A menudo, a través de copias romanas, la escultura griega influyó mucho en el Renacimiento italiano y fue el modelo clásico de la cultura europea hasta finales del siglo .
A mitad de camino entre la arquitectura y la escultura, su estructura transparente no rompe la perspectiva de la iglesia ni limita la percepción del inmenso espacio del crucero y la cúpula.
A partir de este planteamiento, desarrollado por teóricos como Winckelmann, se puede definir la escultura neoclásica por tres rasgos esenciales: Idealización de la realidad, en composiciones serenas y equilibradas.
A. Tipología Lo primero que habrá que indicar es el tipo de escultura al que pertenece la obra que estemos analizando, según tres criterios básicos: El resalte.
Actualmente se conserva en el Museo Nacional de Escultura de esta localidad, desvinculado de su marco arquitectónico original.
Además la policromía permite corregir errores, pues se pueden pegar piezas a la escultura, que la pintura cubre después evitando que se noten las uniones o defectos.
Ahora bien, la escultura monumental no apareció hasta finales del siglo, cuando el desarrollo arquitectónico del estilo románico estaba ya muy avanzado; y solo en Francia y España tuvo un papel destacado.
Artísticamente el Romanticismo, aunque extendió también su influencia a la arquitectura y la escultura, tuvo sus mejores cauces de expresión en la literatura y la pintura, en las que el espíritu romántico se manifestaba mejor a través de los temas, sin que para ello requiriese un lenguaje formal específico.
Así la escultura romana incorporó de estas dos tradiciones artísticas aquello que mejor se adaptaba a su propia idiosincrasia: De la escultura griega, el perfecto tratamiento del cuerpo humano.
Así, cualquier intento de periodización carece de validez general: la tradicional división del Gótico en preclásico, clásico, radiante y flamígero puede ser aplicable para la arquitectura de Francia, pero no para la de Inglaterra o Italia, y menos aún para la escultura o la pintura.
Asimismo, como en la escultura, fueron frecuentes el retrato y los asuntos mitológicos, a los que se añadieron también los hechos históricos de la Antigüedad, en especial los de carácter heroico, convertidos en símbolo de ideales y valores universales.
Aunque a lo largo de los tres mil años de historia del antiguo Egipto el arte experimentó algunos cambios importantes, el peso de la tradición y el rechazo a cualquier influencia extranjera explican la relativa uniformidad de estilo de la escultura egipcia, cuyas características esenciales son: Estatua-bloque, resultado de una técnica de trabajo que talla un bloque de piedra prismático a partir del dibujo de la figura en cada uno de sus lados.
Aunque la escultura siguió un desarrollo a veces paralelo al de la pintura –algunos pintores fueron también escultores, como Picasso o Boccioni–, no siempre resulta fácil clasificarla dentro de los grandes «ismos» pictóricos, no solo por la dificultad que entrañaba adaptar sus postulados a la escultura, sino también porque los escultores, más aún que los pintores, modificaron continuamente su propio lenguaje.
Aunque recuerda a la escultura arcaica griega contemporánea, prevalecen los rasgos etruscos: Los esposos comen juntos, práctica ajena a la costumbre griega.
Busca en Internet qué rocas se utilizaron para hacer las siguientes esculturas: La Piedad de Miguel Ángel, la Gran esfinge de Guiza, la escultura sedente de Kefrén y la Venus de Milo.
C. Emplazamiento original y puntos de vista Si la escultura está vinculada a un marco arquitectónico, su punto de vista será único y frontal, y podrá desempeñar una función decorativa (frisos, capiteles de las columnas, etc.) o también arquitectónica (estatuas columnas del Gótico, por ejemplo).
C. Representación de la luz Si en la escultura la luz, natural o artificial, era externa a la obra, en la pintura es también objeto de representación.
Como se puede apreciar en la escultura Ménade, Escopas introduce el pathos (‘sentimiento’), que se manifiesta en sus obras mediante la mirada y los labios entreabiertos y una expresión de emoción intensa, así como a través de la torsión y la agitación del cuerpo, que acentúan su dolor y su dramatismo.
Como en la escultura, convivieron durante gran parte del siglo el Barroco y el Rococó, y en las décadas finales el Neoclasicismo tuvo su más valioso representante en un gran artista que eclipsó a todos los demás, en este caso el francés Jacques Louis David, al que algunos historiadores consideran más un romántico que un neoclásico, como se comentará más adelante.
Como en la escultura, las representaciones son simples y antinaturales, y los colores se aplican en tonos uniformes delimitados por trazos negros que de fi nen los elementos del motivo.
Como era habitual en la escultura clásica, estuvo policromada, pero sus colores originales se han perdido casi por completo.
Comparando las dos imágenes se puede comprobar la evolución de la escultura románica entre el siglo y finales del siglo : el antinaturalismo, la simplificación y el tratamiento esquemático de las figuras va dejando paso a una mayor corrección formal, con figuras proporcionadas y expresivas, y un tratamiento más detallado del conjunto.
Conviviendo con el Barroco y el Rococó, en un proceso similar al de la arquitectura, a partir de la segunda mitad del siglo se fue imponiendo a través de las Academias el Neoclasicismo, con su interés por la escultura antigua, en especial la griega, de «noble simplicidad y serena grandeza» en palabras de Winckelmann.
D. Efectos de la luz Dependiendo del emplazamiento, la escultura recibirá luz natural o artificial.
De este modo, el movimiento, hasta entonces solo sugerido (salvo en algunas obras aisladas del Dadaísmo y el Surrealismo), se transforma en real, y la escultura deja de ser un volumen estático, para convertirse en objeto dinámico y cambiante de forma impredecible.
De hecho, fue el iniciador del Renacimiento en pintura, aunque con relativo retraso respecto a la arquitectura y la escultura.
Debería indicarse si la escultura está o estuvo policromada.
Dentro de la escultura española del siglo xvii se pueden distinguir dos grandes escuelas: a La escuela castellana acentuaba los rasgos expresivos y dramáticos de las imágenes para despertar la compasión del espectador .
Dentro de la escultura romana, el relieve histórico es la manifestación más interesante y sirvió de complemento iconográfico a la arquitectura conmemorativa.
Desarrolla brevemente el siguiente tema: Similitudes y diferencias entre la escultura griega y la romana.
Desde mediados del siglo XX, con el desarrollo y expansión de los nuevos sistemas visuales, la producción artística por los medios tradicionales de la escultura y la pintura representa una mínima parte del conjunto de imágenes que nos rodea, mucho menor en proporción que la de cualquier otro periodo histórico.
Desde un punto de vista formal, la escultura y la pintura bizantinas comparten las características señaladas para los mosaicos: Cátedra de Maximiano, s. .
Durante este tiempo, Atenas vio nacer la tragedia, se construyó el Partenón y floreció la escultura.
E. Tratamiento de los motivos, en especial de la figura humana Véase lo dicho en el apartado G del modelo de comentario de escultura.
El conjunto representa el más claro ejemplo de fusión de escultura y arquitectura, característica de la obra de Bernini: la capilla se convierte en un escenario teatral que enmarca la representación dramática del grupo escultórico, iluminado de forma efectista por una luz que penetra por la vidriera amarilla oculta tras el frontón.
El auge del Imperio en el siglo La pintura La pintura renacentista española careció en general de la calidad y originalidad de la arquitectura o la escultura.
El conjunto estaba rematado por una escultura de la Victoria sobre una cuadriga, obra de Schadow.
El emperador Octavio Augusto aparece en esta escultura en toda su majestuosidad, especialmente respecto a las figuras de la coraza: Frates, rey de los partos entrega a Tiberio las enseñas que habían perdido los romanos en la guerra, y lo hace entre la Tierra (abajo), que tiene el cuerno de la abundancia, y el Cielo (arriba), donde la Aurora rompe el velo cuando se levanta el Sol.
El nombre se lo aplicó un crítico de arte, Louis Vauxcelles, al ver sus creaciones expuestas en una sala cuyo centro lo ocupaba una escultura neorrenacentista, por lo que exclamó: «como Donatello en medio de las fieras».
El palacio de Carlos I en la Alhambra, de Pedro Machuca, es una buena muestra –véase imagen siguiente–. En escultura la evolución fue semejante a la de la arquitectura: a partir de un acusado goticismo inicial se fue incorporando poco a poco la in fl uencia renacentista italiana.
El protagonismo de la Iglesia, unido al fervor cristiano que impregnó a toda la sociedad española en esta época de crisis, se reflejó en un predominio absoluto de los temas religiosos en pintura y escultura, tratados con acentuado realismo para fomentar la devoción popular.
El rasgo más importante de su arquitectura es su concepción del espacio, que para él no es divisible ni el simple resultado de la combinación de los elementos plásticos del edificio (muros, cubiertas, etc.), sino algo concreto y unitario que se puede modelar como una escultura.
El retrato ecuestre era una forma convencional de representar a emperadores y monarcas, tanto en pintura como en escultura (recuérdese el de Marco Aurelio, en la antigua Roma, o los del Renacimiento), y la posición del caballo en corveta, con las patas delanteras en alto, manifestaba la destreza del jinete y el dominio sobre el animal, y simbolizaba la capacidad de mando de reyes y herederos.
Elegid una obra del arte funerario egipcio (un sarcófago, una pintura, una escultura...) y comentad aspectos concretos de la concepción de la muerte en el antiguo Egipto.
En consecuencia, la escultura figurativa se redujo casi exclusivamente al relieve y a los frontales de sarcófagos.
En la escultura las fi guras se hicieron n s más naturales y humanizaron sus gestos y actitudes ( de León ) –véase imagen de la derecha–. .
En cambio, el carácter sobrio de la arquitectura catalano-aragonesa, carente de portadas monumentales, no propició el desarrollo de la escultura, que se implantó tardíamente y centrada sobre todo en dos tipologías: los sepulcros y los retablos, en alabastro policromado.
En cambio, el Pórtico de la Gloria de Santiago, aun siendo algo posterior (finales del siglo ) y más avanzado en algunos aspectos, carece de continuidad en la escultura gótica española, por lo que se considera más correcto estudiarlo dentro del arte románico.
En cambio, escasean las obras de verdadero interés en escultura, pintura y mosaico, pues en la mayoría de los casos o proceden directamente de Roma o son meras copias.
En conjunto es un ejemplo claro de su estilo ecléctico, tan distante del realismo de la pintura de su tiempo como del academicismo dominante en la escultura: es en parte clasicista, por las referencias a lo dionisíaco y el gusto por el desnudo; y en parte romántica, por la agitación y el ritmo barroco.
En consecuencia, la escultura que fuera capaz de imitar los modelos antiguos sería, como estos, igualmente insuperable.
En consecuencia, la pintura y la escultura tuvieron un desarrollo escaso y limitado dentro de la arquitectura, que es sin duda la principal manifestación artística, con dos tipos principales de edi fi cio: la mezquita y el palacio .
En cuanto a su evolución, la escultura griega pasó del estilo rígido y poco natural del período arcaico, al naturalismo y la perfección anatómica del clásico, en un proceso de investigación técnica constante.
En él destaca la espectacular portada-retablo de marcado sentido escenográfico, en la que una desbordante fantasía ornamental envuelve la hornacina superior con la escultura de San Fernando recogiendo las llaves de Sevilla, obra de Juan Ron, colaborador de Ribera.
En el interior, todas las líneas arquitectónicas convergen en la escultura de San Andrés, que se remonta al cielo en una nube.
En ella aparecen ya plenamente desarrollados los rasgos propios de la escultura de Miguel Ángel: La expresión de terribilitá del rostro.
En ellos arquitectura, escultura y pintura se funden en un conjunto orgánico e inseparable.
En escultura, como en pintura, tampoco hubo un estilo definido y las realizaciones fueron muy variopintas, desde composiciones construidas por adición de elementos de diversa procedencia, hasta los famosos «ready-made» (prefabricados) de Marcel Duchamp.
En España se siguieron rigurosamente las instrucciones artísticas emanadas del Concilio de Trento, tanto por la presión de la poderosa Compañía de Jesús, como por la actitud vigilante de la Inquisición, lo que condicionó el desarrollo de las artes figurativas y en gran medida definió sus rasgos generales: La imagen religiosa predominó de forma absoluta, hasta el punto de que los temas profanos en la escultura son prácticamente inexistentes.
En este caso se trata de una escultura concebida para ser observada desde diferentes puntos de vista, por su situación central dentro del patio del palacio.
En general, el desarrollo de la escultura gótica española guarda estrecha relación con el de la arquitectura, a la que estuvo muy vinculada.
En la construcción, para confeccionar moldes de dentaduras, escayolas de uso quirúrgico, moldes para escultura.
En la escultura fue muy notable, pero en la arquitectura Roma siguió una evolución diferenciada que superó con creces los legados etrusco y griego.
En las artes figurativas (escultura, pintura y mosaico) se interesó más por la clara identificación y comprensión de los temas que por la correcta representación de las imágenes; es decir, más por el significado que por las formas.
En ocasiones, se sigue un canon de proporciones específico, como ocurría en la escultura griega clásica, que determinaba la altura total de la figura en relación con la altura de la cabeza.
En relación con ella, interesa observar de dónde procede y si la fuente de iluminación está visible en la obra; si es focal o difusa; si crea volumen mediante la gradación de luces y sombras (gradación tonal o modelado); si contribuye a crear sensación de espacio; si parece real o irreal; si tiene valor simbólico, etc. D. Composición Como en la escultura, nos interesa descubrir el esquema compositivo de la obra (triangular, circular, en aspa, etc.) y los efectos que produce (equilibrio, serenidad, agitación).
Entre los siglos y a.C. ni la arquitectura ni la escultura son dignas de mención, y solo la cerámica ofrece muestras de interés en el denominado periodo geométrico (siglos y ).
Era una arquitectura de valores escultóricos, pues otorgaba más importancia al aspecto exterior que al espacio interior; es decir, primaba la belleza del «volumen» sobre la utilidad del edificio, como si fuese una escultura.
Eros y Psique es uno de los mejores ejemplos de escultura neoclásica, que refleja a la perfección los ideales estéticos de la Antigüedad, tal como los entendían Winckelmann y otros teóricos del Neoclasicismo: belleza idealizada, serenidad, composición equilibrada, tema mitológico de fuerte carga simbólica, y depurada técnica sobre mármol de color natural.
Es conveniente señalar cómo es el espacio que ocupa la escultura (compacto, cerrado, abierto), y si contiene espacio interior.
Es también característico su juego de formas cóncavas y convexas, y muy especialmente la función asignada al hueco o vacío, que desempeña un papel tan importante como el de las partes materiales, rompiendo así con la tradicional concepción de la escultura como volumen macizo.
Es un buen ejemplo de la escultura rococó, cuyos temas predilectos fueron historias o figuras mitológicas relacionadas con el amor y la belleza femenina, pero también, como en este caso, escenas de la vida cotidiana.
Escenas dotadas de gran movimiento, como en la escultura.
Escultura en bronce a partir de un modelo de barro.
Escultura de Isaac Newton, en la Universidad de Cambridge.
Escultura en mármol.
Esta obra es una muestra paradigmática de escultura monumental del Románico pleno, fechada en el primer tercio del siglo .
Esta combinación –más bien yuxtaposición sin conflictos– de los dos estilos se observa también en la escultura del mismo periodo.
Esta práctica ya se había iniciado en la etapa anterior (baste recordar, por ejemplo, la introducción de objetos en la pintura mediante el collage ; o algunas de las creaciones del Dadaísmo, de difícil clasificación, como los «ready-made»), pero a partir de ahora se extiende y generaliza, y además aparecen nuevas manifestaciones ( Happening, Body Art, Land Art, etc.) que no encajan en el concepto tradicional de pintura o escultura.
Establecer unos rasgos formales comunes a toda la pintura gótica resulta muy arriesgado, pero en general se pueden aplicar los señalados para la escultura (tendencia al naturalismo, humanización de gestos y actitudes, sentido narrativo), a los que habría que añadir, como específicos de la pintura, los siguientes: La búsqueda de volumen en objetos y figuras, dotándolas de corporeidad mediante la gradación tonal de los colores, a diferencia de las tintas planas del Románico.
Este último concepto se refiere a todas aquellas webs sobre arte que divulgan por Internet obras realizadas por otros medios (arquitectura, escultura, pintura, fotografía, etc.), para lo cual sus imágenes han tenido que ser previamente digitalizadas.
Este último fue el gran momento de la escultura gótica castellana, con una abundante producción que refleja el gusto por lo decorativo del Gótico final.
Esto dificulta la clasificación de su obra, que abarca no solo una gran diversidad de estilos, sino también de técnicas (pintura, grabado, escultura, cerámica).
Esto es frecuente en la escultura griega, por ejemplo, realizada en gran parte en bronce, pero actualmente conocida fundamentalmente a través de copias romanas en mármol.
Esto fue debido a tres razones principales: La escultura tenía un elevado coste, porque seguía empleando materiales caros (mármol y bronce sobre todo) en obras de gran tamaño, lo que imposibilitaba en la práctica las creaciones independientes de carácter más innovador y obligaba a los escultores a estar sometidos a los encargos previos y al «buen gusto» clasicista dictaminado por las Academias.
Esto se tradujo en una primacía absoluta de la arquitectura en comparación con la escultura o la pintura.
F. Representación del movimiento o del reposo Aunque la escultura tradicionalmente ha sido un volumen estático, esto no impide que se pueda sugerir el movimiento o el reposo.
Finalmente se ofrece una breve explicación de las técnicas más frecuentes empleadas en escultura y pintura.
Formado en la tradición del Gótico, fue, sin embargo, uno de los primeros escultores que introdujo la estética renacentista en España e ilustra con sus trabajos el proceso evolutivo de la escultura española del primer tercio de siglo.
Fue, junto con Pablo Gargallo, un pionero en el uso del hierro, material hasta entonces inusual en escultura, y aplicó la técnica de la soldadura autógena, que había aprendido en una fábrica francesa donde trabajó durante la Primera Guerra Mundial.
Giacometti relacionaba esta escultura con una mujer que le había fascinado y con la que había construido «un palacio fantástico en la noche… un palacio muy frágil de palillos»; la columna vertebral y el esqueleto de pájaro los asociaba a ella, pero afirmaba desconocer por qué los había incluido en la obra.
Henry Moore afirmó que Brancusi había devuelto la conciencia de la forma en la escultura, tras eliminar toda la maleza de que se había ido revistiendo desde el Gótico.
I. Tema y significado En la escultura sí existe un tema explícito (al menos así ha sido hasta el siglo ), pero no siempre el mensaje que se pretende transmitir se limita al tema.
Igualmente, fue la escultura egipcia la que inspiró la postura y las proporciones de estas primeras estatuas; e incluso su tamaño, que normalmente superaba los dos metros de altura.
La fe ha sido fuente inagotable de temas para los artistas en pintura —el claustro de San Isidoro de León, la Capilla Sixtina—, en música —el canto gregoriano, las cantatas de Bach—, en literatura —poemas y autos sacramentales—, en escultura —las obras de Bernini o de Pedro de Mena—, en arquitectura —las catedrales—, en arte litúrgico —orfebrería y platería— etcétera.
La arquitectura se transforma así, como era frecuente en Bernini, en escenario de la escultura.
La combinación de superficies rugosas y pulidas y la multiplicidad de planos producen un juego cambiante de luces y sombras que relaciona esta escultura con las preocupaciones pictóricas de los impresionistas.
La escultura africana, que deja su impronta en las dos figuras de la derecha, cuyos rostros nos recuerdan las máscaras de ese arte primitivo que tanta admiración estaba despertando en las nuevas generaciones de pintores.
La escultura del Quattrocento, por tanto, no representó una ruptura con la tradición artística anterior tan clara como la que se produjo en la arquitectura.
La escultura dieciochesca, considerada en su conjunto, presenta una producción abundante, pero carece del interés de otros periodos anteriores y anuncia lo que será su estancamiento a lo largo del siglo, por su estrecha vinculación a la estatuaria de tradición clásica, en contraste con el empuje innovador de la pintura o la arquitectura.
La escultura en general desempeñaba una función didáctica, transmitiendo en imágenes lo que por escrito solo estaba al alcance de una exigua minoría.
La escultura es la manifestación artística que muestra una influencia mayor del arte griego.
La escultura invade todo el pórtico, que consta de tres vanos con arco de medio punto, en correspondencia con las naves de la iglesia.
La escultura original, como todas las de esta época, estaba pintada y los antiguos la consideraban la estatua femenina más hermosa del mundo.
La escultura plasma el movimiento en pleno desarrollo: Apolo está corriendo y la ninfa está empezando a convertirse en laurel por las manos.
La escultura renacentista, la de Miguel Ángel, con su interés por la figura humana.
La escultura también experimentó en el Barroco transformaciones importantes respecto al Renacimiento, aunque algunas de ellas tenían claros antecedentes en el manierismo.
La escultura también refleja en cierto modo esta nueva mentalidad.
La escultura y la pintura reflejaron igualmente una visión de lo sagrado más complaciente y cercana, lejos de la solemnidad distante del Románico: la iconografía mostraba un renovado interés por escenas de la Virgen y de vidas de los Santos; y las imágenes se humanizaban, expresando sentimientos, gestos y actitudes más naturales, sin renunciar a la belleza.
La escultura y la pintura se ciñen casi exclusivamente al marco arquitectónico, con la expresa prohibición de la representación figurativa, que se limita a las artes menores y la miniatura, y en algunos casos a la arquitectura palacial.
La escultura y la pintura se independizaron progresivamente del marco arquitectónico y las figuras se hicieron más naturales y con gestos más humanos .
La escultura y la pintura tuvieron un desarrollo muy limitado fuera del espacio arquitectónico, al que estuvieron subordinadas.
La estética renacentista se introdujo en la pintura española por las mismas vías que señalábamos para la escultura: importaciones de Italia, presencia en España de pintores italianos y viajes a Italia de pintores españoles.
La gran cantidad de modelos escultóricos de la Antigüedad ejercieron una influencia lógicamente más duradera en la escultura que en la pintura.
La renovación alcanza también a la escultura, que se despega por fin de los rígidos cánones academicistas e indaga nuevas posibilidades de expresión e, incluso, nuevos materiales y técnicas.
La temática fue mayoritariamente religiosa, ya que los principales clientes eran eclesiásticos, al igual que ocurría con la escultura.
Los elementos decorativos son abundantes tanto en el exterior como en el interior, quedando la escultura y la pintura integradas en el marco arquitectónico.
Los grandes edificios públicos de la época clásica, como el Partenón en Atenas, provocaron la necesidad de producir estatuas decorativas, particularmente para llenar la forma triangular de los frontones: un desafío técnico que estimuló la innovación en la escultura.
Los rasgos formales de esta escultura en relieve eran consecuencia de su concepción religiosa y su finalidad didáctica, pues preocupaba más la transmisión clara y sencilla del mensaje que la belleza aparente y la corrección formal: Es, ante todo, una escultura antinaturalista; no obstante, solía estar pintada, siguiendo la tradición clásica.
Los valores sensibles y el interés por las situaciones y ambientes pintorescos, propios del Romanticismo, eran más difíciles de trasladar a una escultura cuyo tipo dominante seguía siendo la tradicional estatua sobre pedestal.
Muchos temas coinciden con los de la escultura.
Múltiples puntos de vista, que obligan al espectador a moverse en torno a la escultura para apreciar sus diferentes aspectos.
No obstante todo lo anterior, este tímpano es más naturalista y rico en detalles de lo que suele ser habitual en la escultura románica.
No es propiamente una historia del arte, sino una introducción a la arquitectura, escultura, pintura y artes decorativas, con referencias a su evolución histórica.
Para el reciclaje es importante que los ciudadanos realicen una separación selectiva de los residuos y los depositen en los contenedores de reciclaje correspondientes: Escultura realizada a base de residuos.
Para ello los artistas se sirvieron de recursos que también son peculiares de la escultura española, como la técnica tradicional de la madera policromada o el empleo de ojos y lágrimas de cristal, dientes de mar fi l e, incluso, pelucas y trajes sobrepuestos.
Período clásico La escultura rompe con la rigidez de la época arcaica, y ofrece representaciones mucho más naturalistas y dotadas de movimiento .
Pero frente a la artificiosidad y carácter intelectual de este último, la escultura barroca proponía en general un mensaje más claro y directo.
Pero además de la escultura exenta, tienen un especial interés los relieves de aquellas zonas de los templos que ofrecían visibilidad y superficie adecuadas: Los frontones, en los templos de cualquier orden.
Pero al igual que en su escultura, el propósito es plenamente barroco: despertar la devoción a través de la complacencia, mediante una escena amable y llena de ternura.
Pero la escultura propiamente gótica se inició en España en el siglo en la catedral de Burgos, no por evolución a partir de obras anteriores españolas, sino por influencia directa de artistas franceses.
Pero la gran aportación de Lisipo es la creación de formas abiertas, que obligan al espectador a rodear la estatua, rompiendo así con el principio del punto de vista único: como puede observarse, el juego de brazos, que avanzan y envuelven el espacio, crean en el espectador imágenes diferentes de la escultura, según se la contemple de frente, de perfil o de espaldas.
Pero las similitudes arquitectónicas entre la catedral de Reims y la de León no pueden extenderse al campo de la escultura.
Por este motivo, en arquitectura y escultura seguiremos un criterio de exposición general por países (Francia, Italia, España), como en la unidad anterior; pero las peculiaridades de la pintura aconsejan su estudio por estilos y no por países.
Por otra parte, a diferencia de Francia, su peculiar arquitectura no propició el desarrollo de una escultura monumental vinculada a las portadas.
Por tal motivo, nos limitaremos a estudiar solo tres manifestaciones importantes de la escultura de este siglo: la obra de Salzillo, como último representante de la tradición barroca española de la escultura religiosa en madera policromada; la escultura rococó francesa, como expresión del nuevo espíritu aristocrático del final del Antiguo Régimen; y la figura indiscutible del italiano Canova, como gran maestro de la escultura neoclásica europea de finales del siglo y comienzos del siguiente.
Por tanto, la escultura exenta o de bulto redondo tuvo un carácter muy limitado en comparación con el relieve.
Por tanto, las dos grandes innovaciones de la escultura romana fueron el retrato realista y el relieve histórico.
Por último, conviene recordar que la escultura solía estar pintada para dotar de mayor realismo a las figuras.
Por último, la escultura exenta, tan escasa en el Románico, tuvo un gran desarrollo, sobre todo la escultura funeraria, destinada a capillas privadas financiadas por familias nobles o por la propia monarquía dentro de las iglesias y catedrales.
Por una parte, mientras la renovación flamenca se limitaba tan solo al ámbito de la pintura y el grabado, el Renacimiento italiano abarcaba todas las manifestaciones del arte (arquitectura, escultura, pintura y artes decorativas).
Realizada en mármol y de casi dos metros y medio de altura, es una de las obras más representativas del Neoclasicismo por su fiel imitación de la estatuaria griega, por el tema representado y por la solemnidad de su tratamiento, propia del interés de Thorvaldsen por la escultura del siglo v a.C., que le diferenció de Canova, más influido por el helenismo.
Reproduce una escultura de bronce situada en algún lugar de Roma.
Rompió con los academicismos imperantes en la escultura de su tiempo y abrió los caminos a nuevas formas expresivas, con una variada obra en la que se aprecian, en perfecta síntesis, diversas influencias: La pintura impresionista, con su predilección por la luz, que tradujo al lenguaje escultórico mediante una combinación de superficies rugosas y pulidas, y una gran profusión de planos para obtener efectos lumínicos cambiantes.
Señala a través de ellas las diferencias entre la escultura renacentista y la barroca.
Si algo caracteriza en general a la escultura helenística, además del virtuosismo y la perfección técnica, es su gran diversidad de estilos y manifestaciones: El campo temático se amplió enormemente, abriéndose a la representación ya frecuente de desnudos femeninos, de extranjeros e, incluso, de escenas cotidianas.
Si en general la vinculación entre arquitectura y escultura es característica de la obra de Bernini, en este caso la complementariedad es absoluta y no se podría entender la una sin la otra.
Si en las piezas pequeñas de orfebrería se ha empleado preferentemente el oro y la plata, en la escultura de un cierto tamaño el material por excelencia ha sido el bronce, una aleación de cobre y estaño a la que a veces se incorporan algunos otros elementos adicionales, como el zinc.
Si esta primaba el volumen exterior, como si se tratara de una escultura independiente con diversos ángulos de visión, los romanos centraron su interés en el espacio interior, definido por la función del edificio.
Si la escultura griega buscaba la proporcionalidad entre las diferentes partes del cuerpo, los etruscos, en los sarcófagos de esta época, se interesaban solo por la mitad superior (cabeza, torso y brazos) y la inferior parecía disolverse.
Siglo a.C. Escultura en arcilla cocida (terracota).
Sin embargo, cuando no se representaba al faraón o a una divinidad, la escultura alcanzaba a veces un gran realismo y naturalidad, como ocurre con los famosos escribas sentados.
Sin embargo, en el terreno artístico, en contra de lo que las circunstancias podrían hacer pensar, España vivió un momento espléndido, que justifica el calificativo de Siglo de Oro, en especial en los ámbitos de la escultura y la pintura.
Sin embargo, la escultura española mantuvo ciertos rasgos peculiares, entre los cuales habría que destacar los siguientes: El predominio absoluto de la temática religiosa, determinado por el poder de la Iglesia y la controversia entre católicos y protestantes, en la que España tuvo un papel destacado.
Sin embargo, la reivindicación explícita de la Antigüedad está en el origen de sus características esenciales: Se valoraba más la perfección de las formas, frente a la prioritaria función docente y El motivo principal fue la figura humana, que debía ajustarse a un correcto sistema de religiosa de la escultura medieval.
Sin embargo, sí era nueva la forma de combinar los elementos arquitectónicos y de integrar en ellos la escultura y la pintura, para dotar a los edificios de espiritualidad y simbolismo religioso, al tiempo que se creaban espacios perfectamente adecuados a sus fines.
Sin embargo, su relevancia en el proceso de renovación formal de la escultura del siglo y la proyección posterior de su obra, exigen al menos una breve referencia a algunas de sus creaciones.
Situado en la girola, detrás del altar mayor, es un perfecto ejemplo de fusión barroca de arquitectura, pintura y escultura al servicio de la Iglesia triunfante.
Solo la escultura, que vivió una época dorada en cuanto a encargos y realizaciones para las remodeladas ciudades burguesas, parecía anclada en la tradición de la estatuaria clasicista y académica.
Son de especial interés los relieves laterales del intradós del arco, que se comentarán más adelante, en el apartado de la escultura.
Su aparición en el interior del templo fue más temprana que la escultura monumental y, a diferencia de ella, se desarrolló en todo el ámbito del Románico: una iglesia no se consideraba terminada del todo hasta que no estaba cubierta de esculturas y pinturas, aunque desgraciadamente la mayoría de estas se ha perdido.
Su mani- festación más importante fue la arquitectura religiosa –iglesias y monasterios–, a la que quedaron supeditadas en gran medida la escultura y la pintura.
Su obra madura se sitúa, por tanto, a mitad de camino entre el patetismo de la escultura castellana y la sobria serenidad de la andaluza.
Su temática, como en escultura, fue casi exclusivamente religiosa, debido a su clientela eclesiástica.
Sus diferentes escalas y proporciones contribuyen a resaltar la figura de aquel y su agónico esfuerzo, en una de las mejores muestras del patetismo propio de la escultura helenística.
Sus figuras son corpulentas y de proporcionada anatomía; pero lo que realmente le diferencia es que, mientras Berruguete recurre a la tensión de sus personajes para manifestar el sufrimiento, Juan de Juni se sirve de un efectismo teatral que anticipa la gestualidad y afectación de la escultura barroca del siglo .
Sus obras están consideradas de las más bellas y perfectas de toda la escultura gótica española.
También se conserva, a los pies de la iglesia, el Pórtico de la Gloria, obra maestra de la escultura románica, que se estudiará en el apartado siguiente.
Tampoco la escultura tuvo un gran desarrollo y se limitó a los relieves arquitectónicos, en frisos murales y capiteles.
Tampoco la escultura tuvo un gran desarrollo y se limitó casi en exclusiva a los relieves arquitectónicos, en capiteles y frisos murales.
Un rasgo peculiar de la civilización etrusca fue su creencia en la vida de ultratumba, que justificó un arte funerario con manifestaciones en todos los ámbitos: arquitectura (necrópolis), escultura (sarcófagos) y pintura (frescos de las tumbas).
Una de las funciones de ter a crítica todos esos prejuicios que Detalle de una escultura griega (siglo fruto de la libertad, genere angustia, pero también puede ser la clave para emprender nuevos desafíos.
Y como en la escultura, la a a representación se ajustaba cada vez más a la apariencia real de los motivos y fi guras. .
Y aprovecha para rendir homenaje al arte que más le interesaba en ese momento: La escultura ibérica, cuya influencia se observa en las tres figuras de la izquierda.
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