Aparecieron motivos nuevos como gente del pueblo, mujeres, niños, animales o escenas domésticas.
Argumenta tu respuesta a partir de las escenas seleccionadas.
Aunque realizó algunos paisajes urbanos («Callejón», «Vista de Delft») y retratos («La joven de la perla»), su fama la debe sobre todo a sus interiores domésticos, con escenas sencillas de la vida cotidiana, en las que un número reducido de personas, con frecuencia una sola mujer, realiza sus quehaceres habituales con total naturalidad, como si no fuera consciente de que está siendo observada.
Aunque su estructura más característica se verá en el apartado dedicado a la pintura, adelantaremos que solía dividirse en paneles con escenas independientes, normalmente relacionadas dentro de un programa iconográfico general.
Averigua cuántos autómatas forman parte de este carrillón y qué escenas de la vida de la ciudad representan.
Bajorrelieve del siglo a.C. Escenas agrícolas.
Composiciones narrativas, con representación de escenas que describen una actividad.
Concede una importancia creciente al paisaje como marco de las escenas.
De los ocho relieves de los ángulos del claustro, seis son del primer maestro y representan escenas de la vida de Jesús tras su crucifixión: el Descendimiento, la Resurrección, la Duda de Santo Tomás (imagen izquierda), los discípulos de Emaús, la Ascensión y Pentecostés.
Efectos de la luz Debido a los acusados entrantes y salientes del conjunto, la luz incidente produce fuertes contrastes de luces y sombras que acentúan el dramatismo del tema y, en particular, de las escenas del infierno (a la derecha del espectador).
El programa iconográfico gira en torno a la figura de Cristo, pero la distribución espacial de las diferentes escenas plantea numerosos interrogantes.
El conjunto se complementa con figuras de los evangelistas, apóstoles, santos, las virtudes y escenas del Antiguo y el Nuevo Testamento.
El dinamismo y la vitalidad de las escenas.
El procedimiento era inverso al anterior: se pintaba de negro el fondo de las escenas y se dejaban las siluetas de las figuras del color rojo del vaso, sobre las cuales se pintaban los detalles a pincel.
El rechazo del protestantismo hacia las imágenes religiosas y los gustos de esta burguesía, que quería ver reflejado su propio mundo en los cuadros con que decoraba sus casas, explican las pequeñas dimensiones en general de las obras y sus temas predominantes: retratos, escenas costumbristas y domésticas, paisajes, animales y bodegones.
El registro superior, en el muro occidental, a ambos lados de la puerta de acceso, muestra escenas relacionadas con los orígenes de Roma; en el muro opuesto, personificaciones de Roma y la Paz; y en los muros laterales, el cortejo encabezado por Augusto en la ceremonia del sacrificio, realizado en aquella ocasión sobre un altar de madera.
El repertorio de temas se amplió notablemente, hasta representarse incluso escenas cotidianas.
El sarcófago propiamente cristiano, con escenas mínimas o personajes dentro de un rectángulo o medallón central, flanqueado a ambos lados por series de estrígilos.
El tema se desarrolla en tres escenas sucesivas: en primer plano, el diálogo de San Mauricio con sus jefes militares; a la izquierda, una decapitación a la que también asiste el santo; al fondo, a la izquierda, soldados desnudos entre los que se ha de elegir a los mártires; todo ello presidido por un coro de ángeles en la parte superior.
En los capiteles, tanto de las iglesias como de los claustros, los temas eran más variados: escenas del Antiguo y el Nuevo Testamento, vidas de santos, temas simbólicos, etc., así como motivos geométricos, vegetales o animales.
En su etapa inicial sevillana practicó una pintura muy vinculada al naturalismo caravaggiesco, con escenas y personajes populares como El aguador de Sevilla (Museo Wellington de Londres) o la Vieja friendo huevos (National Gallery de Edimburgo).
En consecuencia, dividió las dos hojas en veintiocho escenas enmarcadas en cuadrifolios.
En el registro superior se representan siete escenas de la pasión de Cristo, en el inferior siete gozos de la Virgen y en los laterales quince santos.
En ella Giotto desarrolló, en escenas independientes encuadradas en falsos marcos pintados, un amplio programa iconográfico que comienza con la vida de los padres de la Virgen (San Joaquín y Santa Ana), sigue con la vida de Cristo y culmina en el Juicio Final del muro oeste.
En ella se emplea el procedimiento inverso del anterior, pintando de negro el fondo de las escenas y dejando las siluetas de las figuras del color rojo del vaso.
En escenas muy emotivas llegaban incluso a cantar.
En general, se ajustaban a dos tipos principales, aunque con diversas variantes: El sarcófago inspirado en los modelos paganos, con escenas o personajes que ocupan todo el frontal, en un desarrollo continuo o separados por columnas en un marco arquitectónico.
En la puerta, dos columnas con las figuras de San Pedro y San Pablo se comunican entre sí mediante una arquivolta que narra escenas de sus vidas.
Es al segundo, el conocido precisamente como Maestro de San Juan de la Peña, de la segunda mitad del siglo, al que corresponde la muestra más importante, con veinte capiteles que representan escenas del Génesis y de la vida de Jesús.
Es un buen ejemplo de la escultura rococó, cuyos temas predilectos fueron historias o figuras mitológicas relacionadas con el amor y la belleza femenina, pero también, como en este caso, escenas de la vida cotidiana.
Escenas de gran vitalidad y dinamismo.
Escenas de la película, dirigida por I. Bergman.
Escenas dotadas de gran movimiento, como en la escultura.
Está formada por ochenta y dos estampas que representan en su mayoría escenas cotidianas de la guerra, algunas de extrema dureza: prisioneros mutilados, pueblos destruidos, hombres empalados, etc. Son una reflexión desesperada sobre el absurdo, la crueldad y la sinrazón de la guerra en sí.
La escultura y la pintura reflejaron igualmente una visión de lo sagrado más complaciente y cercana, lejos de la solemnidad distante del Románico: la iconografía mostraba un renovado interés por escenas de la Virgen y de vidas de los Santos; y las imágenes se humanizaban, expresando sentimientos, gestos y actitudes más naturales, sin renunciar a la belleza.
La iluminación es tenebrista, es decir, ciertas partes o motivos son iluminados por una intensa luz focal, como la del teatro, mientras los fondos y otras zonas quedan sumidos en una profunda oscuridad; y la transición de las luces a las sombras no es gradual, sino violenta, lo que acentúa considerablemente el dramatismo de las escenas.
La larga serie de escenas patéticas provoca un sentimiento de piedad y lo personajes, en medio de su desgracia, proclaman la crueldad y el absurdo de la guerra.
La representación de un espacio y un paisaje de fondo que enmarca las escenas e integra a las figuras en una composición unitaria, en contraposición con los fondos dorados y sin referencias espaciales.
La simplificación de las escenas, con una reducción al mínimo de los elementos secundarios, en particular los paisajísticos o espaciales.
La temática se amplía mucho, y también muestra escenas cotidianas.
La visión que se nos ofrece no es la inicialmente propuesta de «perpetuar por medio del pincel las más notables y heroicas acciones o escenas de nuestra gloriosa insurrección contra el tirano de Europa», sino más bien la cruda expresión de la violencia ejercida y sufrida por uno y otro bando.
Las escenas se refieren a la vida de Cristo, pero no en paneles cuadrados o rectangulares, como era habitual, sino en una original disposición en círculos.
Las escenas seleccionadas se inician con la huida del protagonista en mitad de una de sus magníficas conferencias.
Los aedos no tenían un texto escrito, sino que creaban la canción cada vez que la recitaban, con la ayuda de la repetición de algunas fórmulas fijas: adjetivos, expresiones invariables y escenas que se iban repitiendo.
Los extremos superior e inferior están dedicados a Cristo: en el sotabanco, escenas de la Pasión; en el ático, el calvario; y en el tercer piso, Jesús y los Apóstoles.
Los frescos fueron realizados en la primera mitad del siglo a.C. y se clasifican en el segundo estilo pompeyano o arquitectónico, porque las escenas se enmarcan en arquitecturas pintadas que simulan ser reales, creando la ilusión óptica de que el espacio continúa donde solo existe un muro.
Los temas predominantes son escenas de caza, luchas de guerreros, danzas rituales de mujeres en torno a un jefe, recolección de la miel, etc. Y sus rasgos formales presentan notables diferencias respecto a las pinturas del Paleolítico: Esquematización de las figuras.
Los temas representados abarcaban desde sencillos motivos geométricos, a veces en blanco y negro, hasta elaboradas y coloristas escenas, como el Mosaico de Alejandro, copia de una pintura griega, ya comentado en la unidad anterior.
Luz ambiental que difumina las formas y envuelve las escenas.
Mantegna exalta en esta obra la vida en la corte de los Gonzaga, desplegando todo un elenco de personajes, algunos reconocibles y otros de dudosa identificación, como también es dudoso el significado de algunas escenas representadas.
Muestran, sobre todo en las escenas del campo, el dominio de la simetría y de la perspectiva en los paisajes naturales.
No era la primera vez que el actor había rechazado rodar escenas de este tipo.
Para compensar las pequeñas dimensiones reales de la estancia (unos ocho metros de lado), pintó en sus paredes y techo un conjunto de escenas enmarcadas en arquitecturas o paisajes ficticios que crean la ilusión de ser una prolongación del espacio real.
Pero también adquirieron una gran importancia los bodegones, paisajes y cuadros de género (escenas costumbristas y cotidianas), muy apreciados por la burguesía enriquecida, que los adquiría para la decoración de sus casas e incluso como inversión.
Predominan las escenas en movimiento, detenidas en el momento de máxima acción.
Representa un ambiente edénico habitado por figuras desnudas que se solazan o protagonizan escenas de amor, música y danza.
Se impuso así la moda de los retratos en actitudes y ambientes familiares, los cuadros de escenas mitológicas de amores entre dioses o héroes, o las fiestas galantes, género que surgió en Francia y tuvo un extraordinario éxito y magníficos cultivadores.
Se aprecian diversas escenas de la vida de un niño romano.
Se caracteriza por el tratamiento antinatural de los motivos y la simpli fi cación de escenas y fi guras, ya que se trataba de transmitir la idea esencial de las cosas, y no de imitar su apariencia real.
Se puede considerar un precedente lejano del cine documental, ya que se introduce, incluso, el factor tiempo: los hechos se desarrollan en momentos diferentes y el emperador, por ejemplo, aparece en casi sesenta escenas.
Se representan de forma esquemática y simplificada, en bajorrelieves muy planos, tres escenas independientes, pero relacionadas por un mensaje de salvación: el sacrificio de Isaac, el Buen Pastor y Daniel en el foso de los leones.
Se trata, por tanto, de una visión onírica de un acontecimiento histórico, con un tratamiento plenamente manierista: yuxtaposición de escenas, incoherencia del espacio representado y utilización de una luz irreal.
Si algo caracteriza en general a la escultura helenística, además del virtuosismo y la perfección técnica, es su gran diversidad de estilos y manifestaciones: El campo temático se amplió enormemente, abriéndose a la representación ya frecuente de desnudos femeninos, de extranjeros e, incluso, de escenas cotidianas.
Su pequeño tamaño y su posición elevada dentro del templo obligaban a simplificar las escenas representadas, que debían limitarse a un número reducido de figuras.
Sus paisajes están ejecutados desde un punto de vista muy alto, lo que le permite disponer de un amplio espacio para desarrollar una infinitud de escenas y detalles.
Sus primeras obras («Sagrada Familia del pajarito») muestran una cierta filiación con el naturalismo tenebrista, pero eluden los aspectos desagradables o estridentes y dotan a las escenas de un encanto característico.
Sus relieves, realizados por diversos artistas, narran escenas de la guerra.
También la temática es distinta, pues las escenas representadas corresponden al Antiguo Testamento y en cada panel se desarrollan dos o más episodios, relacionados pero pertenecientes a momentos distintos.
Un rasgo característico de la pintura romana fue su amplísima variedad temática, que abarcaba todos los géneros: paisajes, bodegones, retratos, hechos históricos, pasajes mitológicos, incluso escenas eróticas.
Y los dos pisos centrales corresponden a María: en el segundo, siete escenas de su vida (los gozos); y en el primero, la Virgen y el Niño en el centro, con santos y santas a los lados.
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