Español ES

450 oraciones y frases con obra

Las oraciones con obra que te presentamos a continuación te ayudarán a entender cómo debes usar obra en una frase. Se trata de ejemplos con obra gramaticalmente correctos que fueron redactados por expertos. Para saber cómo usar obra en una frase, lee los ejemplos que te sugerimos e intenta crear una oración.

¿Cuál era su función en la obra? e ¿Quién podía ser actor?
«Este esfuerzo de conversión no es solo obra humana.
«Ser benéfico cuando se puede es un deber, y además hay algunas almas tan predispuestas a la compasión que incluso sin otro motivo de la vanidad o de la propia conveniencia, encuentran un placer interior en difundir alegría a su alrededor y pueden recrearse en la satisfacción de otros en tanto que es su obra.
A pesar de todo, las nuevas Cortes liberales intentaron acelerar la obra iniciada por las de Cádiz, para desmantelar de fi nitivamente el Antiguo Régimen.
A algunos artíﬁces especialmente hábiles se les permitía dejar constancia de su nombre en las obras que realizaban, pero no por ello superaban la condición de meros artesanos, ya que la obra se consideraba una creación de quien la encargaba y sobre él recaía todo el mérito.
A diferencia de la obra anterior, esta aborda un tema de actualidad, con un evidente espíritu de exaltación, pero formalmente presenta las mismas características que aquella.
A menudo se combinaban ambas técnicas en una misma obra.
A partir de entonces el vídeo ha formado parte de un amplio repertorio de manifestaciones artísticas, desde la simple grabación de happenings y performances hasta la integración del propio proceso de grabación y reproducción dentro de una obra de más amplio alcance, como en las « videoinstalaciones ».
A través de esta obra maestra universal, Velázquez rindió su particular homenaje al acto creativo de la pintura, reivindicando su naturaleza intelectual previa a la labor estrictamente artesana.
A. Tipología Lo primero que habrá que indicar es el tipo de escultura al que pertenece la obra que estemos analizando, según tres criterios básicos: El resalte.
Abarca desde el mensaje que el artista quiere transmitir a lo que a cada uno le dice su obra.
Acaso el creyente goza de la ventaja de saber que el enigma tiene solución, que la escritura subyacente es, en fin de cuentas, obra de un ser inteligente y, por ello, que el problema planteado por la naturaleza ha sido planteado para ser resuelto y que su dificultad está en proporción, sin duda, con la capacidad actual o futura de la humanidad.
Actualmente la obra se encuentra en el Museo del Louvre.
Además del detallismo y el tratamiento de las calidades textiles y las carnaciones, destaca esta obra por su magníﬁca composición, en la que un abigarrado grupo de personajes se desenvuelven con naturalidad en un reducido espacio.
Además, con la plusvalía se agudiza la alienación, ya que el industrial la invierte en medios de producción y en mano de obra, que es progresivamente depauperada.
Además, desempeñó importantes misiones diplomáticas, que le permitieron viajar y difundir su obra.
Al milagro asiste una comitiva de personajes toledanos, amigos y contemporáneos de El Greco, lo que supone un verdadero anacronismo: su hijo, en primer plano a la izquierda, que presenta la escena al modo del teatro clásico; el propio pintor, que mira al espectador, justo por encima de San Esteban; el párroco de la iglesia y comitente de la obra, frailes de las órdenes religiosas toledanas, caballeros de la Orden de Santiago, etc. La parte superior es un rompimiento de gloria, presidido por el tema bizantino de la Deesis: Cristo Juez, ﬂanqueado por la Virgen y San Juan como intercesores de la humanidad.
Al artista se le consideraba un simple artesano que ejecutaba su obra siguiendo los dictámenes y las directrices de los representantes del poder.
Al contrario, en países o zonas menos ricas, las técnicas agrarias están poco mecanizadas, requieren mucha mano de obra y el suelo no se abona, sino que se deja en barbecho.
Al igual que Duchamp, rechazaba la originalidad de la obra de arte y muchas de sus creaciones fueron realizadas por sus colaboradores mediante procedimientos mecánicos, como la proyección fotográﬁca o la serigrafía.
Al margen de otras lecturas que se pudieran hacer de esta obra, lo interesante de este y otros «readymade» es su planteamiento nuevo y radical sobre el concepto del arte: para crear una obra de arte ya no era necesario ni siquiera producirla, bastaba con la voluntad del artista para convertir en arte incluso un urinario prefabricado; al mismo tiempo, el arte se ponía al alcance de todos y desaparecía la actitud pasiva del espectador hacia la obra acabada, pues cualquiera podía transformar o completar una obra ya existente por medio de una nueva mirada o una diferente utilización.
Algo obra como un caballo porque antes —no en el tiempo, sino desde el punto de vista del ser— es caballo.
Allí desarrolló su particular técnica de ensamblar delgadas láminas de hierro y cobre que, como los diferentes planos en que se descompone la pintura cubista, conﬁguran la obra ﬁnal.
Aparte de su extraordinaria calidad artística, es una obra representativa como ninguna otra de la admiración del Renacimiento por la Antigüedad clásica, cuyas aportaciones en todos los campos se consideraban vigentes y compatibles con el espíritu cristiano.
Arquitectura y obras públicas El arte romano fue al mismo tiempo heredero y transmisor de la tradición artística griega, aunque introdujo importantes novedades respecto a Grecia, en especial en la arquitectura: empleo del hormigón y del ladrillo, utilización del arco y la bóveda, etc. La arquitectura romana perseguía tres objetivos esenciales: la utilidad del edi fi cio, su perfección técnica y la propaganda del patrocinador de la obra.
Así, Pico della Mirandola, en su obra Discurso sobre la dignidad del hombre, explicó esta dignidad a partir de la posición intermedia que el ser humano ocupa entre los ángeles y los animales.
Así, un músico, al mismo tiempo que interpreta una obra, considera y contempla tanto su propia actividad como el fruto de la misma.
Asociamos el aniquilamiento de esta ilusión narcisista con el nombre y la obra de Copérnico en el si glo .
Aunque no quiso formar parte del círculo de pintores impresionistas, en cuyas exposiciones colectivas nunca participó, su obra fue para ellos objeto de admiración y punto de referencia, por lo que se le puede considerar, en cierto modo, el inspirador del nuevo estilo.
Aunque no dejó ninguna obra escrita, sabemos que descubrió la perspectiva moderna y la aplicó a la representación del Baptisterio y del Palacio de la Signoria de Florencia en sendas tablillas hoy perdidas.
Aunque se trata de una obra de colaboración de diversos artistas, no se aprecian grandes diferencias de estilo entre ellos.
Busca alguna obra plástica o musical de la primera mitad del siglo en la que se reflee al guno de los conceptos de la nueva física.
C. Elementos decorativos Es frecuente que en una obra arquitectónica, además de los elementos propiamente constructivos, existan otros incorporados a ellos, como relieves, pinturas murales o mosaicos, cuya función puede ser meramente decorativa o de otro tipo (didáctica, propagandística, etc.).
C. Representación de la luz Si en la escultura la luz, natural o artiﬁcial, era externa a la obra, en la pintura es también objeto de representación.
Cali fi cada por algunos como «la primera enciclopedia cristiana», fue una obra ampliamente difundida y admirada en Europa durante siglos.
Cánovas, por tanto, se vio obligado a admitirlo, aunque argumentaría después –y no sin razón– que la Restauración no fue obra militar, ya que dos batallones no la habrían conseguido de no existir un estado de opinión predispuesto a ella.
Casi siempre son objetos prefabricados, por lo que la intervención del autor se limita al montaje y a veces a la elección del espacio en que ha de ubicarse la obra.
Comentar una obra de arte no consiste únicamente en decir si nos ha gustado o no: es descubrir el mundo de signi fi cados y relaciones que encierra.
Como es característico en gran parte de su obra, en esta pintura Saura prescinde por Finalizada la guerra civil española y después de los difíciles años de la posguerra, marcados por el hambre y la represión, el régimen de Franco, tras la derrota del fascismo en la Segunda Guerra Mundial, quedó aislado internacionalmente.
Como a menudo ocurre en la obra de Goya, su carácter enigmático y ambiguo, para eludir posibles represalias políticas o de la Inquisición, da pie a múltiples interpretaciones.
Como en «Los borrachos», obra poco anterior que se comentará al ﬁnal de la unidad, el tema sirve de pretexto para plasmar una escena cotidiana, en este caso la actividad de una fragua de la época (los cíclopes míticos son simples herreros y la armadura es característica del siglo ).
Como en la obra anterior, Rodin combina las superﬁcies pulidas con las rugosas, que recuerdan el non ﬁnito de Miguel Ángel.
Como hemos visto en la obra de Salustio, al no resultar escogido, Catilina tramó una auténtica conspiración para hacerse con el poder, que Cicerón denunció.
Como mecanismo de precaución se establecía la llamada «consulta voluntaria», que permitía al editor someter la obra a un examen previo, para evitar riesgos posteriores.
Como pintor de Corte tuvo a su cargo las Colecciones Reales, que ejercieron una gran inﬂuencia en su obra, en especial las pinturas venecianas.
Como pintor de Corte, el retrato fue uno de los géneros más frecuentes de su obra.
Como rasgos esenciales, se pueden señalar los siguientes: La obra se concebía en función del marco arquitectónico o urbano al que iba destinada.
Comparada con la obra anterior, en esta se observan los mismos rasgos formales, pero llevados hasta sus últimas consecuencias.
Composición La obra está dividida en dos mitades contrapuestas y con un tratamiento diferenciado: la inferior o mundo terrenal, y la superior o ámbito celeste.
Con él nos referimos a las obras artísticas que se sirven de Internet como medio de creación y como ámbito de exposición, aprovechando los enormes recursos que ofrece: combinación de imágenes, textos y sonidos; enorme potencial de comunicación; e interactividad (cualquier usuario puede intervenir en la obra de muy diferentes formas).
Con esta obra Miguel Ángel inició el tema de la Piedad, que abordó, aunque de forma mucho más dramática, en varias obras de su madurez.
Con motivo de la caída de Roma, Agustín escribió su célebre obra La ciudad de Dios .
Con su obra El espíritu de las leyes contribuyó a que las ideas políticas de Locke inspirasen las revoluciones americana y francesa de fi nales del siglo xviii .
Construcción de obra pública.
Copérnico En su obra Sobre las revoluciones de los orbes celestes, Copérnico se propuso lograr una explicación más simple del movimiento del universo, ya que la antigua teoría ptolemaica se veía obligada a multiplicar el número de órbitas de los planetas para dar cuenta de hechos que parecían contradecir el geocentrismo.
Curiosamente, la composición está inspirada en una obra de Rafael, conocida a través de un grabado, y en el «Concierto campestre» de Giorgione, en el Louvre; sin embargo, Manet, al otorgarles un tratamiento tan distinto, rompía con la pesada carga de veneración a los clásicos impuesta por el academicismo.
De ahí que pueda aﬁrmarse que no hay ninguna obra de arte más importante que la de nuestra propia vida.
De esta forma los mercaderes extranjeros vendrán a comprar lo que les falta en sus tierras, y en vez de pagar, como ahora, quince reales por la arroba de lana, pagarán por la obra que de ella resultare quince ducados, y así en todo lo demás [...
De este modo el interés de la obra ya no estaba tanto en el resultado ﬁnal, en cierta medida imprevisible, como en la propia acción de pintar, convertida en ritual creador.
De hecho, si cada realidad es algo y obra de algún modo, se debe al poder omnímodo de Dios.
De modo semejante a como una obra de arte se contiene en la inteligencia del artí fi ce antes de realizarla, las esencias de las cosas se hallan como ejemplares o modelos en la mente divina antes de crearlas.
Debe ir más allá, tratando de descifrar y explicar el signiﬁcado profundo, alegórico o simbólico que el tema puede encerrar, en relación con las circunstancias de la obra o la época.
Del collage arranca la fase conocida como cubismo sintético, en la que el pintor no elabora ya su obra a partir del análisis intelectual y la consiguiente fragmentación de un motivo particular, sino que realiza un proceso contrario: por medio de planos de color, formas más o menos abstractas y objetos pegados (trozos de periódico, letras recortadas, etiquetas, un trozo de hule, etc.), se alude a motivos del mundo real, que quedan reducidos a algunos elementos esenciales (en esta obra, se alude a la silla mediante un hule que imita la rejilla de caña del asiento; y a un periódico, mediante las letras JOU, de journal, «periódico» en francés).
Desde ﬁnales del siglo XIX hasta la Primera Guerra Mundial, el cartelismo fue obra esencialmente de pintores y, por tanto, su estética estuvo vinculada en muchos casos a las primeras vanguardias de las artes plásticas.
Desde los orígenes, nuestra especie ha intentado explicar las causas de los fenómenos de su entorno y a me-nudo les ha dado una explicación basada en la acción de fuerzas sobrena-turales (por ejemplo, «los rayos son obra de Zeus») o en razonamientos de apariencia lógica pero sin confirmación experimental («los objetos pesados caen más rápido que los ligeros»).
Desde su entrada en España, los partidarios del absolutismo le incitaron a restaurar el viejo orden de cosas, máxime teniendo en cuenta que la fuerza real de los liberales y su implantación en el cuerpo social era mucho más reducida de lo que su in fl uencia en la obra legisladora de las Cortes de Cádiz podía hacer sospechar.
Desde un punto de vista formal se puede considerar una obra a caballo entre el Gótico ﬁnal y el nuevo lenguaje renacentista.
Desde un punto de vista formal, la obra nos remite en algunos aspectos a la etapa del cubismo analítico: fragmentación de las ﬁguras en planos que responden a diferentes momentos y puntos de vista; gama cromática limitada (blanco, negro y gris), aunque aquí tal vez se trate de una referencia a las fotografías de la masacre o de un recurso simbólico (el negro como color de la muerte y el luto).
Desde un punto de vista técnico, el estilo de Velázquez alcanzó con esta obra su plena madurez, dejando atrás deﬁnitivamente los rasgos de su etapa sevillana: Sustituye por completo el claroscuro tenebrista para dar paso a una luz más matizada.
Durante su vida no logró que sus ideas se aceptaran; incluso, el editor de su principal obra insertó en ella un prefacio donde presentaba las tesis heliocéntricas como meras hipótesis.
Durante esta etapa se abandonó de forma casi deﬁnitiva el estilo gótico y se adoptó una concepción más clasicista de la obra en su totalidad, aunque en muchos casos resulta evidente la inﬂuencia del manierismo italiano contemporáneo.
El artista puede convertirse en un colaborador directísimo de Dios, en la medida en que la obra de sus manos es capaz de desvelar la santidad, trascendencia y belleza del mismo Dios.
El códice más antiguo de una obra se denomina arquetipo.
El conjunto representa el más claro ejemplo de fusión de escultura y arquitectura, característica de la obra de Bernini: la capilla se convierte en un escenario teatral que enmarca la representación dramática del grupo escultórico, iluminado de forma efectista por una luz que penetra por la vidriera amarilla oculta tras el frontón.
El métido era rutinario y se basaba en la memorización de textos de los grandes poetas, sobre todo de Homero, cuya obra se consideraba un compendio de valores y virtudes.
El mosaico de Teodora es además una obra representativa de su época por varias razones.
El núcleo principal de los moderados eran los grandes personajes relacionados con la obra de las Cortes de Cádiz, que habían ido suavizando con el tiempo sus planteamientos políticos.
El Partenón es, por todo lo dicho anteriormente, una obra fundamental de la arquitectura del período clásico, ya que en ella se plasman a la perfección los ideales estéticos de la civilización griega: arte concebido en relación con el hombre, sometido a la razón, y que alcanza la belleza a través de la armonía, la proporción y el orden de todas sus partes.
El propio título de la obra es una alusión al famoso cuadro del noruego Munch, igualmente desgarrador e inquietante por su fuerza expresiva.
El ambiente debía de ser muy bullicioso, pues el público, además de comer, silbaba, aplaudía o gritaba, según las reacciones que provocara la obra.
El arte cordobés o califal (siglos viii x ) nos ha dejado, como obra más representativa, la mezquita de Córdoba –imagen inferior izquierda–, que se levanta sobre la que fuera basílica visigoda de San Vicente, compartida en un principio por cristianos y musulmanes, y después comprada a los cristianos para realizar una mezquita más grande.
El artista, al desentenderse del signiﬁcado de la obra, concentró todo su interés en los aspectos puramente formales.
El broche de la cota era de un valor muy superior al del resto de la armadura, pues era obra de Helicón el mayor y obsequio de la ciudad de Rodas, que le había hecho aquel presente: solía también llevarlo en sus batallas.
El capital es la obra en la que Marx critica la sociedad liberal de su época y describe cómo los obreros del siglo xix estaban sometidos a una explotación deshumanizadora.
El casco era de acero, pero resplandecía como la más bruñida plata, obra de Teófilo; se ajustaba un collar también de hierro, guarnecido con pedrería.
El caso es que la obra fue rechazada por los carmelitas, que pusieron en su lugar otro cuadro del mismo tema realizado con más decoro por otro autor.
El comentario debe indicar si existe o no tal relación y, en caso aﬁrmativo, en qué medida la obra se adapta al entorno o está condicionada por él.
El conjunto estaba rematado por una escultura de la Victoria sobre una cuadriga, obra de Schadow.
El cristiano sabe que Dios solo quiere lo mejor para sus hijos y que podrá ver «el otro lado del tapiz», en el que no se encontrarán los nudos, sino una obra bella que él «teje» con la respuesta libre de cada uno.
El declive de las ciudades y del esclavismo El sistema económico del Alto Imperio se había sustentado en la actividad comercial de las ciudades y en la mano de obra esclava.
El despegue de la industria y los servicios, ubicados mayorita- riamente en el marco de las ciudades, atrajo a la mano de obra sobrante de la agricultura.
El grupo de Hermes con Dioniso niño se ha considerado tradicionalmente una obra original en mármol, ya que fue descubierto en el templo de Hera en Olimpia, donde lo situaba el viajero Pausanias en su Descripción de Grecia.
El gusto de este público determinaría cada vez en mayor medida la producción de los artistas, cuyo éxito dependía de su aprobación, como en otros tiempos había dependido de la satisfacción de los clientes que encargaban la obra.
El héroe se enfrenta con otros personajes a lo largo de la obra, mostrando puntos de vista opuestos.
El hombre del humanismo cristiano sabe que la obra común debe tender, sobre todo, a mejorar la vida humana misma, a hacer posible que todos vivan en la Tierra como hombres libres y gocen de los frutos de la cultura y del espíritu.
El horror al vacío, habitual en la obra de El Greco, se traduce en un abigarramiento de las numerosas ﬁguras, algunas de ellas recortadas parcialmente por el marco.
El Matrimonio Arnolﬁni, actualmente en la National Gallery de Londres, es una obra maestra de la escuela pictórica ﬂamenca del siglo –o de los primitivos ﬂamencos, término poco afortunado con el que se los ha denominado en España–, perteneciente a la fase ﬁnal del Gótico.
El motivo fundamental de su obra fue la ﬁgura humana, a la que representó en todas sus edades, desde la infancia a la vejez, y en todas las actitudes, desde las más serenas hasta las más dramáticas.
El Nilo condicionó la economía y la organización social: la cosecha dependía de las inundaciones, que creaban un período de inactividad de labores agrícolas durante el cual la mano de obra campesina podía ser empleada para la realización de grandes construcciones; y el aprovechamiento de las aguas del Nilo se basaba en un buen sistema de diques y canales, cuya construcción y mantenimiento requería un duro trabajo colectivo controlado por una autoridad fuerte.
El paisaje que sirve de fondo a la escena es de gran luminosidad y relaciona esta obra con el clasicismo barroco, pero el tratamiento del tema es naturalista, ya que Jacob se asemeja a un arriero de la época que hace un alto en el camino para descansar.
El pintor con frecuencia no mezcla los colores en la paleta, sino que los yuxtapone en el cuadro en pequeñas pinceladas para que el observador los funda en su retina al contemplar la obra desde lejos.
El poder de alterar la naturaleza por parte de los seres humanos resulta, en ocasiones, fecundo, como lo es convertir zonas áridas y resecas en jardines o cultivos de alimentos por medio de las técnicas de regadío; otras veces es una labor creativa, como transformar una simple roca de mármol en una maravillosa obra de arte (pensemos en el David de Miguel Ángel).
El Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago, obra del Maestro Mateo, ilustra perfectamente esta evolución –véase imagen siguiente–. Por último, dentro de la pintura destaca sobre todo la pintura mural de las iglesias, ya que las grandes super fi cies de muros y bóvedas ofrecían un amplio espacio, ideal para la representación de temas religiosos.
El primero era el creador intelectual, en cuanto que la ideaba y decidía su programa iconográﬁco; normalmente era un religioso, a menudo el propio promotor de la obra, el obispo o el abad, pero también podía ser un monje culto.
El principal defecto de esta obra es que ni el rostro ni el torso reﬂejan la tensión que correspondería a una acción como la representada.
El profesor Michael F. Ashby, en su obra Materials and the Environment, advierte de que en los estudios de impacto ambiental de los objetos que diseñamos y producimos, hay que considerar todos los aspectos de su ciclo de vida en lo referente al consumo de energía.
El promotor de la obra Contenido que han de tener los estudios de impacto ambiental Autoridades ambientales Estudio del impacto ambiental.
El propio concepto de belleza coincidía con el de la Antigüedad, pues se entendía como proporción, armonía y orden de todas las partes en el conjunto de la obra artística.
El tema representado es una alegoría de la obra de los jesuitas, en la que aparece sobreiluminada la abreviatura del nombre de Jesús en griego (IHS), que la Iglesia occidental convirtió en sigla de Iesus Hominum Salvator (Jesús Salvador de los Hombres) y los jesuitas en emblema de su orden con el signiﬁcado de Iesum Habemus Socium (a Jesús Tenemos por Compañero).
El tratamiento de la ﬁgura presenta los mismos rasgos que la obra anterior: gracia juvenil, sensualidad y delicada sonrisa.
El tratamiento de los motivos era clasicista, en composiciones muy dinámicas y espectaculares que trataban de aturdir al espectador, admirado ante la grandeza del comitente de la obra (la Iglesia o la monarquía).
El tratamiento de sus personajes («El cargador», «El pudelador», «El forjador», etc.) nos recuerda en cierto modo la obra pictórica de Millet, en su visión respetuosa hacia el trabajador anónimo, que aparece dotado de gran dignidad sin incurrir en excesos retóricos.
El único deber que, según Kant, mueve a la voluntad sin condición alguna sería el imperativo categórico: «obra de tal modo que puedas querer que la máxima de tu actuación se convierta en norma de conducta universal».
Elabora un comentario sobre una obra de arte románico elegida por ti.
Elabora un resumen de su trayectoria arquitectónica y comenta brevemente una obra signiﬁcativa de cada uno de ellos (te recomendamos el Palau de la Música Catalana, de Domènech i Montaner, y el Parque Güell, de Gaudí).
Elaboró su obra a partir de la crítica al estructuralismo.
Elegid una obra del arte funerario egipcio (un sarcófago, una pintura, una escultura...) y comentad aspectos concretos de la concepción de la muerte en el antiguo Egipto.
En esta obra en concreto basta con suprimir visualmente todo el marco arquitectónico que se eleva por encima del grupo de ﬁguras para percatarse de cómo desaparece la sensación de profundidad que produce la secuencia de las dos bóvedas de cañón, en penumbra, separadas por un espacio sobreiluminado.
En esta obra, además, reivindicaba la óptica y la teoría de las proporciones como base cientíﬁca del arte.
En este sentido, en nada se apartaba el arte islámico de la tradición antigua y medieval cristiana, salvo en el hecho de que el Islam prohibía la ostentación y por ello la propaganda del benefactor se ocultaba bajo la apariencia de una obra piadosa.
En general, su obra transmite una sensación de aislamiento, soledad y angustia.
En cambio, de los almohades se pueden apreciar en Sevilla, la que fuera su capital en Al Ándalus, dos magní fi cos ejemplos: la Torre del Oro y la Giralda, esta última era el minarete de la mezquita, que ocupaba el solar de la catedral actual –véase imagen inferior–. Por último, el arte nazarí de Granada (siglos xiv y xv ) nos ha legado otra magní fi ca obra: el palacio de la Alhambra, el mejor y más antiguo de los palacios islámicos conservados –véase imagen superior–. Sus pobres estructuras están enmascaradas por una fantástica decoración, que cubre por completo techos y muros, con motivos vegetales, geométricos y epigrá fi cos.
En cambio, el artíﬁce práctico, al que hoy día consideraríamos propiamente el artista, era un mero artesano que ejecutaba la obra.
En consecuencia, hay que considerar el producto o resultado de esa acción como la obra del trabajador.
En consecuencia, una historia del arte contemporáneo exige tener en cuenta esta realidad e incorporar como objeto de estudio las obras realizadas por los nuevos medios, entre las cuales podemos distinguir, según su ﬁnalidad, dos grandes grupos: las que pretenden ser exclusivamente una obra de arte; y las que persiguen otros ﬁnes (publicidad comercial, información, entretenimiento, etc.), pero utilizan para ello recursos artísticos.
En cualquier caso, el Realismo, encabezado por un grupo reducido de pintores, no introdujo innovaciones formales, sino una provocadora revolución temática en un panorama general de artistas que, en el más puro academicismo, producían su obra para una burguesía ya claramente conservadora.
En cualquier caso, la aportación más interesante del Dadaísmo es el planteamiento revolucionario sobre el arte que subyace en sus obras y actitudes: ni la obra de arte se considera un objeto de culto, ni el artista un elegido dotado de cualidades especiales.
En cualquier caso, la catedral de Santiago es una obra maestra dentro de la tipología de las iglesias de peregrinación.
En cuanto a las consecuencias económicas, la más notable fue el espectacular aumento de los precios –por la caída de la producción en general– y de los salarios –por la escasez de mano de obra derivada de la gran mortandad–. No menor fue el impacto psicológico .
En cuanto a las repercusiones e in fl uencia de Marx, E h hay que señalar que el principal comentador de su obra fue Engels, que continuó la labor de su amigo.
En cuanto al autor de la obra, en la época románica se distinguía entre el artíﬁce teórico y el artíﬁce práctico .
En deﬁnitiva, el monasterio de El Escorial no solo fue la obra arquitectónica más importante de la Contrarreforma católica, sino también y sobre todo la imagen de la grandeza y severidad de la monarquía de Felipe II; una monarquía que, como el monasterio, estaba aislada y encerrada en sí misma.
En deﬁnitiva, la catedral de Santiago es la culminación de un camino de peregrinación, pero también de un arte, el Románico, que en esta obra integra y supera todas las inﬂuencias previas.
En deﬁnitiva, se trata de una obra compleja y de extraordinaria variedad, tanto en su concepción general, como en cada uno de los elementos constructivos que la componen, que no se ajustan a las tipologías tradicionales, aunque parezcan inspirarse en soluciones góticas.
En efecto, esta está asociada al crecimiento de la población urbana, como consecuencia del trasvase de la mano de obra sobrante del campo a las industrias, situadas en las ciudades.
En el relato final de su obra Gorgias, Sócrates se enfrenta a un grupo de filósofos que sostiene que es mejor hacer la injusticia que sufrirla.
En él destaca la espectacular portada-retablo de marcado sentido escenográﬁco, en la que una desbordante fantasía ornamental envuelve la hornacina superior con la escultura de San Fernando recogiendo las llaves de Sevilla, obra de Juan Ron, colaborador de Ribera.
En el Suprematismo predominan las formas geométricas simples de colores planos, y la abstracción llega hasta sus últimas consecuencias, convirtiendo la obra de arte en un objeto material absolutamente autónomo, sin ningún tipo de dependencia respecto a un tema o a cualquier otro elemento externo a él mismo.
En ellas, reunido a vuestros representantes, me gozaré de concurrir a la grande obra de la prosperidad nacional.
En esta obra los contrastes lumínicos no son aún demasiado acusados, pero ya se aprecian dos rasgos característicos de su pintura: el dibujo preciso y bien deﬁnido, impropio del Barroco, que primaba el color sobre los elementos lineales; y la presencia de un magníﬁco bodegón en primer plano.
En esta obra Ribera renuncia ya a los fondos oscuros, aunque el tratamiento de la luz sigue siendo muy contrastado, y a los detalles patéticos a los que tan bien se prestaba el tema de un martirio.
En esta obra, el pensador había partido de la pregunta por el ser, pero las re fl exiones lo llevaron a la nada y al ser para la muerte.
En esta obra, por tanto, se aprecia con claridad el deﬁnitivo abandono de la sobriedad de inﬂuencia escurialense, propia de la primera mitad de la centuria, y el avance hacia una ornamentación y dinamismo genuinamente barrocos.
En esta técnica, también conocida como de «paños mojados» llega, incluso, a superar la obra de Fidias en los frontones del Partenón.
En este aspecto inﬂuyó también la obra de Miguel Ángel con su non ﬁnito .
En este contexto se desarrolló la obra de san Anselmo, fundador de la teología escolástica occidental.
En este marco destacaron dos grandes pintores barrocos, cuya obra se proyectó mucho más allá de Venecia: Tiepolo y Canaletto.
En este mismo sentido, el Modernismo se interesó por la obra de arte total, desde la estructura arquitectónica hasta el diseño de muebles y utensilios domésticos, con una estética elegante y placentera, que recuerda en sus planteamientos e, incluso, en algunas de sus formas, al Rococó.
En este sentido la mentalidad romana no se diferenciaba de la griega; de hecho, el mérito de una obra se atribuía a quien la encargaba y no al artista.
En Italia conoció la obra de Miguel Ángel, que ejerció en él una profunda inﬂuencia.
En la «Introducción» de esta obra realizó un estudio de los posibles tipos de juicios, ya que mediante estos se expresa todo el conocimiento.
En la construcción de viviendas existe la figura del director de obra, que se encarga de controlar el proceso de construcción de manera que se realice tal y como se diseñó.
En la vida no ocurre como en una obra de teatro o en una película, donde los actores conocen el guion previamente, y han podido aprenderlo y ensayar.
En los países industrializados, la siembra, el abonado y la recolección están muy mecanizados y requieren poca mano de obra.
En relación con ella, interesa observar de dónde procede y si la fuente de iluminación está visible en la obra; si es focal o difusa; si crea volumen mediante la gradación de luces y sombras (gradación tonal o modelado); si contribuye a crear sensación de espacio; si parece real o irreal; si tiene valor simbólico, etc. D. Composición Como en la escultura, nos interesa descubrir el esquema compositivo de la obra (triangular, circular, en aspa, etc.) y los efectos que produce (equilibrio, serenidad, agitación).
En Ser y tiempo, su obra principal, se pregunta: ¿qué es el ser?
En su obra Conceptografía se expone por vez primera la lógica matemática de un modo sistemático y completo.
En su obra Elementos realizó una excelente síntesis de la aritmética y la geometría de su tiempo; esta última perduró como la única posible hasta el siglo xix .
En su obra estableció sus principales premisas.
En su obra Principios matemáticos de ﬁlosofía natural, explicó los movimientos de los planetas con los mismos principios con los que Galileo había dado cuenta de los movimientos de los objetos en la Tierra.
En su obra refl exionó sobre la acción humana, buscando criterios que permitieran la obtención de la felicidad.
En su obra se observa el paso de la visión desenfadada de la etapa anterior a una predilección por los aspectos negativos y sórdidos de la vida.
En su obra se sintetizan las diversas in fl uen- cias que recibió a lo largo de su trayectoria desde Creta hasta España: la espiritualidad del arte bizantino cretense, las luces irreales y los colores fríos del pintor veneciano Tintoretto, etc. Entre sus obras más destacadas, se podrían mencionar: La adoración del nombre de Jesús (El Escorial), cuadro que ofreció a Felipe II, ya que es una exaltación de su persona y de su triunfo contra los turcos en Lepanto; El martirio de San Mauricio (El Escorial), obra encargada por Felipe II, que nunca colocó en su destino por no ser de su agrado; El entierro del señor de Orgaz (iglesia de Santo Tomé en Toledo), probablemente su mejor obra; y magní fi cos retratos, como el del Caballero de la mano en el pecho (Museo del Prado, Madrid).
En su obra son frecuentes los lienzos recortados («shaped canvas»), con formas distintas de la cuadrada o rectangular.
En su obra, La nueva sensibilidad, Alejandro Llano advierte que nos encontramos ante «un deslizamiento de la empresa desde el área de la técnica al área de la cultura».
En su trayectoria como escultor, pasó por diferentes etapas: se interesó por el arte primitivo, el Cubismo, la abstracción y el Surrealismo, hasta alcanzar su estilo personal y maduro después de la Segunda Guerra Mundial, en que su obra nos transmite la angustia de la ﬁlosofía existencialista de esta época.
En sus seis lados se representa a sendos profetas, uno de los cuales, Moisés, da nombre a la obra.
En una de ellas escribió: «Obra solo según la máxima a través de la cual puedas querer al mismo tiempo que se convierta en una ley universal».
En una Nación llena de honor, como la española, conduce mucho no perder de vista esta máxima, que obra tan buenos efectos en Cataluña, y en otras Provincias del Reino.
Es el caso de ciertos documentales, adaptaciones televisivas (de una obra literaria o de un ﬁlme, por ejemplo, normalmente divididas en capítulos) y, sobre todo, anuncios publicitarios, algunos de ellos verdaderas obras maestras por su ingenio y creatividad.
Es el signi fi cado ma-terial, lo que la obra representa o describe.
Es especialmente famosa la obra La metamorfosis, de F. Kafka.
Es evidente que en el Suprematismo lo que se valoraba era la reﬂexión sobre el propio arte, no la habilidad del artista ni la diﬁcultad de ejecución de la obra (prejuicios de origen renacentista, que aún perviven).
Es la obra cumbre de su última etapa y reúne todas las características de su estilo maduro: fuertes contrastes lumínicos tratamiento simbólico de la luz, que inunda todo el cuadro (la fuente es el Niño) distorsión de la ﬁgura humana, cuyos miembros alargados parecen inmateriales y ﬂameantes total predominio de la mancha de color sobre el dibujo gama de colores fríos.
Es necesario, por lo tanto, revisar la obra de los fi lósofos tal y como se re fl eja en sus textos.
Es una obra representativa de la denominada corriente plebeya del arte romano, que sacriﬁca la corrección formal en aras de una mayor claridad narrativa: se superponen personajes para mostrar la profundidad de una escena, se combinan puntos de vista diferentes para evitar que unos elementos oculten a otros, se utilizan escalas diferentes para personas y ediﬁcios (o elementos de la naturaleza), etc.; todo ello policromado en su día.
Es, por tanto, un esquema compositivo que sugiere en quien contempla la obra agitación y, una vez más, intensa fuerza dramática.
Esa obra necesita el acuerdo de todos los vecinos y su coste se deber repartir entre todos los propietarios.
Esta obra es una muestra paradigmática de escultura monumental del Románico pleno, fechada en el primer tercio del siglo .
Esta debe alcanzar dos objetivos: situar al lec-tor ante la obra de arte y mostrar que es adecuada para la re fl exión sobre un determinado tema.
Esta forma de pintar, gestual y expresiva, permite relacionar esta obra con la pintura de acción ( action painting ) del Expresionismo Abstracto norteamericano, como la que había practicado el ya entonces fallecido Jackson Pollock.
Esta fue su gran obra, a la que Miguel Ángel consideró, por su perfección y belleza, merecedora de ser la «Puerta del Paraíso», como popularmente se la conoce.
Esta fue, por tanto, la obra que marcó el comienzo de su exitosa carrera, en la que la lluvia de pedidos le obligó a tener numerosos colaboradores a su servicio.
Esta información demuestra que existía un reconocimiento social del artista, aunque no superase la condición de artesano, y sobre todo que quien ordenaba y ﬁnanciaba su construcción se atribuía el mérito de la obra.
Esta obra debe transmitir alguna de las ideas estudiadas en la unidad.
Esta obra es una de las más representativas de la producción de Zurbarán, pintor de apacibles ambientes monacales, pues realizó gran parte de su obra por encargo de órdenes religiosas.
Esta obra ilustra perfectamente la relación dinámica entre arquitectura y urbanismo, que caracteriza al Barroco, convirtiendo la fachada del ediﬁcio en elemento fundamental, en cuanto que es la zona de contacto entre el interior y la ciudad.
Esta obra pertenece al clasicismo de la época augústea, lo que se aprecia no solo en la inﬂuencia de su modelo, el Doríforo de Policleto, sino también en sus elementos alegóricos y mitológicos, que son más propios del arte griego que del gusto romano por lo histórico y concreto.
Esta obra reúne todas las características generales de su pintura: realismo, composición simple y sin movimiento, ﬁguras estáticas y yuxtapuestas, como los elementos de bodegón que se disponen sobre la mesa, expresiones serenas, dibujo preciso y fuertes contrastes de luces y sombras.
Esta obra se convertiría en modelo de estatua ecuestre, sobre todo en el Renacimiento y el Barroco.
Esta pérdida de Dios se traduce, según la pensadora andaluza, en la creación de otros dioses, que concretó en tres idolatrías : la historia (propuesta por Hegel), la sociedad (obra del materialismo), y el futuro (debida a la fi losofía vitalista de Nietzsche).
Esta situación de combate es, en realidad, una hermosa oportunidad de ser libres colaboradores de la obra de Dios en la Iglesia y en el mundo.
Esta última se considera una obra cumbre del Renacimiento y de la historia universal de la pintura, y la analizaremos con detalle al ﬁnal de esta unidad.
Estas son esculturas o entornos en los que el vídeo se incorpora como elemento constitutivo de la obra, a veces con una participación directa del espectador.
Este carácter críptico e intelectual es un rasgo característico de toda la obra de Jan van Eyck.
Este sencillo complemento de la estatua es una obra revolucionaria desde el punto de vista técnico, pues emplea por primera vez un tipo de relieve muy superﬁcial, denominado schiacciato («aplastado»), que fue muy característico de su estilo y que, a pesar de su mínimo resalte, consigue transmitir una sensación de profundidad completamente verosímil.
Este tipo de agricultura gasta mucha energía, requiere el uso de semillas seleccionadas, abonos y plaguicidas y suele utilizar mucha mano de obra.
Esto diﬁculta la clasiﬁcación de su obra, que abarca no solo una gran diversidad de estilos, sino también de técnicas (pintura, grabado, escultura, cerámica).
Esto explica la continua aparición de nuevos planteamientos artísticos, a menudo de corta vida, pero de gran fuerza innovadora: son las denominadas vanguardias históricas o primeras vanguardias, que propusieron nuevas formas de entender la obra de arte.
Esto explica la peculiaridad del Renacimiento español: en una primera fase (ﬁnales del siglo y primer tercio del ) se limitó a introducir algunos elementos renacentistas en obras esencialmente góticas; y solo desde el segundo tercio del siglo se empezó a concebir la obra en su conjunto con un nuevo lenguaje, pero ya manierista en mayor o menor grado, en concordancia con lo que se estaba realizando en Italia por las mismas fechas.
Estuvo en Italia, donde admiró la obra de Miguel Ángel y los pintores barrocos, y en Londres, donde retrató la miseria resultante de una industrialización deshumanizada, anticipándose con ello al Realismo.
Existen diversos métodos de plantear y resumir los impactos ambientales de una determinada obra o acción.
Existía un especial interés en resaltar la apariencia del ediﬁcio, o al menos de su fachada, con un sentido escenográﬁco en relación con el entorno urbano, mientras que en el Renacimiento se perseguía la belleza y la armonía de la obra en sí misma.
Explica de qué modo se plasman dichos conceptos en la obra que has elegido.
Expresa tu opinión personal sobre el concepto del arte que se deriva de una obra como la «Fuente» de Marcel Duchamp.
Falleció en Hobbes entendió la realidad como un conjunto de tres tipos de cuerpos —cuerpo natural, cuerpo humano y cuerpo político—, que se corresponden con las tres partes de su obra Elementos de fi losofía: el cuerpo, el hombre y el ciudadano.
Filosofía y poesía Zambrano reivindicó en su obra Filosofía y poesía el papel de la razón intuitiva, una razón que persigue lo concreto, el mundo de la vida.
Formad grupos de dos o tres personas e investigad sobre la vida y la obra de un investigador cristiano.
Formalmente, parece inspirarse, en parte, en una obra de Carpeaux («Ugolino y sus hijos», cuyo dramatismo contrastaba con la comentada de «La danza»), pero, sobre todo, en Miguel Ángel: la postura recuerda al Pensador de las Tumbas Mediceas de Florencia, y la disposición del codo derecho sobre la pierna izquierda nos remite a la ﬁgura de la Noche, en la tumba situada frente a la anterior.
Fue el pintor de los apacibles ambientes monacales, ya que gran parte de su obra la realizó por encargo de las órdenes religiosas para la decoración de sus conventos.
Fue también el mejor escultor de su tiempo y en sus realizaciones la arquitectura se convierte en escenario de la obra escultórica.
Giacometti relacionaba esta escultura con una mujer que le había fascinado y con la que había construido «un palacio fantástico en la noche… un palacio muy frágil de palillos»; la columna vertebral y el esqueleto de pájaro los asociaba a ella, pero aﬁrmaba desconocer por qué los había incluido en la obra.
Gracias a ellos, la obra aristotélica se difundió en la escolástica cristiana del siglo xiii .
Gracias a esta obra se conservó la cultura romana entre los visigodos.
Hasta ahora hemos mencionado el sistema de trabajo directo, pero lo más habitual es que el escultor realice un modelo previo en arcilla mediante la técnica del modelado y después talle la obra deﬁnitiva en el material correspondiente.
Haz un comentario de una obra artística.
Haz un esquema de todos los pasos que hay que seguir antes de realizar una obra de ingeniería urbana.
Heródoto escribió la Historia, una obra que, dividida en nueve libros, da mucha información sobre las Guerras Médicas.
Horacio dio forma a una gran cantidad de tópicos que han perdurado a lo largo de la tradición: el beatus ille (elogio de la vida no atareada del campo), el carpe diem (exhortación a aprovechar la vida que se escapa), el aurea mediocritas (contentamiento con lo que se tiene, evitando los excesos), etc. La obra de Ovidio no es fácil de clasiﬁcar, ya que presenta gran variedad de temáticas.
Independientemente de sus simpatías por un bando u otro, su obra re fl eja ante todo la crueldad, la tragedia y el horror de la guerra en sí, como fracaso absoluto de la razón.
Informe de impacto ambiental En el esquema adjunto se resumen las condiciones, que normalmente son imprescindibles, para realizar un informe de impacto ambiental previo a la ejecución de un proyecto de obra pública, urbanístico, industrial, etc. Fases necesarias para la autorización de un proyecto Fases Persona responsable Presentación de la memoria del proyecto a las autoridades.
Interesa más desvelar el signiﬁcado oculto de numerosos elementos supuestamente triviales, pues en la pintura ﬂamenca y en la obra de Jan van Eyck lo sagrado se maniﬁesta en escenarios cotidianos y los objetos de la vida cotidiana aluden a cuestiones sagradas: la vela encendida del candelabro simbolizaría a Cristo, que todo lo ve y santiﬁca el matrimonio; el perro, la ﬁdelidad; los rosarios de cristal y el espejo, la pureza (una de las imágenes asociadas a la Virgen es la de espejo sin mancha); las frutas, la fertilidad.
La fachada es obra de Giacomo della Porta, que se inspiró en la de Santa María Novella de Florencia, también de Alberti.
La publicación de la obra de Ch.
La suroeste, que da a la calle, tiene un triple registro sobre las puertas de entrada: un friso de arcos de herradura entrecruzados, una red de rombos y una inscripción, descubierta en el siglo XIX y muy deteriorada, que data la obra e informa de quién la encargó y quiénes fueron sus constructores.
La única medida que tuvo un efecto algo mayor fue la roturación de nuevas tierras, pero al ser estas en general de peor calidad tenían rendimientos aún más bajos y, además, requerían mucha mano de obra.
La voluntad cumple con su deber, pero se determina a obrar no por el deber mismo, sino porque su acatamiento reporta algún bene fi cio a quien así obra, como puede ser dinero, placer o incluso la felicidad.
La a fl uencia de gente era tan masiva que apareció incluso una guía para peregrinos: el Codex Calixtinus o Liber Sancti Iacobi, obra del francés Américo Picaud.
La artesanía y la industria Durante el siglo xviii la producción industrial se vio incentivada por varios factores : a El crecimiento de la población implicaba un aumento de la demanda de productos industriales y, al mismo tiempo, permitía disponer de más mano de obra para la industria.
La calidad de un ﬁlme se atribuye en general a la ﬁgura del director, pero en realidad es una obra colectiva que requiere la intervención de un nutrido grupo de agentes, desde guionistas y actores hasta técnicos especialistas en las más diversas ramas.
La Casa Kaufmann o Casa de la Cascada se considera la obra maestra de la arquitectura orgánica.
La ciencia moderna surgió y se desarrolló enormemente gracias a un nuevo método en el que se complementaban dos aspectos: la experimentación, que enfatiza la función de los sentidos, y la matematización, que traduce las relaciones entre las magnitudes que intervienen en los hechos observados a expresiones y fórmulas matemáticas, y que es, por tanto, una obra de la razón.
La copia más antigua que se conserva de una obra entera, de un autor tan importante como Cicerón, es ya del siglo .
La crisis demográ fi ca y los apuros fi scales de la Corona contribuyeron también a agudizar la depresión económica del siglo xvii, cuyas manifestaciones más evidentes fueron las siguientes: a La caída de la producción agraria, debida en gran parte a la disminución de la mano de obra campesina por las pérdidas demográ fi cas.
La cúpula de Brunelleschi fue la más grande de cuantas se habían construido hasta entonces y, aunque en gran medida estuvo condicionada por la estructura preexistente de la catedral gótica, se puede considerar la primera gran obra arquitectónica del Renacimiento italiano.
La deslocalización de las empresas hacia países donde la mano de obra es barata provoca paro en los países industrializados y malas condiciones laborales en los países pobres.
La estrechez y gran altura del bloque, de más de cuatro metros, condicionaron en parte las características de esta obra.
La existencia personal como obra de arte Como se ha sugerido antes, la propia vida debe ser una realización creativa y, en este sentido, nuestra personal obra de arte.
La expresión derechos humanos se con la obra de T. Paine titulada Rights of man.
La expresión ensimismada del personaje resalta su santidad y reﬂeja el intenso sentimiento religioso, genuinamente español, de la obra de este artista.
La fi losofía ayuda a desentrañar el signi fi cado de la obra de arte, y el arte nos ayuda a visualizar cuestiones fi losó fi cas de gran alcance.
La fi nalidad de esta colosal obra era recoger y transmitir todos los conocimientos logrados por la inteligencia humana hasta el momento.
La frialdad objetiva, en que la obra es un objeto autónomo, sin carga emocional ni indicios que denoten la personalidad de su creador.
La Iglesia considera que el artista y su obra tienen una misión que está por encima de criterios económicos o meramente decorativos: el artista y la obra tienen un sentido social.
La intención del artista es convertir al observador de la obra en participante activo del fervor religioso de la santa, y para ello le invita, en primer lugar, a asistir a una representación, simulando a su alrededor un auténtico recinto teatral, con un escenario enfrente y palcos laterales con espectadores; y después, le capta emocionalmente por la tensión dramática y la fuerza expresiva de los personajes.
La introducción a esta obra es precisamente el Discurso sobre la dignidad del hombre .
La muerte le impidió terminar la totalidad de la obra, pero sí concluyó por completo el de la Huida a Egipto.
La naturaleza aparece como la obra y la realidad del ser humano.
La obra analizada es el mosaico bizantino conocido como «Cortejo de la Emperatriz Teodora», situado en el ábside de San Vital de Rávena.
La obra analizada es un ejemplo representativo de tales encargos, que reﬂejan los gustos y los ambientes en que se desenvolvía esta nueva clase social enriquecida.
La obra civilizadora en Marruecos se impone; si no lo hacemos nosotros, otra nación europea nos echará de allí; ¡y qué vergüenza entonces ver que otros hacen lo que a nosotros nos correspondía! [...] –¿Podría decirnos su opinión sobre la acción mercantil que España ha de seguir en Marruecos?
La obra de Antonio Saura, aunque tiende a la abstracción, no renuncia del todo a las referencias ﬁgurativas.
La obra de arte no se concebía solo como símbolo espiritual, sino que expresaba también la grandeza de quien la encargaba o de la propia ciudad, por lo que se acentuó con el tiempo el afán por lo decorativo.
La obra de este santo supuso una renovación de la espiritualidad occidental.
La obra de Juan de Juanes se convirtió en el modelo de un tipo de pintura religiosa, tierna y sentimental, que tuvo una gran aceptación popular hasta el siglo .
La obra del rabino Moisés —así se llamó a Maimónides— fue muy citada por los escolásticos cristianos.
La obra es para el artista un medio de expresión de sus sentimientos, generalmente con una visión pesimista, a la que a veces acompaña un acentuado afán crítico.
La obra es un buen ejemplo de la agitación y el patetismo del arte helenístico.
La obra es, por tanto, una reﬂexión intelectual sobre el arte, que prescinde por completo de los incuestionables preceptos renacentistas: perspectiva para representar la profundidad espacial, luz y color como instrumentos de creación de volumen, imitación ﬁdedigna de la apariencia real.
La obra Hipólito narra la historia de Fedra, enamorada de su hijastro Hipólito.
La obra llega hasta Julio César y ha sido la principal fuente de conocimiento de la mitología durante siglos.
La obra ofrece diferentes lecturas bajo su aparente simplicidad.
La obra pictórica no tenía que estar supeditada a la apariencia real de las cosas porque era una realidad independiente.
La obra puede incluir referencias o símbolos codi fi cados cuyo signi fi cado no es evidente a primera vista Por ejemplo, en el Renacimiento, una vela encen-dida solía representar a Cristo; un perro, la fi delidad, etcétera.
La obra, en su conjunto, representa, por tanto, el poder y la gloria del emperador Augusto, elevado a la categoría de protector y garante de la grandeza de Roma.
La obra, redactada con un estilo claro y elegante, tiene mucho valor literario, pero también lo tiene histórico, porque está llena de explicaciones sobre las costumbres romanas y galas.
La pared ondulante, característica de toda su obra, culmina en una cúpula de novedosa forma oval, y es el resultado de un espacio que se contrae por unos lados y se expande por otros, creando un efecto de tensión entre fuerzas interiores y exteriores.
La península Ibérica desde los primeros humanos hasta la desaparición de la monarquía visigoda Características generales de la economía Hispania quedó integrada en el sistema de producción esclavista, característico del mundo clásico: las conquistas militares de Roma proporcionaban una mano de obra esclava, abundante y barata, obtenida entre las poblaciones sometidas.
La pintura es conocida como «Entierro del Señor de Orgaz» (a veces se le cita como Conde, pero la villa de Orgaz no fue condado hasta el siglo ), y es una de las obras más importantes del manierismo español de ﬁnales del siglo, con unos rasgos formales característicos de la obra madura de El Greco: primacía del color, iluminación irreal, alargamiento de las ﬁguras, composición abigarrada y desinterés por la representación espacial.
La reducida gama cromática y el marcado contraste de luces y sombras acentúan el carácter desolador de la obra.
La temática de su obra gira en torno a esos ambientes: circos, cabarets, salones de prostitución, etc., que reﬂejó en sus cuadros con naturalidad descriptiva y sin afán de enjuiciarlos.
La utilización de máscaras permitía a los actores representar papeles femeninos y realizar diversos papeles en una misma obra, pues únicamente había tres actores, pero aparecían más personajes.
La variedad de actitudes de los retratados y su captación psicológica individual dotan al cuadro de una gran verosimilitud, que explica el éxito de la obra en su época.
La Villa Saboya, una casa de campo en Poissy (cerca de París) encargada por Madame Savoye y su hijo, es una obra maestra que funde la técnica y el lenguaje de la arquitectura moderna con el espíritu clásico de la villa renacentista.
Las armas deben conquistar para la patria y para la civilización; después haremos que el comercio vaya detrás haciendo su obra de aproximación entre los españoles y marroquíes, consolidando así por medio del afecto y de los intereses la soberanía de España en el Magreb.
Las piezas mutiladas del arte antiguo, que le descubrieron el atractivo del fragmento (torsos, manos, etc.) o la ﬁgura inacabada como obra de arte ﬁnal, y no mero estudio preparatorio.
Las dos tejieron un tapiz y, como la obra de Aracne era perfecta, Atenea hizo jirones de ella.
Las estructuras arquitectónicas que sirven de marco son renacentistas y están inspiradas en la obra de Brunelleschi.
Las hojas de los códices estaban hechas con piel de cordero, cabrito o ternerorebajada y recortada en diferentes tamaños según el carácter de la obra, desde los pequeños volúmenes de bolsillo con poemas u oraciones hasta los impresionantes cantorales de las catedrales medievales.
Las interpretaciones son casi tan numerosas como elementos extraños contiene la obra.
Las nuevas corrientes artísticas que surgieron entonces reaccionaron contra la subjetividad emocional del Informalismo o el Expresionismo Abstracto, con propuestas de una acentuada frialdad que evitaban cualquier proyección sobre la obra de los sentimientos del artista.
Lo normal en toda obra arquitectónica es que se destine al desarrollo de algún tipo de actividad o función (vivienda, actos religiosos, representaciones teatrales, recepciones, etc.).
Los artistas del Renacimiento reivindicaron la naturaleza intelectual de su arte y esto explica en parte la abundancia de tratados sobre teoría artística que se escribieron, demostrando así la necesidad de conocimientos matemáticos y cientíﬁcos de todo tipo para la realización de la obra de arte.
Los historiadores del arte se debaten entre considerarla una obra de inﬂuencia francesa o una manifestación de la tradición local de origen mozárabe.
Los objetos y detalles de ese mundo cotidiano encierran a menudo un signiﬁcado simbólico de carácter religioso, como se verá en la obra comentada al ﬁnal de esta unidad.
Los propietarios, a continuación, reclutaron mano de obra: así nació la esclavitud.
Los temas que elegía procedían de su entorno: vistas urbanas, retratos, desnudos, etc. En su inicial etapa de Dresde predominan las formas simpliﬁcadas de colores puros y planos, que reﬂejan la inﬂuencia de la obra contemporánea de los «fauves» franceses.
Los textos corresponden a la obra anterior, reunidos en un solo volumen y con ligeras modiﬁcaciones, pero la mayoría de las ilustraciones se han eliminado.
Los Trabajos y Días es una obra de carácter didáctico.
Los últimos años de su vida los dedicó por completo a esta obra, que se convirtió en su verdadera pasión.
Mantegna exalta en esta obra la vida en la corte de los Gonzaga, desplegando todo un elenco de personajes, algunos reconocibles y otros de dudosa identiﬁcación, como también es dudoso el signiﬁcado de algunas escenas representadas.
Más ornamentado aún es el ediﬁcio del Ayuntamiento, obra de Andrés García de Quiñones, que sobresale con una escala distinta en el lado norte de la plaza.
Más polémica generó la crítica de Marx a la propiedad privada, un rasgo tan importante de su obra que la supresión de la propiedad ha caracterizado todo régimen inspirado en la fi losofía del pensador alemán.
Me acuerdo haber oído repetidas veces a un anciano, dotado de mucho celo y sabiduría, exclamar así entre sus amigos: «¿Es posible que una nación tan inclinada a fundar obras pías, y ejercitada en esta especie de caridad a fuerza de inmensos caudales, no piense jamás en la insigne obra pía de construir pedazos de caminos, de ediﬁcar puentes y otras cosas útiles a todo el género humano?
Moro publicó la Utopía, obra que se inspiró en la República de Platón y que sirvió de modelo para las utopías que se escribieron posteriormente.
No es casualidad que pusiera el título Novum organum a la obra en la que explica su nueva metodología, frente a la aristotélica, contenida en una obra denominada Organum.
No faltan, sin embargo, otras interpretaciones, más o menos discutibles, como la que relaciona el contenido de esta obra con la secta herética de los Adamitas o Hermanos del Libre Espíritu, partidarios de un retorno a la pureza anterior al pecado original, por lo que defendían una total libertad sexual para librarse de la opresión del cuerpo y lograr la independencia del alma.
No obstante, en esta introducción se proponen unos modelos, meramente orientativos, que abordan la obra de arte en sus aspectos fundamentales y desde diversos puntos de vista.
No obstante, su obra maestra y por la que mejor se le conoce es «La Sagrada Forma», destinada a la Sacristía de El Escorial.
No obstante, toda su obra posee un marcado carácter filosófico propio y original.
No se permite un uso comercial de la obra original, ni de las posibles obras derivadas, y su distribución se debe hacer con una licencia igual a la que regula la obra original.
No se permite un uso comercial de la obra original ni la generación de obras derivadas.
No se refiere a su obra o a su mensaje, sino a sí mismo: a la persona que tenían sus oyentes delante y a la que tenemos nosotros ahora presente en la Eucaristía.
No sorprende, por tanto, que esta obra fuera admirada por los impresionistas.
Nos agrada o atrae lo bello de un paisaje, como nos causa admiración lo creativo u original de una obra de arte.
Obra de gran formato y buenas ilustraciones.
Obra de gran formato, con un planteamiento novedoso del contenido y buenas ilustraciones.
Obra sintética y atractiva a cargo de historiadores franceses.
Obra suya es la gran tabla central, pieza magistral del Gótico hispano-ﬂamenco, que representa al santo benedictino entronizado como abad y rodeado de las siete virtudes.
Obra también de gran formato, con buenas ilustraciones, pero con una estructura más convencional.
Para el Expresionismo Abstracto norteamericano, como para el Informalismo europeo, la obra no se reduce a un resultado ﬁnal preconcebido por el artista, sino que es la consecuencia, hasta cierto punto imprevisible, de un acto creador impulsivo que empuja al autor a expresarse de forma espontánea y libre, al ritmo de sus emociones.
Para industrializar al país se utiliza a fondo y se pone en el mercado el enorme ejército industrial de reserva que el campo y regiones atrasadas poseen; así, se impulsa y acelera el movimiento de la mano de obra desde zonas rurales a industriales, alcanzando una intensidad desconocida en Europa y liberando al campo de un enorme subempleo [...] Toda la mano de obra que se libera en este proceso no puede ser absorbida por la industria española del momento, y ante el paro, que amenaza como consecuencia del «Plan», se facilita y apoya la emigración a los países europeos, que están febrilmente dedicados a la reconstrucción y ampliación de todo su poderío económico-industrial.
Para ello, se han utilizado a lo largo de la historia distintos procedimientos, como la «máquina de sacar puntos», conocida ya por los griegos, que permite tomar ciertas medidas del modelo, como referencia para trasladarlas a la obra ﬁnal en piedra o madera.
Para fundir el bronce, el método más frecuente ha sido el de la cera perdida, que varía según se pretenda realizar la obra en bronce hueco o macizo.
Para leer la obra, e iba desenrollando el manuscrito con la mano derecha.
Para Leonardo, el cuerpo humano era una obra maestra en la que la ingeniería y el arte iban de la mano, y él pensaba que la increíble variedad de sus movimientos podía imitarse con máquinas o mecanismos simples, como palancas, poleas y engranajes.
Para sistematizar y simpliﬁcar en parte este complejo panorama, se podría decir que el arte, desde mediados del siglo XX a nuestros días, se ha movido entre la ﬁguración y la abstracción; y dentro de cada una de ellas, entre dos tendencias de signo opuesto: La expresividad, en que la obra reﬂeja el estado anímico o los sentimientos de su autor.
Pero la crítica racional de la pasión descontrolada, la defensa de ciertos valores pretendidamente universales, la reducción de las composiciones a sus elementos imprescindibles, la deformación de los rasgos al servicio de la fuerza expresiva, su desbordada fantasía y el carácter simbólico u onírico son características que hacen de esta serie de grabados de Goya una obra demasiado compleja e innovadora como para encasillarla dentro de los límites del Clasicismo o el Romanticismo de su tiempo.
Pero al mismo tiempo, el arte del siglo XX se ha vuelto cada vez más elitista e intelectualizado, porque al desaparecer las convenciones tradicionales de representación que todo el mundo conocía, la obra de arte requiere para su comprensión una explicación previa de las intenciones del artista; y estas el gran público las desconoce o simplemente las desestima.
Pero ambas imágenes eran habituales en la obra de Picasso, como actores del ritual de muerte y lucha por la vida que es la lidia taurina.
Pero donde se aprecia una notable mejora del estilo de Velázquez es en la agrupación de los personajes, que en esta obra se relacionan entre sí con naturalidad y soltura, dejando atrás deﬁnitivamente la incomunicación y las actitudes forzadas de algunas de las pinturas más signiﬁcativas de su etapa inicial, como «El aguador de Sevilla» o «La Vieja friendo huevos».
Pero el desarrollo del sistema fue obra sobre todo de Carlos I, que se encontró por primera vez ante la necesidad real de organizar el gobierno de un imperio vastísimo y heterogéneo.
Pero el mérito de la obra de arte y el reconocimiento social no recaía ni sobre el artíﬁce teórico ni sobre el práctico, sino sobre el promotor o el donante.
Pero el rasgo más peculiar de esta obra es que desprende un sentimiento de vaciedad e incomunicación, completamente ajeno al desinterés del Impresionismo por la transmisión de mensajes.
Pero el régimen también explotó a los presos como mano de obra barata en jornadas agotadoras al servicio de empresas o del propio Estado, mediante el sistema de redención de penas por el trabajo .
Pero el verdadero atractivo de esta obra está, como en casi todas las de Fra Angelico, en el encanto que transmiten sus personajes.
Pero entre todos, el más relevante, desde un punto de vista formal, fue Paul Gauguin, cuya obra ejerció una gran inﬂuencia en el arte posterior.
Pero ese proyecto exigía un nuevo emplazamiento más amplio y Felipe V lo rechazó, exigiendo que la nueva obra se levantara sobre las ruinas del viejo alcázar.
Pero este es sin duda una obra maestra.
Pero la rebelión de los esclavos no terminó ahí, sino que su éxito se consolidó por obra del pueblo judío, que se enfrentó al ideal noble y pagano de Roma.
Pero los ataques, como suele ocurrir en estos casos, sirvieron justamente para ofrecer a la obra una publicidad tal vez desproporcionada.
Pero los cuerpos están sometidos a un alargamiento característico de la obra de El Greco, por inﬂuencia de los manieristas italianos y en especial de Miguel Ángel y Tintoretto.
Pero no menos cierto es que en su obra late un espíritu apasionado, comprometido a fondo con los acontecimientos revolucionarios de su época, y que sus personajes viven situaciones a veces extremas de fuerte carga sentimental.
Pero para entender el verdadero signiﬁcado de esta obra es necesario relacionarla con el resto de las pinturas de la sala en que se encuentra.
Pero Picasso no pretende mostrar en esta obra la apariencia real, sino la verdad intelectual (lo que pensamos sobre algo, no cómo lo vemos).
Pero si se compara esta obra con la del emperador Justiniano, situada enfrente, y con las demás de la misma iglesia, resulta más detallista y minuciosa, especialmente en el tratamiento de los vestidos femeninos.
Pero su obra, en la que abunda la pintura histórica y los retratos, destaca sobre todo por sus desnudos femeninos, de una inequívoca sensibilidad romántica, lo que justiﬁca clasiﬁcarle como un «romántico de la línea», para diferenciarle de los «románticos del color», como Gericault o Delacroix.
Pero sus efectos dependerán en gran medida del tratamiento que se haya dado a las superﬁcies: si presentan acusados entrantes y salientes, la luz que incide en la obra produce fuertes contrastes de luces y sombras, y acentúa su dramatismo; pero si las superﬁcies tienen un modelado suave, la luz se difunde homogéneamente y produce sensación de serenidad.
Pero también, en sentido contrario, muchos artistas pueden divulgar sin limitaciones su obra por Internet y llegar a todo tipo de público.
Pero, a diferencia de la obra de Caravaggio, la escena carece por completo de dinamismo.
Pero, como consecuencia de esta técnica, la ejecución de la obra se convertía en una «construcción» premeditada y laboriosa que anulaba por completo la espontaneidad que había caracterizado al impresionismo.
Por ejemplo, el valor de la belleza en una obra de arte.
Por otra parte, con el cese de las conquistas, la mano de obra esclava comenzó a escasear y se encareció.
Por ejemplo, al escuchar una obra de Mozart, quienes se encuentran entre el público experimentan en su interior unos sentimientos o evocaciones particulares, a la vez que viven emociones comunes.
Por el contrario, Europa occidental se encontraba en esos años en pleno proceso de expansión económica y podía absorber más mano de obra de la disponible en sus países.
Por otra parte, el arte paleocristiano es ante todo un arte simbólico, en el que la calidad formal de la obra se supedita al mensaje que se pretende transmitir.
Por otra parte, el espíritu individualista y el afán burgués de notoriedad se reﬂeja en que quienes encargaban la obra solían hacerse representar en ella junto a los personajes sagrados, casi siempre del mismo tamaño y en plano de igualdad, lo que daría origen al retrato como nuevo género pictórico.
Por otra parte, es en este período donde se estableció la diferencia entre proyecto y ejecución de la obra.
Por otra parte, la escena se desarrolla en dos zonas superpuestas, la terrenal y la celestial, rasgo propio de gran parte de la obra de El Greco.
Por tal motivo, nos limitaremos a estudiar solo tres manifestaciones importantes de la escultura de este siglo: la obra de Salzillo, como último representante de la tradición barroca española de la escultura religiosa en madera policromada; la escultura rococó francesa, como expresión del nuevo espíritu aristocrático del ﬁnal del Antiguo Régimen; y la ﬁgura indiscutible del italiano Canova, como gran maestro de la escultura neoclásica europea de ﬁnales del siglo y comienzos del siguiente.
Por tanto, se infrautilizaron las tierras y la mano de obra, que habrían sido más productivas en otro tipo de agricultura.
Por tratarse de una obra maestra de la historia del arte, se analizará con más detalle al ﬁnal del tema, como modelo de comentario de arquitectura.
Por último, debemos enmarcar la obra dentro de su contexto histórico y social, informando sobre aspectos tales (si se conocen) como quién la encargó o ﬁnanció, qué consideración social tenía el artista en su tiempo, cómo se reﬂeja en ella cierta visión de la vida o del mundo, etc. Relación con su entorno natural.
Por último, el Salón abría un camino a la independencia del artista, que podía aspirar a ejecutar su obra según sus criterios y sin los condicionantes derivados del trabajo por encargo.
Por último, es característico de la obra de Brunelleschi el empleo del bicromatismo de los materiales que permite diferenciar, por un lado, los elementos estructurales y ordenadores del ediﬁcio (en mármol gris, conocido como pietra serena), y por otro, los muros de relleno (en blanco).
Por último, la perspectiva aérea y la pincelada suelta e inconexa son rasgos propios de la madurez de estilo de Velázquez, pero en esta obra llama además la atención la forma en que consigue representar el movimiento de la rueca con un suave difuminado.
Por último, se debe comparar la importancia del dibujo con la del color, para ver si predominan los elementos lineales o los pictóricos; o lo que es lo mismo, si en la obra analizada, el artista ha puesto más interés en transmitir una idea (primacía del dibujo) o en provocar emociones (primacía del color).
Por último, un rasgo característico de la época era el girovaguismo o continuo desplazamiento de algunos artistas, que cuando ﬁnalizaban una obra se dirigían en busca de otra y de este modo contribuían a la difusión de técnicas y estilos.
Posiblemente falten todavía muchos años para conseguir Replicantes como los de la obra maestra de Ridley Scott, pero poco a poco cientíEl Geminoid DK es un ejemplo real de androide.
Posteriormente, en un segundo viaje, descubrió la obra de Caravaggio, que ejercería en él una notable inﬂuencia.
Probablemente, sin la inspiración de la obra del Estagirita, Tomás de Aquino no hubiera podido ofrecer muchos de sus planteamientos fi losó fi cos y metafísicos.
Puente del Alamillo Sevilla Grúa de obra Tienda de campaña Las láminas curvadas o anguladas tienen también la capacidad de soportar ciertos esfuerzos repartiendo las cargas por el conjunto del material en función de su forma.
Quizá la mayor repercusión de la obra del profesor prusiano se halle en sus propuestas éticas y políticas.
Recogerá los datos más relevantes de la obra: autor, tí-tulo, fecha y lugar de creación, técnica y material emplea-dos, estilo artístico al que pertenece, etc. Algunos de sus parámetros variarán dependiendo del género artístico.
Respecto al contenido de su obra, pintó paisajes, naturalezas muertas y ﬁguras humanas, con frecuencia en versiones diferentes de un mismo tema, pero su verdadera aportación artística estaba en su tratamiento: Sometía todas las formas a una estricta ordenación geométrica.
Rompió con los academicismos imperantes en la escultura de su tiempo y abrió los caminos a nuevas formas expresivas, con una variada obra en la que se aprecian, en perfecta síntesis, diversas inﬂuencias: La pintura impresionista, con su predilección por la luz, que tradujo al lenguaje escultórico mediante una combinación de superﬁcies rugosas y pulidas, y una gran profusión de planos para obtener efectos lumínicos cambiantes.
San Isidoro es autor de las Etimologías, obra enciclopédica en la que se recogen y se sistematizan todos los ámbitos del saber de la época.
Se ha llegado a aﬁrmar que no son obra suya, sino de su hijo, pero los principales especialistas mantienen la autoría de Goya.
Se ha pretendido interpretar su obra como una crítica irónica y burlona de los vicios y corrupciones de su época.
Se incorporaba la dimensión temporal a la obra, al presentar detalles correspondientes también a momentos distintos.
Se reivindicaron nuevos valores estéticos, como las deformaciones de los motivos, la abstracción, el hueco o vacío como parte signiﬁcativa de la obra, e incluso el movimiento real producido por motores o la simple fuerza del viento.
Se sabe que es obra del taller de Atenodoro, Hagesandro y Polidoro (mediados del siglo d.
Se trata de una obra inspirada en el retrato imperial romano, que responde perfectamente al afán de exaltación de la monarquía hispana como cabeza del mayor imperio del mundo en ese momento.
Se trata, por tanto, de un ejemplo característico del Barroco de implicar directamente al espectador en el asunto de la obra de arte.
Se trata, por tanto, de un ejemplo sorprendente y único en el conjunto de su obra, más próximo a la arquitectura expresionista que a los planteamientos racionalistas del Movimiento Moderno.
Según esto, nadie obra mal voluntariamente, porque el vicio solo puede ser consecuencia de la ignorancia, esto es, de confundir el bien verdadero con el aparente.
Selecciona una obra y explica cómo refleja los rasgos fundamentales del pensamiento renacentista.
Si además se consideran las revolucionarias soluciones técnicas, la variedad del conjunto, las referencias al mundo natural y el ritmo curvilíneo, la conclusión es que nos encontramos ante una obra maestra del Modernismo, fruto de la visión personal y profundamente religiosa de un genio universal de la arquitectura.
Si el carácter propagandístico de su obra al servicio del poder obliga a clasiﬁcarle como pintor barroco, su elegancia y reﬁnamiento le vinculan también a la estética rococó.
Si en general la vinculación entre arquitectura y escultura es característica de la obra de Bernini, en este caso la complementariedad es absoluta y no se podría entender la una sin la otra.
Si es posible, haz tu comentario en un formato digital que te permita combinar el texto con imágenes o sonidos (por ejemplo, ppt, Prezi o pdf), de modo que ilustres tu comentario mos-trando detalles de la obra.
Si la obra comprende más de una ﬁgura, se denomina grupo.
Si la obra es una copia, se debe indicar también el material con que estaba hecho el original.
Sin embargo, la preocupación por el mensaje es completamente ajena al Cubismo y relaciona esta obra con otras corrientes artísticas, como el Expresionismo –por sus intencionadas deformaciones, su fuerte carga dramática y su actitud crítica– y el Surrealismo.
Sin embargo, a pesar de esta curiosa combinación, la obra posee una armonía y sencillez verdaderamente clásicas, por lo que se la considera una de las primeras manifestaciones del Neoclasicismo, realizada en pleno Antiguo Régimen, antes de que el nuevo estilo fuera adoptado como propio por la Revolución Francesa.
Sin embargo, cabe señalar algunas ideas recurrentes en su obra.
Sin embargo, como en la obra anterior, la relación entre la anciana y el niño resulta extraña, como si no existiera comunicación entre ellos y estuvieran evitando cruzarse la mirada.
Sin embargo, el signiﬁcado profundo o la intención última de esta pintura, como suele ocurrir en gran parte de la obra de Velázquez, resultan difíciles de descifrar y existen casi tantas interpretaciones como historiadores se han dedicado a su estudio.
Sin embargo, en el plano cultural es conocido sobre todo por su gran obra, las Etimologías, en la que pretendió recopilar todo el saber humano de su época.
Sin embargo, la capacidad creativa de un artista no queda limitada por estos tres procedimientos básicos, que se pueden combinar en una misma obra; y en la actualidad los avances tecnológicos e industriales han permitido el empleo de nuevos materiales y procedimientos que han revolucionado los métodos tradicionales.
Sin embargo, la elegancia de los personajes y la amable dulzura de la escena anuncian ya las características de su obra posterior.
Sin embargo, se caracterizó, como en toda su obra, por su forma mesurada de representar a estos personajes, lejos del naturalismo barroco, evitando resaltar sus defectos y dotándolos de una gran humanidad.
Sin embargo, su relevancia en el proceso de renovación formal de la escultura del siglo y la proyección posterior de su obra, exigen al menos una breve referencia a algunas de sus creaciones.
Su obra, muy in fl uida por el pintor italiano Caravaggio, se caracterizó por un acentuado naturalismo, con la utilización de modelos vulgares, como en San Andrés, el Martirio de San Felipe o el Sueño de Jacob (todas ellas en el Museo del Prado de Madrid).
Su padre lo introdujo en la obra de autores ilustrados, pero quien más influyó en él fue Bentham.
Su principal obra, Sobre las revoluciones de los orbes celestes, se publicó póstumamente.
Su aprendizaje artístico se desarrolló en Florencia, donde participó en el círculo neoplatónico de Lorenzo el Magníﬁco, pero fue en Roma donde realizó su primera obra de importancia: la Piedad del Vaticano.
Su aprendizaje en el taller familiar lo complementó con una prolongada estancia en Italia, donde conoció a fondo la obra de Donatello, Miguel Ángel y los manieristas ﬂorentinos, entre otros, y asistió, según parece, al descubrimiento del Laocoonte.
Su autor nos es desconocido, como la mayoría de los escultores románicos, pues el mérito de la obra no recaía sobre el artista (artíﬁce práctico), ni siquiera sobre el autor del programa iconográﬁco (artíﬁce teórico), sino sobre el promotor de la misma, en este caso el abad Bonifacio.
Su compleja psicología y su vida desordenada, unidas a experiencias tales como los horrores de la Segunda Guerra Mundial, explican en gran medida su obra, controvertida y absolutamente personal, que resulta imposible de clasiﬁcar en ningún movimiento concreto, aunque a veces se le incluye dentro de la llamada Nueva Figuración.
Su ejemplo, digno de imitar, convierte la misma vida en una obra de arte.
Su gran capacidad creativa y la frenética actividad de su taller ante la lluvia de encargos explican su enorme producción, así como su incursión en todos los géneros, aunque en muchas ocasiones sólo se debe a su mano alguna parte de la obra o simplemente el boceto, siendo lo demás labor de su taller.
Su mérito principal consistió en sintetizar todos los conocimientos astronómicos de sus predecesores; esta síntesis quedó recogida en su obra Almagesto .
Su obra empezó a ser reconocida en los años treinta, pero fue después de la Segunda Guerra Mundial cuando alcanzó un auténtico prestigio en todo el mundo.
Su obra es muy personal y no resulta fácil encasillarla en ninguna corriente concreta.
Su obra fue muy abundante y de temática exclusivamente religiosa, realizada en su mayoría en madera policromada.
Su obra ha tenido una repercusión importantísima, sobre todo, a partir del siglo xx, y está presente hasta el pensamiento posmoderno.
Su obra inició entonces una trayectoria absolutamente personal, inclasiﬁcable en cualquiera de las corrientes artísticas europeas en boga, y en ella se observa el paso de la visión desenfadada de la etapa anterior a otra crítica y atormentada, que incide en los aspectos más negativos y sórdidos de la sociedad, aunque todavía mantiene viva la esperanza en su posible cambio.
Su obra madura se caracteriza por la simplicidad y claridad de las formas, sometidas a un riguroso sistema de proporciones.
Su obra madura se sitúa, por tanto, a mitad de camino entre el patetismo de la escultura castellana y la sobria serenidad de la andaluza.
Su obra más importante es Elementos de filosofía, aunque fue más conocida por Leviatán.
Su obra, que resalta especialmente dentro de la discreta producción pictórica española del siglo xviii, es difícil de encasillar por su originalidad, que la hace precursora de movimientos modernos tales como el impresionismo, el expresionismo o el surrealismo.
Su obra, abundante y de gran variedad temática, en cuanto a estilo no es demasiado representativa de la pintura holandesa de su tiempo, ya que tiene rasgos muy personales: Frente al realismo objetivo predominante, su pintura ofrece una visión subjetiva y espiritual de la realidad, en un afán de captar la interioridad del alma humana, sin preocuparse por lo anecdótico o superﬁcial.
Su obra, de una gran originalidad y esencialmente manierista, incorporó y sintetizó las diversas inﬂuencias que recibió a lo largo de su trayectoria desde Creta hasta España: Del arte bizantino cretense, el simbolismo y ciertos elementos iconográﬁcos.
Su pensamiento es difícil de interpretar, porque esta obra se compone de frases breves y enigmáticas, por lo que recibió el sobrenombre de «el Oscuro».
Su precedente inmediato estaba en la obra de Cézanne, con su combinación de puntos de vista y su tendencia a la ordenación geométrica de las formas.
Su principal fuente de inspiración, entre los pintores ﬂamencos, fue Roger van der Weyden, del que tomó su dramatismo y expresividad, como se aprecia claramente en la Piedad, obra de procedencia desconocida.
Su técnica era de ejecución rápida, y en su obra la línea casi ha desaparecido frente a la mancha de color y los efectos lumínicos.
También se conserva, a los pies de la iglesia, el Pórtico de la Gloria, obra maestra de la escultura románica, que se estudiará en el apartado siguiente.
Tampoco se puede usar la obra original con ﬁnes comerciales.
Técnicamente, es un buen ejemplo de su estilo maduro y presenta las mismas características de la obra anterior: luminosidad, perspectiva aérea, primacía de la mancha de color, gama de colores fríos y gusto por el paisaje.
Técnicamente, esta obra presenta aún rasgos de su etapa sevillana, como los colores terrosos, el dibujo detallado, o el contraste de luces y sombras, aunque ya se ha abandonado el tenebrismo inicial; pero la composición reﬂeja la inﬂuencia del clasicismo italiano, destacando en este sentido la ﬁgura de Apolo y el cíclope de espaldas, que con sus actitudes estáticas y relajadas recuerdan a los héroes de la estatuaria antigua, en contraposición a la vulgaridad de las otras ﬁguras.
Tiene un eje direccional en el sector oriental de la naos, que conducía de la entrada hacia la estatua crisoelefantina de Atenea, obra de Fidias desaparecida, que era también el único centro de interés visual del interior.
Toda esta situación no tiene posibilidades ni expectativas de cambio a medio plazo, pues estudiadas las previsiones del III Plan, en relación a la creación de puestos de trabajo, aparece la incapacidad del sistema productivo, al no poder absorber más que una parte de la mano de obra nueva que anualmente se presenta en el mercado de trabajo, de donde la emigración se revela necesaria para el sistema de desarrollo económico escogido para la sociedad española por sus dirigentes.
Toda la obra de Matisse transmite, como indica el título de este cuadro, una inconfundible alegría vital.
Toda la obra es un atrevido conjunto de rectas y curvas, tanto cóncavas como convexas.
Toda la obra es un cántico a la marcha imparable del progreso.
Toda obra de arte re fl eja la cultura y el mundo a los que per-tenece, aunque el artista no lo pretenda.
Trabajó casi exclusivamente en bronce y su obra ejerció una notable inﬂuencia en el realismo socialista del siglo .
Tradicionalmente se han clasiﬁcado las obras de esta época y características dentro del denominado estilo «churrigueresco», caliﬁcativo despectivo en su origen, como sinónimo de recargado y de mal gusto, en alusión precisamente a la obra de José Benito Churriguera, aunque no fuera este su más destacado representante.
Tratamiento de la materia escultórica Se trata de una copia en mármol de otra obra anterior realizada en bronce, que no se ha conservado.
Un aspecto que conviene destacar es que la renovación que representa esta Escuela fue obra de arquitectos y no de ingenieros, como había ocurrido en Europa.
Un detalle interesante de esta pintura es que la retuvo Rubens para sí mismo, por lo que, al no ser obra de encargo, plasmó en ella su concepción del arte sin limitaciones.
Un ejemplo representativo de su obra es esta ménade (se trata una vez más de una copia romana), que con violencia eleva su rostro al cielo y gira su cuerpo en una danza frenética en honor de Dioniso.
Un gran artista, al contemplar su obra y la belleza que ha plasmado en ella, se da cuenta de que esta sobrepasa su propia capacidad creadora.
Un proceso de urbanización muy limitado El movimiento migratorio del campo a la ciudad revistió especial importancia por ir asociado a la revolución agrícola e industrial: la mano de obra sobrante en el campo, como consecuencia de la revolución agrícola, era absorbida por las industrias urbanas, en plena expansión con la revolución industrial.
Un rasgo característico de su obra es la adopción de puntos de vista muy bajos que le obligaban a realizar violentos escorzos, como el de este cuadro.
Un segundo enunciado del imperativo categórico es el siguiente: «Obra de tal modo que uses la humanidad tanto en tu persona como en la persona de cualquier otro, siempre a la vez como un fi n al mismo tiempo y nunca solamente como un medio».
Un trasvase es una obra que moviliza agua de una cuenca fluvial a otra.
Una auténtica obra de arte puede conmover a personas de muy diferentes sociedades y tiempos, pues de alguna manera despierta algo permanen-temente presente en todo ser humano.
Una forma de buscar la traducción de una expresión, concepto o título de una obra cultural es buscarla en Wikipedia en el idioma que conoces y cambiar la visualización de Wikipedia al idioma que desconoces.
Una vez que te has asegurado la viabilidad económica del proyecto, tienes que ponerte manos a la obra y construir el prototipo, maqueta o elemento virtual (en el caso de programas o aplicaciones informáticas) que es objeto del proyecto tecnológico.
Unas décadas más tarde, el físico y matemático inglés Isaac Newton escribió una obra clave para el desarrollo de la ciencia: Philosophiae naturalis principia mathematica ( Principios matemáticos de la filosofía natural ).
Uno de los documentos más venerables de la cultura occidental es la obra de Homero.
Veamos un ejemplo: Antígona, protagonista de la obra homónima de Sófocles, vive en Tebas.
Viajó a Londres, donde estudió la obra de los paisajistas contemporáneos ingleses, en especial de Constable, y al norte de África, que le fascinó por su carácter «pintoresco».
Violento y apasionado, su obra muestra una relativa despreocupación por la belleza, que compensa con una extraordinaria fuerza expresiva.
Y en la medida en que el arte carece de valor, cualquier manifestación puede ser una obra de arte, desde un gesto o una actuación hasta un objeto prefabricado.
Y por ello dijo san Pablo en la Epístola que ninguna obra es buena ni perfecta sin caridad.
Y, si uno de ellos deja de sonar o falla, el conjunto de la obra queda dañado.

Los ejemplos de YourDictionary.com han sido recopilados de diversas fuentes para reflejar el uso actual e histórico de la lengua. Estos ejemplos no representan las opiniones de YourDictionary.com.