A pesar de los indiscutibles avances en el naturalismo (proporciones, tratamiento de los ropajes) y de la humanización de los gestos de la Virgen y el Niño, que esbozan una sonrisa, aún no existe verdadera comunicación entre ellos.
Además, se caracterizan por la perfección técnica y por el equilibrio entre naturalismo e idealismo.
Aunque se advierte una progresiva evolución hacia un mayor naturalismo y un carácter más narrativo de las composiciones, técnicamente no supuso una gran ruptura con la pintura románica tardía.
El clasicismo coincide con el naturalismo en las características generales de la pintura barroca señaladas más arriba, pero se diferencia de él en algunos aspectos: Fue una pintura también realista, pero rehuyó lo vulgar y ofreció una visión más bella y amable de la realidad, en parte idealizada, volviendo para ello a los modelos de la Antigüedad y el Renacimiento clasicista.
El naturalismo es especialmente notable en el grupo de la Visitación, en el que se refleja con maestría la diferencia de edad entre María y su prima Isabel.
El neokantismo reaccionó contra el naturalismo positivista y el idealismo absoluto.
El tratamiento de las figuras muestra un naturalismo todavía incipiente con cierta tendencia a la idealización de los rostros.
En su etapa inicial sevillana practicó una pintura muy vinculada al naturalismo caravaggiesco, con escenas y personajes populares como El aguador de Sevilla (Museo Wellington de Londres) o la Vieja friendo huevos (National Gallery de Edimburgo).
En cuanto a su evolución, la escultura griega pasó del estilo rígido y poco natural del período arcaico, al naturalismo y la perfección anatómica del clásico, en un proceso de investigación técnica constante.
En el ámbito de la cultura, surgieron el realismo literario y el naturalismo.
En ellos se puede comprobar la evolución en el tiempo hacia un naturalismo cada vez mayor.
Entre sus características formales destacan las siguientes: El naturalismo en la representación de los animales, que sorprende por su perfección.
Establecer unos rasgos formales comunes a toda la pintura gótica resulta muy arriesgado, pero en general se pueden aplicar los señalados para la escultura (tendencia al naturalismo, humanización de gestos y actitudes, sentido narrativo), a los que habría que añadir, como específicos de la pintura, los siguientes: La búsqueda de volumen en objetos y figuras, dotándolas de corporeidad mediante la gradación tonal de los colores, a diferencia de las tintas planas del Románico.
Estos relieves, por tanto, carecen de naturalismo y las figuras no se rigen por ningún sistema de proporciones.
Fue una síntesis entre el estilo lineal de origen francés y el naturalismo italiano –más en su elegante versión sienesa que en la florentina–, con un acentuado carácter cortesano que se aprecia en el gusto por los detalles y en su exquisito refinamiento.
Hasta tal punto se extiende su in fl uencia, que corrientes fi losó fi cas como el naturalismo, el materialismo y el biologicismo siguen defendiendo la validez de sus tesis centrales.
La ausencia total de naturalismo y perspectiva.
La carencia de naturalismo y de detalles innecesarios para la comprensión del tema reflejan el mayor interés de este arte por el mensaje que por la corrección formal y el efecto estético.
La influencia del naturalismo caravaggista se refleja tanto en el tema como en la técnica: protagonismo de personajes tomados de ambientes humildes, escena de la vida cotidiana, iluminación de acentuado tenebrismo, dibujo muy preciso y minucioso que refleja a la perfección las calidades de cada objeto (obsérvese el detalle de la copa o del cántaro, con las gotas que resbalan por él), y colores oscuros y terrosos de factura lisa.
Naturalismo: concepción que subraya la autonomía del mundo físico y natural, y su independencia respecto a dimensiones ajenas a él mismo, como Dios.
Naturalismo: doctrina según la cual todo forma parte de la naturaleza física.
Resulta de especial interés el tratamiento de los evangelistas, que denota el naturalismo y la humanización propios del Gótico, al representarlos en variadas posiciones sobre sus atriles, como si se tratara de escribanos de la época.
Se representaba a las figuras con un gran naturalismo que no pretendía reflejar fielmente la realidad, sino una belleza ideal puesta al servicio del mensaje religioso.
Si los ambientes interiores del naturalismo propiciaron el desarrollo del bodegón, de los escenarios idealizados del clasicismo, en cambio, surgió el paisaje como género independiente.
Sin embargo, se caracterizó, como en toda su obra, por su forma mesurada de representar a estos personajes, lejos del naturalismo barroco, evitando resaltar sus defectos y dotándolos de una gran humanidad.
Su obra, muy in fl uida por el pintor italiano Caravaggio, se caracterizó por un acentuado naturalismo, con la utilización de modelos vulgares, como en San Andrés, el Martirio de San Felipe o el Sueño de Jacob (todas ellas en el Museo del Prado de Madrid).
Su pintura representa el inicio y máxima expresión del naturalismo barroco, que tuvo numerosos seguidores dentro y fuera de Italia.
Sus primeras obras («Sagrada Familia del pajarito») muestran una cierta filiación con el naturalismo tenebrista, pero eluden los aspectos desagradables o estridentes y dotan a las escenas de un encanto característico.
Sus recursos formales son los propios del naturalismo caravaggiesco: acentuado realismo, dibujo preciso, iluminación tenebrista y colores cálidos.
Zurbarán se mantuvo siempre fiel al naturalismo tenebrista, cuyo interés por lo cotidiano y humilde propició el desarrollo de la pintura de bodegones.
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