¿El diálogo —en la escena y en el debate— te ha ayudado a ver aspectos de la situación trabajada en los que no habías reparado?
¿Es una escena triste o alegre?
¿Por qué? ¿Pueden ir de la mano la ciencia y la fe, como Palmer y Ellie al final de la segunda escena?
A su vez, la iluminación tenebrista, lateral y desde la izquierda, acentúa el efecto dramático de la escena.
Además, la técnica del trabajo de las figuras ilustra el alto grado de perfección alcanzado en el período clásico: sus actitudes son completamente naturales, los paños caen con soltura e insinúan unas correctas proporciones anatómicas, y el tratamiento de las superficies con acusados entrantes y salientes produce efectos de claroscuro, que dotan a la escena de efectismo y fuerza dramática.
Al milagro asiste una comitiva de personajes toledanos, amigos y contemporáneos de El Greco, lo que supone un verdadero anacronismo: su hijo, en primer plano a la izquierda, que presenta la escena al modo del teatro clásico; el propio pintor, que mira al espectador, justo por encima de San Esteban; el párroco de la iglesia y comitente de la obra, frailes de las órdenes religiosas toledanas, caballeros de la Orden de Santiago, etc. La parte superior es un rompimiento de gloria, presidido por el tema bizantino de la Deesis: Cristo Juez, flanqueado por la Virgen y San Juan como intercesores de la humanidad.
Algunos de los personajes dirigen su mirada al espectador, como en «Los borrachos» o en «Las Meninas», en una puesta en escena típicamente barroca.
C.) El teatro romano derivaba del griego y, como este, tenía gradas semicirculares y en pendiente ( cavea ), pero se diferenciaba del griego en varios aspectos: solía estar construido sobre galerías abovedadas –el griego, sobre un desnivel del terreno–, por lo que se accedía a las gradas a través de vomitoria ; la orchestra o espacio central era semicircular –en el griego, circular–; y tenía una grandiosa arquitectura al fondo de la escena, de la que carecía el teatro griego.
Cada escena, como el Bautismo de Cristo de la imagen, incluye un número reducido de figuras de estilo naturalista, con referencias espaciales mínimas pero suficientes.
Como en «Los borrachos», obra poco anterior que se comentará al final de la unidad, el tema sirve de pretexto para plasmar una escena cotidiana, en este caso la actividad de una fragua de la época (los cíclopes míticos son simples herreros y la armadura es característica del siglo ).
Como se ha indicado a menudo, David desarrolla la escena al modo de una «piedad laica», con el rostro sereno de la víctima y su cuerpo exánime desplomándose.
Consulta los recursos digitales y define los siguientes términos: arco, arco de medio punto, luz ( de arco), intradós, bóveda, bóveda de cañón, bóveda de arista, abovedado, cúpula, podio, pórtico, pseudoperíptero, semicolumna, casetón, pilar, nave, nicho, óculo, vomitorium, frente de la escena (frons scenae), arena, arcada, espina, ábside, ático, trépano .
Contrasta con la solemnidad del conjunto la presencia en la parte superior de los pajes asomándose para contemplar la escena.
Conviene utilizar elementos que ayuden a recrear la escena.
Cuando se volvió hacia el koala que contemplaba la escena, el emú tenía un gesto tan aterrador que el pobre koala se encaramó de un salto al árbol más cercano.
Destaca el tratamiento elegante y ponderado de la escena, en la que vencedor y vencido adoptan una actitud caballeresca, sin arrogancia ni humillación.
El espacio donde se desarrolla la escena se caracteriza por la absoluta ausencia tanto de elementos arquitectónicos como paisajísticos.
El capitel de la imagen representa la Última Cena y, más allá de los rasgos propios del autor, se puede decir que compendia todas las características formales del relieve románico: antinaturalismo, horror al vacío, simplificación de la escena, esquematización y, sobre todo, la adaptación de las figuras a la forma piramidal invertida del capitel.
El extraordinario pulido final transmite una sensación de tersura y morbidez, que refuerza la sensualidad y delicadeza de la escena representada.
El paisaje que sirve de fondo a la escena es de gran luminosidad y relaciona esta obra con el clasicismo barroco, pero el tratamiento del tema es naturalista, ya que Jacob se asemeja a un arriero de la época que hace un alto en el camino para descansar.
El predominio de las líneas rectas verticales y la disposición apretada de las figuras confieren a la composición una rigidez estática que contribuye a acentuar la solemnidad de la escena.
El tema representado en esta escena es un milagro que vivieron San Bruno y otros seis monjes, fundadores de la orden de los cartujos.
El vacío de la mitad superior del lienzo y el intenso claroscuro recuerdan a Caravaggio y acentúan el dramatismo de la escena.
En cualquier caso, el tratamiento del tema es de una gran sensualidad, rasgo propio de las pinturas mitológicas de Tiziano, y más que una representación idealizada de Venus, la diosa del amor, parece el retrato de una seductora mujer real en un lujoso palacio veneciano, asistida por dos criadas situadas al fondo de la escena.
En efecto, la escena se desenvuelve en un ambiente de gran humildad y crudo realismo, en el que la Virgen aparece simplemente muerta, sin ningún elemento sagrado que anuncie su próxima asunción, como la presencia de ángeles, por ejemplo.
En esta escena, el padre de la familia Borrower cruzará la cocina para salvar a su hija, atrapada dentro del congelador.
En esta escena, pueden apreciarse los rotos de sus ropas.
En la primera escena, el profesor plantea el proyecto a los alumnos.
En la primera escena, Ellie y Palmer mantienen una conversación acerca de las motivaciones que mueven a cada uno a buscar la verdad.
En la primera escena, un ingeniero conversa con el capitán de la nave sobre las consecuencias de dejar que el planeta muera.
En la segunda escena, los astronautas han bajado a Marte, pero el vehículo se ¿Qué ha podido llevar al científico de la primera escena a buscar a Dios? ¿Qué vías tenemos para conocer a Dios? ¿La fe en Dios es el camino más fácil, como afirma el biólogo en la segunda escena?
En la segunda escena, Trevor expone su proyecto a la clase, lo que causa las risas de sus compañeros.
En segundo lugar, la escena presenta el ceremonial propio de la corte bizantina, caracterizado por la solemnidad, el protocolo y el distanciamiento casi divino de la monarquía, que acusa la influencia de las autocracias orientales.
En una escena de la Ilíada, Aquiles recibe el aviso de que no debe luchar contra su enemigo Héctor porque le costará la vida.
Es famosa la escena del momento en que se despide de su mujer Andrómaca para marchar al combate, delante del hijo de ambos, Astianacte.
Es interesante el juego de líneas compositivas: las figuras de los extremos engloban, como en un paréntesis, todo el conjunto, en cuyo centro destacan las figuras de Cristo y la Virgen, que coinciden en su postura curvilínea y resumen todo el dolor de la escena.
Es semicircular y el muro de la escena es monumental.
Es sin duda una de las mejores obras de Gregorio Fernández y reúne las características esenciales de su estilo: acentuado realismo, emotiva expresividad, patetismo e insistencia en los detalles que reflejan el sufrimiento físico (llagas, magulladuras y heridas sangrantes, de fuerte impacto visual por la policromía), y rigidez de los pliegues, acartonados y cortantes, cuyos contrastes lumínicos acentúan el dramatismo de la escena.
Es una obra representativa de la denominada corriente plebeya del arte romano, que sacrifica la corrección formal en aras de una mayor claridad narrativa: se superponen personajes para mostrar la profundidad de una escena, se combinan puntos de vista diferentes para evitar que unos elementos oculten a otros, se utilizan escalas diferentes para personas y edificios (o elementos de la naturaleza), etc.; todo ello policromado en su día.
Escena de recolección de la miel.
Escena del juicio de los muertos.
Incluso el abuelo y el padre de Harry olvidan las tensiones que había entre ellos; en esta escena, todos (abuelos, padres y nietos) disfrutan en el jardín de una noche estrellada tras mucho tiempo de desavenencias.
La línea del horizonte, en un recurso muy característico de Goya, se encuentra un poco por encima del tercio inferior de la estampa, por lo que nos ofrece una visión desde un ángulo ligeramente bajo y resulta así más sobrecogedora la escena.
La composición es de una gran sensualidad, acentuada por las líneas ondulantes que parecen sumir la escena en una danza.
La escena representada procede de Tito Livio, que narra el modo como decidieron las ciudades de Alba y Roma en el siglo a.C. resolver la disputa entre ellas mediante el combate entre miembros de una familia de cada ciudad.
La escena representada se desarrolla en un prostíbulo de la calle barcelonesa de Avinyó.
La escena sigue al pie de la letra la descripción de la propia santa, que se sentía desfallecer en arrebato místico por el dardo ardiente que el ángel clavaba en su corazón.
La escena transcurre en el interior de un portalón, pero en pleno día, como se deduce de la luz que penetra por la izquierda.
La imagen es un fragmento de una pintura mural al fresco de mediados del siglo a.C. La escena completa representa un banquete y pertenece a una tumba de la necrópolis de Tarquinia conocida como de los Leopardos, por la pareja de estos animales que decora una de sus paredes.
La influencia del naturalismo caravaggista se refleja tanto en el tema como en la técnica: protagonismo de personajes tomados de ambientes humildes, escena de la vida cotidiana, iluminación de acentuado tenebrismo, dibujo muy preciso y minucioso que refleja a la perfección las calidades de cada objeto (obsérvese el detalle de la copa o del cántaro, con las gotas que resbalan por él), y colores oscuros y terrosos de factura lisa.
La mentalidad de la burguesía conservadora estaba dispuesta a admitir el desnudo femenino en una representación mitológica o en una figura alegórica, pero lo consideraba inmoral e inaceptable en una escena contemporánea y banal, en la que aparecía la mujer con toda naturalidad sentada junto a dos hombres correctamente vestidos.
La sociedad del Barroco, por tanto, era en gran medida una sociedad dirigida ideológicamente a través de una continua puesta en escena teatral.
La solución consistió en unir dos teatros por el frente de la escena y eliminar éste.
Los protagonistas de la escena son el pueblo llano de Madrid y las tropas francesas,en su mayoría mamelucos, soldados de origen egipcio al servicio de Napoleón.
Luego, el coro entraba en escena.
Mediante el procedimiento de narración continua, ilustra en la misma escena tres episodios distintos: en el centro, Cristo le indica a San Pedro que vaya al mar, eche el anzuelo y en la boca del primer pez que capture hallará una moneda; al fondo a la izquierda, San Pedro está cogiendo la moneda de la boca del pez; y a la derecha, se la está entregando al recaudador.
Pero al igual que en su escultura, el propósito es plenamente barroco: despertar la devoción a través de la complacencia, mediante una escena amable y llena de ternura.
Pero lo que en este era elegancia, alegría y desenfado, en el grabado se ha convertido en una escena grotesca en la que tres lascivos y ridículos ancianos de sexos abultados danzan torpemente junto a tres descaradas jóvenes.
Pero, a diferencia de la obra de Caravaggio, la escena carece por completo de dinamismo.
Por ello, la Venus que preside la escena es la Venus Vulgar (vestida), como símbolo de la belleza del mundo visible.
Por otra parte, la escena se desarrolla en dos zonas superpuestas, la terrenal y la celestial, rasgo propio de gran parte de la obra de El Greco.
Por otra parte, todo el conjunto tiene un intencionado carácter teatral puramente barroco: la historia se desarrolla dentro de una estructura arquitectónica de líneas quebradas y curvas, a modo de escenario, y en las paredes laterales de la capilla sendos relieves simulan palcos en profundidad desde los que se asoman diversos espectadores –los miembros de la familia Cornaro, que encargó la obra–, para contemplar el milagro como si se tratara de una puesta en escena.
Por último, el punto de vista adoptado es muy bajo, con lo que se enfatiza el movimiento ascensional de la escena.
Por último, en la tercera escena el abatimiento invade al joven Trevor, quien duda de que sea posible cambiar el mundo.
Representa un baile de bacantes alrededor de una figura masculina semidesnuda, lo que provocó cierto escándalo por la sensualidad de la escena.
Representación de la luz La luz no tiene un origen preciso ni parece corresponder a lo que sería la luz natural del ambiente exterior en que se desarrolla la escena.
Representación del espacio tridimensional La escena transcurre en un lugar abierto en el que no existen elementos arquitectónicos o de otro tipo que mediante líneas de fuga sugieran la tercera dimensión.
Respecto a la primera, es homogénea y difusa en toda la escena y contribuye en muy escasa medida a crear sensación de volumen.
Se representa a los difuntos recostados sobre la kliné en una escena de banquete.
Se trata, por tanto, de una entrañable escena doméstica sin presencia de elementos sobrenaturales y con un claro protagonismo de San José, como padre ideal, que tradicionalmente aparecía en el tema de la Sagrada Familia relegado a un segundo plano.
Sin embargo, el dinamismo y la espectacularidad de la escena son notas características de Rubens.
Sin embargo, en contra de lo que es habitual en este tipo de esquema, la escena no presenta un movimiento muy acusado.
Sin embargo, la elegancia de los personajes y la amable dulzura de la escena anuncian ya las características de su obra posterior.
Sobreilumina y resalta el grupo central de figuras, en especial la del dios semidesnudo, y acentúa el carácter teatral de la escena.
Su aparición en escena está muy limitada, aunque la acción transcurra a su alrededor.
Su parte más espectacular es el frente de la escena (frons scenae), formado por dos cuerpos superpuestos de columnas corintias, que combinan el mármol blanco y el azul.
Su significado, probablemente, va más allá de la mera escena representada.
Tipología Es un grupo escultórico de bulto redondo que representa una escena en el interior de un retablo transparente, con una figura de pie y otra semiyacente.
Toda la escena se desenvuelve en un espacio impreciso y ambiguo, en el que reina el terror, la angustia y la confusión.
Un hombre con barba y bigote se apoya en un pilar y contempla con ternura la escena.
Una vez abstraído el concepto, entra en escena otro principio de la inteligencia, que Aristóteles denominó intelecto paciente.
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