la gestualidad y afectación de la escultura barroca del siglo .
También es un maestro a la hora de crear personajes antagónicos que contrastan entre ellos, como Antígona e Ismene.
Todos los personajes se relacionan entre sí por grupos, en una composición flexible que resalta la figura de Cristo por diferentes medios: aparece enmarcada por el vano sobreiluminado a sus espaldas, los gestos de las manos de los apóstoles nos conducen a él, y su cabeza ocupa el centro geométrico del cuadro y en ella confluyen todas las líneas de fuga de la perspectiva aplicada.
Tratamiento de los motivos y en especial de la figura humana La parte inferior constituye una galería de retratos de personajes contemporáneos del pintor, cuyos rostros han sido tratados con un gran realismo, como algunos del mundo celeste, que también son identificables.
Un role-playing es la dramatización de una situación posible con unos personajes que desarrollan determinadas actitudes.
Una relación de los personajes culturalmente relevantes de la llamada «España peregrina» sería interminable.
Velázquez, además de pintar a la familia real y a otros personajes importantes, realizó también una serie de retratos de bufones u «hombres de placer», como se los denominaba entonces, siguiendo una larga tradición de los pintores de Corte.
Veronés en realidad nos presenta una gran fiesta veneciana de las que se celebraban en su época, en un grandioso escenario arquitectónico de estilo palladiano y con una galería de personajes de las más variadas procedencias e indumentarias, como era habitual en una ciudad que mantenía estrechas relaciones comerciales con lugares diversos y exóticos.
Y en cuanto a la expresividad, de nuevo se manifiesta la diferencia entre la mitad izquierda, con personajes más hieráticos, y la derecha, con figuras de una extraordinaria fuerza expresiva.
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