A menudo, a través de copias romanas, la escultura griega influyó mucho en el Renacimiento italiano y fue el modelo clásico de la cultura europea hasta finales del siglo .
A edifi cios góticos se sobrepusieron elementos decorativos del repertorio renacentista italiano (grutescos, medallones, etc.), concentrados en las fachadas, con gran profusión y en una labor minuciosa de la piedra que recuerda el trabajo de los orfebres y plateros (de ahí el término de plateresco ).
A Toledo acudieron eruditos y traductores de las más diversas procedencias, como el inglés Adelardo de Bath o el italiano Gerardo de Cremona.
Al mismo tiempo, el Renacimiento dejó de ser un fenómeno exclusivamente italiano y extendió su influencia por Europa, aunque este proceso se había iniciado ya a finales de la centuria anterior.
Baste recordar algunos hitos significativos, como la Revolución Mexicana, la Primera Guerra Mundial, la Revolución Soviética, la aguda depresión económica de los años treinta, el fascismo italiano, el nazismo alemán, la Segunda Guerra Mundial y la Revolución Comunista de China.
Coincidió con los Reyes Católicos y la primera parte del reinado de Carlos I. Fue una etapa de introducción lenta, y con criterios poco selectivos, de elementos o características del Renacimiento italiano, que se incorporaron sin conflictos a obras esencialmente góticas.
De todos ellos destacaron dos focos por su carácter de vanguardia: la pintura italiana del siglo ( Trecento ), que preparó el camino al Renacimiento, y la pintura flamenca del siglo, contemporánea ya del Renacimiento italiano, al que se asemejó e incluso superó en algunos aspectos.
Dentro del Renacimiento español, es la construcción que manifiesta, antes que ninguna otra y de forma más pura, la influencia del clasicismo italiano, con una solución realmente novedosa y vanguardista.
Destaca la perfecta alternancia de partes del cuerpo tensas y en reposo, conocida en arte con el término italiano de contrapposto: el hombro izquierdo, el que soporta la lanza, se alza; en cambio, el hombro y el brazo derecho caen relajados; por el contrario, es la pierna derecha la que soporta el peso del cuerpo, mientras la izquierda permanece relajada; en consecuencia, el torso se expande en el lado izquierdo y se contrae en el derecho.
Durante esta etapa se abandonó de forma casi definitiva el estilo gótico y se adoptó una concepción más clasicista de la obra en su totalidad, aunque en muchos casos resulta evidente la influencia del manierismo italiano contemporáneo.
El jardín barroco francés se inspira en el manierista italiano y se caracteriza por su estricta ordenación geométrica, tanto del espacio, normalmente organizado por ejes de simetría, como de la propia vegetación, que se recorta para darle diversas formas regulares (conos, esferas, cubos, etc.) o se dispone en composiciones variadas.
El castellano deriva del latín, como el resto de lenguas que constituyen el grupo lingüístico románico, en el que se encuentran también el portugués, el gallego, el asturleonés, el catalán, el occitano, el francés, el romanche, el italiano, el sardo y el rumano .
El estilo italo-gótico o Trecento italiano (siglo ).
El pensamiento de Aristóteles sobre las fuerzas y el movimiento ejerció su influencia durante casi veinte siglos, hasta que el físico y astrónomo italiano Galileo Galilei puso de manifiesto los errores de la teoría de Aristóteles, aplicando lo que más adelante se conocería como método científico, es decir, una serie de experimentos cuyo objetivo es comprobar las teorías propuestas.
El Quattrocento (siglo, en italiano).
El tenor italiano espera que la historia de su valiente madre pueda “dar fuerzas a muchas otras madres que se encuentran en situaciones difíciles, pero quieren salvar la vida de sus bebés”» (www.
En cierta forma es un precursor del Renacimiento italiano.
En ese contexto, el italiano marqués de Esquilache, que había servido a Carlos III durante su reinado en Nápoles y seguía con él en España como ministro y hombre de su total con fi anza, renovó la prohibición incumplida del uso de la capa larga y el sombrero de ala ancha, ya que permitían esconder armas y ocultar el rostro, facilitando la delincuencia.
En ese sentido alcanzaron de forma empírica un absoluto realismo en la representación tridimensional del espacio, equiparable al que por las mismas fechas proponía el Renacimiento italiano mediante un estudio teórico y científico de la perspectiva.
En este ámbito se distinguen dos grandes grupos de pintores: los que trabajaron en la decoración de El Escorial, muchos de origen italiano; y los retratistas de la corte, como Sánchez Coello.
En este caso, la influencia francesa fue reemplazada por la del Císter y las órdenes mendicantes, lo que se tradujo en un Gótico muy emparentado con el italiano y el de ciertas zonas del sur de Francia (el ya mencionado Gótico mediterráneo).
Fue una síntesis entre el estilo lineal de origen francés y el naturalismo italiano –más en su elegante versión sienesa que en la florentina–, con un acentuado carácter cortesano que se aprecia en el gusto por los detalles y en su exquisito refinamiento.
La composición, teatral y dinámica, es claramente barroca; pero el encanto que ejercen sus figuras, con modelos elegantes y de gran belleza (obsérvese el carácter andrógino del ángel), remite ya a la exquisita sensibilidad del Rococó italiano.
La cúpula de Brunelleschi fue la más grande de cuantas se habían construido hasta entonces y, aunque en gran medida estuvo condicionada por la estructura preexistente de la catedral gótica, se puede considerar la primera gran obra arquitectónica del Renacimiento italiano.
La peculiaridad española fue el predominio absoluto de la temática religiosa y el empleo de la madera policromada, frente a la piedra o el bronce característicos del Renacimiento italiano.
Manuscrito italiano del siglo conservado en la Universidad de Columbia, ms.
Mapa de las lenguas románicas: gallego, portugués, asturleonés, castellano, catalán, occitano, francés, sardo, italiano, romanche y rumano.
Muchos de ellos eran de origen italiano, descendientes de los artistas que habían acudido a España atraídos por los encargos de El Escorial.
Poco conocidas en su época, las ideas del físico Avogadro no tuvieron la debida repercusión entre los químicos en el transcurso de los cincuenta años siguientes, hasta que el químico italiano Stanislao Cannizzaro las rehabilitó.
Por tal motivo, nos limitaremos a estudiar solo tres manifestaciones importantes de la escultura de este siglo: la obra de Salzillo, como último representante de la tradición barroca española de la escultura religiosa en madera policromada; la escultura rococó francesa, como expresión del nuevo espíritu aristocrático del final del Antiguo Régimen; y la figura indiscutible del italiano Canova, como gran maestro de la escultura neoclásica europea de finales del siglo y comienzos del siguiente.
Por una parte, mientras la renovación flamenca se limitaba tan solo al ámbito de la pintura y el grabado, el Renacimiento italiano abarcaba todas las manifestaciones del arte (arquitectura, escultura, pintura y artes decorativas).
Se extendía, por tanto, el clima de violencia y enfrentamiento entre izquierdas y derechas : a La derecha conspiraba y buscaba el apoyo del ejército para frenar la revolución social, mientras que el terrorismo de extrema derecha –los pistoleros de Falange–, siguiendo el modelo del fascismo italiano, se dedicaba a la desestabilización mediante atentados contra locales y líderes de la izquierda.
Sin embargo, si se compara el proceso español con el italiano, llaman la atención dos diferencias: en España la adopción del arte renacentista no se planteó en contraposición al Gótico; y el Renacimiento español no surgió de una reflexión sobre la Antigüedad, sino de la inspiración directa en las realizaciones italianas contemporáneas.
Su obra, muy in fl uida por el pintor italiano Caravaggio, se caracterizó por un acentuado naturalismo, con la utilización de modelos vulgares, como en San Andrés, el Martirio de San Felipe o el Sueño de Jacob (todas ellas en el Museo del Prado de Madrid).
Sus rasgos esenciales son: Construcción de edificios estructuralmente góticos a los que se sobreponen elementos decorativos del repertorio renacentista italiano, como grutescos, medallones o columnas abalaustradas.
Técnicamente, esta obra presenta aún rasgos de su etapa sevillana, como los colores terrosos, el dibujo detallado, o el contraste de luces y sombras, aunque ya se ha abandonado el tenebrismo inicial; pero la composición refleja la influencia del clasicismo italiano, destacando en este sentido la figura de Apolo y el cíclope de espaldas, que con sus actitudes estáticas y relajadas recuerdan a los héroes de la estatuaria antigua, en contraposición a la vulgaridad de las otras figuras.
Un creciente interés por las proporciones y la estructura arquitectónica, que supuso la sustitución definitiva de la concepción gótica del edificio por la renacentista, aunque a menudo con rasgos propios ya del manierismo italiano contemporáneo.
Un recurso muy utilizado por Caravaggio en particular fue el aggiornamento («actualización», en italiano), que consistía en la ambientación de los temas en la época del pintor (escenarios, indumentarias, objetos).
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