¿Qué otros cuerpos celestes forman parte del sistema rior en un cuadro como el siguiente.
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A continuación, comentaremos el cuadro Anciano con su nieto, de Domenico Ghirlandaio.
A partir del esquema proporcionado en la Introducción de este manual, analiza y comenta el cuadro «La muerte de Marat», de David.
A su alrededor se disponen sus protectores, amigos, personajes de ideas progresistas (como Baudelaire, en el extremo derecho, leyendo un libro), gentes humildes, etc. El cuadro tiene, por tanto, un marcado carácter simbólico, que se contradice en parte con sus propias afirmaciones sobre lo que debía ser la pintura: «representación de los objetos que el artista puede ver y tocar… Un arte concreto, que únicamente puede estar compuesto por la representación de las cosas reales y existentes».
Al circular corriente por el cuadro, gira y mueve una aguja enganchada con este, cuyo extremo se desplaza sobre una escala graduada.
Algunas de las características de los vertederos controlados se recogen en el siguiente cuadro.
Algunas se indican en el siguiente cuadro.
Asimismo, son característicos de su estilo el absoluto predominio de la mancha de color sobre el dibujo, y la división del cuadro en dos ámbitos: el celeste, luminoso y como sumido en una danza; y el humano, abigarrado y estático.
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Braque decía que «los sentidos deforman y la mente forma», por lo que la propuesta cubista consistía en ofrecer en el cuadro una «visión intelectual» de la realidad; es decir, no lo que se ve, sino lo que se sabe de ella: El tema era irrelevante, pues el cuadro carecía de mensaje y solo pretendía mostrar la estructura formal de los motivos, que se reducían a formas geométricas elementales.
Cada tipo de agua superficial posee una dinámica característica, que se resume en el siguiente cuadro: Definición La velocidad instantánea del caudal de un río es mayor en su cabecera que en su desemboca -dura.
Clasifica en un cuadro como éste los impuestos que se explican en el texto.
Como consecuencia de ello, el cuadro se simplifica en comparación con el cubismo analítico y los motivos se reconocen con más facilidad; al mismo tiempo, el color empieza a enriquecerse.
Completad un cuadro comparativo de los tres proyectos del robot seguidor.
Composición El esquema compositivo de este cuadro es muy equilibrado y responde a un eje de simetría vertical que parte de la lámpara, continúa en el espejo de la pared y termina en la figura del perro; a un lado y a otro se disponen las dos figuras del cuadro, unidas a través de las manos.
Confecciona un cuadro en el que se reflejen las principales dife seres humanos en estado de naturaleza y en estado social.
Constable tomaba apuntes directamente del natural, que le servían de base para el cuadro definitivo.
Copia en el cuadro y señala en él las enfermedades contra las que has sido vacunado y las vacunas que te quedan por recibir.
Copia en tu cuaderno y completa el siguiente cuadro.
Copia y completa el cuadro siguiente y elabora un gráfico que muestre cómo ha variado el pulso de cada uno.
Copia y completa este cuadro.
Cristo aparece en el centro del cuadro, sentado y con un nimbo romboidal, junto a la Virgen y los apóstoles, pero entre los más de cien personajes del cuadro apenas destaca.
De este modo, los papeles se han invertido y, al mismo tiempo, el mundo ficticio del cuadro y el real se funden en un solo mundo imaginario.
Desde un punto de vista formal, destacan en este cuadro tres aspectos: Los perfiles bien definidos de las figuras, reducidas a formas simples y elementales.
Después se prepara mediante la imprimación, que debe ser bien realizada para garantizar la duración del cuadro.
Durante mucho tiempo se pensó que representaba simplemente el taller de hilanderas de la Real Fábrica de Tapices de Santa Isabel de Madrid, por lo que se consideró un cuadro de género.
El espacio y los colores antinaturales (el prado rojo, por ejemplo) refuerzan el mensaje trascendente del cuadro.
El propio título de la obra es una alusión al famoso cuadro del noruego Munch, igualmente desgarrador e inquietante por su fuerza expresiva.
El tratamiento refleja su artificiosidad manierista: Se abandona la perspectiva central para situar el punto de fuga en el arco de triunfo de la parte superior izquierda del cuadro.
El «Guernica» es, como dijo Argan, el único cuadro histórico del siglo, pero también refleja a través de sus símbolos el mundo subconsciente de los sueños, aunque –eso sí– transformado en este caso en un escenario de pesadilla, con la muerte como protagonista principal.
El ángulo girado por el cuadro es directamente proporcional a la intensidad de corriente que circula en este.
El asunto principal (Cristo lavando los pies a San Pedro) está desplazado al extremo derecho del cuadro.
El autor de este cuadro parece preguntarnos: ¿hay algo real detrás de lo que percibimos?
El bien deleitable En contraste con lo anterior, cuando hablamos de un buen vino, un buen filete, un buen cuadro, una buena siesta o una buena música, estamos utilizando la palabra bueno en un sentido distinto: llamamos buenas a esas realidades porque nos resultan agradables o placenteras.
El caso es que la obra fue rechazada por los carmelitas, que pusieron en su lugar otro cuadro del mismo tema realizado con más decoro por otro autor.
El cuadro presenta una embarcación a la izquierda y parejas de amantes en diferentes actitudes amorosas que se distribuyen por un paisaje idealizado y brumoso.
El cuadro representa uno de estos bailes en un día de verano.
El cuadro es de carbono, resistente, ligero y flexible, y los frenos y el cambio de marchas se encuentran integrados en el cuadro.
El cuadro es una alegoría presidida por la figura femenina de la Libertad, que avanza imparable sobre los muertos que han caído en la lucha, seguida por representantes de las diferentes clases sociales.
El cuadro presenta una disposición vertical, que es característica de El Greco, y la gama de colores recuerda a la pintura veneciana, en especial la de Tintoretto: carmines, azules, amarillos y blancos argentados.
El cuadro representa el momento en que Apolo informa a Vulcano, dios herrero y aquejado de cojera, de los amores adúlteros de Venus, su esposa, con Marte, el dios de la guerra, provocando la sorpresa en todos los presentes.
El cuadro, por tanto, no es solo representación, sino también construcción.
El Cubismo, por tanto, supuso una verdadera revolución del lenguaje formal de la pintura y la ruptura con la tradicional concepción renacentista: el cuadro se convertía en objeto autónomo, libre de la servidumbre de imitar fielmente la apariencia de la realidad.
El mundo real y el imaginario se funden en un espacio continuo que permite transitar de uno a otro: la realidad del espectador continúa en la del cuadro; y dentro de este, el paisaje exterior rompe el obstáculo del cristal y lo convierte en vehículo para penetrar en el interior.
El pintor con frecuencia no mezcla los colores en la paleta, sino que los yuxtapone en el cuadro en pequeñas pinceladas para que el observador los funda en su retina al contemplar la obra desde lejos.
Elabora un cuadro en el que aparezcan las diferencias entre el método inductivo, el método deductivo y el método hipotético-deductivo.
En cualquier caso, el verdadero protagonista del cuadro es el paisaje, dotado de vida y tratado con exquisita sensibilidad.
En cualquier caso, en este cuadro no representó a Baco del modo habitual, como un viejo gordo y alegre o como un joven de belleza idealizada, sino como un personaje vulgar, afeminado y con el rostro enrojecido por la ebriedad, que en una actitud típica del Barroco trata de implicar al espectador ofreciéndole una copa de vino.
En cuanto a su estilo, Canaletto solía destinar grandes superficies del cuadro al cielo y al agua, creando así una vaporosa e intensa luz, a veces muy contrastada, que otorga un carácter aún más pintoresco a la ya de por sí curiosa ciudad.
En cuanto al tipo de composición, es cerrada, ya que no se establece conexión entre lo representado en el cuadro y el mundo exterior al mismo; unitaria, porque los personajes se relacionan entre sí mediante gestos y manos; y superficial, pues las dos figuras están situadas en un primer plano paralelo al de representación.
En definitiva, los pintores flamencos consiguieron ofrecer en sus obras una fiel imitación de la realidad tal como aparece ante nuestros ojos, mediante la observación atenta y la traslación al cuadro de todos sus detalles.
En el caso del cuadro de Ghirlandaio, un anciano con un niño en el interior de una estancia.
En el cuadro se describe la estructura y función de los principales tejidos del cuerpo humano.
En el cuadro se muestra cómo han clasificado los científicos a este nuevo primate.
En el cuadro siguiente figuran los iones más comunes en el agua potable y su concentración en masa (expresada en mg/L) máxima admisible.
En el cuadro, a la izquierda, los tres hermanos de la familia romana de los Horacios prestan juramento ante su padre, en el centro y sujetando las espadas, mientras a la derecha las mujeres expresan su desolación ante un desenlace inevitablemente trágico, pues dos de ellas están relacionadas por lazos de sangre y matrimoniales con ambas familias rivales.
En él encontrarás un cuadro explicativo sobre los prin-cipales problemas e interrogantes que se plantea cada una de las disciplinas fi losó fi cas.
En el siguiente cuadro figuran las unidades fundamentales del SI y sus símbolos correspondientes.
En el siguiente cuadro se resumen las características de las más importantes.
En este cuadro el retratado es el enano del príncipe Baltasar Carlos, cuya expresión inspira en el espectador la ternura que sin duda debía de sentir hacia él el propio pintor.
En este cuadro sobresalen las de la Virgen y el Niño, por su posición central y mayor tamaño.
En función del estado de mineralización, se puede clasificar el agua por su dureza, tal como indica el cuadro del lateral.
En medio de la discusión quedaron sumidos en un milagroso sueño que los mantuvo dormidos durante cuarenta y cinco días, hasta que San Hugo acudió a visitarlos (momento del cuadro) y pudo contemplar cómo se despertaban y la carne de los platos se convertía en ceniza, lo que sin duda significaba que Dios aprobaba la abstinencia de los monjes.
En otras palabras, si los impresionistas centraron su atención en los efectos cambiantes de la luz y el color sobre la naturaleza, a Cézanne, en cambio, no le interesaban los colores en sí, sino la forma que estos debían adoptar para plasmar en el cuadro las estructuras de la realidad: el color al servicio de las formas, y no al contrario.
En resumen, se extraen mentalmente de los objetos reales algunos de sus elementos esenciales y se funden en una «síntesis» dentro del cuadro.
En su obra se sintetizan las diversas in fl uen- cias que recibió a lo largo de su trayectoria desde Creta hasta España: la espiritualidad del arte bizantino cretense, las luces irreales y los colores fríos del pintor veneciano Tintoretto, etc. Entre sus obras más destacadas, se podrían mencionar: La adoración del nombre de Jesús (El Escorial), cuadro que ofreció a Felipe II, ya que es una exaltación de su persona y de su triunfo contra los turcos en Lepanto; El martirio de San Mauricio (El Escorial), obra encargada por Felipe II, que nunca colocó en su destino por no ser de su agrado; El entierro del señor de Orgaz (iglesia de Santo Tomé en Toledo), probablemente su mejor obra; y magní fi cos retratos, como el del Caballero de la mano en el pecho (Museo del Prado, Madrid).
Es de destacar el diálogo directo de miradas que se establece entre los personajes del cuadro y los espectadores reales: aquellos nos observan y nosotros, al ocupar el lugar de los reyes, somos los retratados.
Es la obra cumbre de su última etapa y reúne todas las características de su estilo maduro: fuertes contrastes lumínicos tratamiento simbólico de la luz, que inunda todo el cuadro (la fuente es el Niño) distorsión de la figura humana, cuyos miembros alargados parecen inmateriales y flameantes total predominio de la mancha de color sobre el dibujo gama de colores fríos.
Esta tendencia, además de compartir con las demás los rasgos generales señalados para la pintura barroca, presentaba las siguientes peculiaridades: Los modelos de sus personajes, religiosos o mitológicos, eran tipos vulgares de la calle (golfillos, mendigos, hombres y mujeres de origen humilde), que en el cuadro se transformaban en ángeles, héroes, dioses o santos.
Esta forma de pintar viene condicionada por la práctica de la pintura al aire libre y la necesidad de acabar el cuadro antes de que cambien las condiciones de luz.
Este cuadro de Gericault, como algunas de las obras de su contemporáneo Goya, refleja la deshumanización y la irracionalidad de una situación límite.
Esto es apreciable en todo el cuadro, pero de forma especial en algunos motivos como las nubes, el alma del difunto que transporta hacia el cielo el ángel situado en el centro de la composición, la casulla blanca del sacerdote de espaldas o las gorgueras de los personajes de la parte inferior.
Figuras agitadas que huyen del centro del cuadro y se concentran en su parte inferior derecha, en una composición que se aparta del concepto clásico de equilibrio.
Gauguin puso el color al servicio del significado simbólico o la idea del cuadro, sin someterse a la apariencia cromática de la realidad, en lo que se anticipó al Fauvismo del siglo .
Hay un detalle que resulta al menos curioso: entre los borrachos de la derecha, tres están en fila y adoptan posiciones y actitudes habituales en la representación del tema de la adoración de los Reyes Magos, mientras otros dos nos miran de frente con picardía y cierto aire de complicidad cómica, según la práctica barroca de implicar al espectador en el asunto del cuadro.
Hay varias clases de galvanómetros, si bien nos limitaremos a la explicación de un galvanómetro de cuadro móvil como el de la figura.
La adopción de insólitos puntos de vista y encuadres, similares a los que proporciona la visión a través de una cámara fotográfica: motivos descentrados o cortados por los bordes del cuadro; ángulos de visión laterales, picados o contrapicados, etc. En esto probablemente influyeron también los grabados japoneses.
La figura del centro, que parece exhausta o muerta con una enorme lengua fuera, es un autorretrato distorsionado, con los mismos rasgos de «El gran masturbador», cuadro pintado poco después de «El juego lúgubre».
La influencia de De Chirico es evidente en numerosos aspectos: la presencia del maniquí, el ambiente general del cuadro, el dibujo, el colorido, la luz y las sombras alargadas.
La luz es focal, propia del Barroco, y procede de la izquierda del cuadro, sin que la fuente pueda identificarse con claridad.
La sobreiluminación de la Virgen y el Niño atrae sobre ellos la atención, compensando así su desplazamiento respecto al centro del cuadro.
La suave luz que inunda todo el cuadro funde la figura con el paisaje del fondo, al que aplica la perspectiva aérea.
La variedad de actitudes de los retratados y su captación psicológica individual dotan al cuadro de una gran verosimilitud, que explica el éxito de la obra en su época.
Lo curioso es que años después este cuadro se acabó convirtiendo en símbolo de los valores revolucionarios.
Lo que sí pretendió fue establecer una relación con «Las Meninas» de Velázquez mediante algunos inequívocos detalles: se autorretrató a la izquierda y pintando de cara al espectador, colocó a la reina en la misma postura y posición que la infanta Margarita en el cuadro velazqueño, y tal vez simuló que todos miraban hacia un espejo, pero en este caso, al contrario que en «Las Meninas», situado frente a ellos, fuera del cuadro.
Los estudios de los restos fósiles muestran un cuadro con escalones entre las distintas formas, pero sin elementos intermedios, lo que invalida la hipótesis de una progresión suave, requerida por la tesis darwinista.
Material y técnica utilizados Se trata de un pequeño cuadro –no llega a un metro de altura–, pintado al óleo sobre tabla de roble.
Matisse lo expresó con claridad cuando afirmó que él, si pintaba a una mujer, no creaba a una mujer, hacía un cuadro.
Menos frecuente era el procedimiento de pintura directa o « alla prima », en el que desde el principio se busca el resultado final del cuadro.
No obstante, el lado derecho del cuadro concentra los colores más vivos y contrastados (verde y rojo), que resaltan la figura femenina del primer plano y la cama del fondo.
Observa el cuadro de temperaturas.
Observa las fotografías y completa el cuadro siguiente: Grupo Indica qué tejidos poseen y si presentan flores, frutos y semillas Solo tienen tejido epidérmico y no presentan flores.
Ordena las letras del cuadro y obtendrás el nombre del impuesto al que se refiere la siguiente definición. e o Tipo de impuesto en que les empresas deben pagar una parte de los beneficios que han obtenido en el año anterior.
Ordena las letras del cuadro y podrás completar la frase.
Para contestar esta pregunta, copia y completa el cuadro siguiente.
Para él el cuadro era «una superficie plana con pintura, y solo eso»; es decir, un mero objeto físico en el que no hay más que lo que se ve.
Pero el verdadero tema del cuadro trasciende lo anecdótico para denunciar la destrucción fría y metódica del ser humano, en un tratamiento propio del Romanticismo (situación límite y personajes anónimos) que se anticipa en mucho tiempo al expresionismo (deformaciones intencionadas para resaltar el dolor y la desesperación).
Pero en todas estas manifestaciones, aunque el tema quedara reducido a su mínima expresión o careciera por completo de interés en sí mismo para sus autores, no acababa de desaparecer por completo del cuadro, en el que siempre se podían reconocer elementos figurativos.
Pero hay en el cuadro dos detalles que no gustaron al cabildo de la catedral y le acarrearon un largo litigio al pintor: la situación de Cristo a menor altura que la muchedumbre y la presencia impropia de las Tres Marías, en el ángulo inferior izquierdo, que corresponden al pasaje de la Resurrección.
Pero si resultaba fácil escribir de forma automática las ideas que afloraban del subconsciente, trasladarlas a un cuadro entrañaba mayores dificultades.
Pero si se observa el cuadro desde la derecha, como exigiría su emplazamiento original, se reordena toda la composición a lo largo de una diagonal que comienza en Cristo y se dirige hacia el fondo a través de la mesa, eliminando los espacios vacíos.
Podemos inspeccionar, una por una, las interpretaciones del cuadro anterior para comprobar si existe alguna interpretación del tipo que acabamos de mencionar.
Por este motivo encargó el cuadro, para así perpetuar la memoria de su generoso benefactor.
Por ejemplo, en el cuadro de Ghirlandaio, el color rojo de la ropa del anciano, en esa época era indicio de riqueza, ya que las telas rojas eran de las más caras.
Por el tipo de soporte, la pintura se divide en mural y portátil, esta última también conocida como pintura de caballete, por la tradicional armadura de madera donde se solía colocar el cuadro mientras se pintaba.
Por eso, a veces se puede dar un juicio erróneo (por ejemplo, si la actuación no respeta alguna de las tres reglas que se señalan en el cuadro del margen).
Por esta razón, parece que Giorgione hubiera querido servirse de las figuras que aparecen en el cuadro, de pequeño tamaño y alejadas del centro de la composición, como un simple pretexto para la representación del paisaje.
Por tanto, la explicación del cuadro se encuentra fuera del mismo.
Reivindicaban la autonomía del cuadro respecto a la realidad.
Representación de la luz En el cuadro solo se representa como fuente de iluminación la ventana de la izquierda, que proporciona una luz más bien difusa, sin grandes contrastes con las zonas de sombras, salvo en el rostro y la mano derecha del personaje masculino.
Representación de la luz La iluminación es irreal, ya que no corresponde a ninguna de las fuentes representadas en el cuadro, como las antorchas de la comitiva inferior, ni se insinúa una procedencia externa.
Representación del espacio tridimensional Una de las muchas cualidades destacables de este cuadro es la representación del espacio, cuya simulada profundidad resulta por completo convincente.
Resulta evidente el simbolismo del campesino como imagen de la muerte, por lo que se ha relacionado este cuadro con el anterior de «La noche estrellada», del que sería un contrapunto: a la agitación y formas sinuosas del cielo de uno le correspondería la del trigal en este; a la noche, el pleno día; y en ambos, una imagen brillante y consoladora para alejar el temor a la muerte.
Se ha especulado sobre el aparente embarazo de la mujer, pero el matrimonio Arnolfini no tuvo descendencia, por lo que se ha sugerido que el cuadro tal vez representa una especie de conjuro o exorcismo contra su infertilidad.
Se hace la paz, la razón la aconseja, los hombres de sereno juicio no la discuten; pero ella significa nuestro vencimiento, la expulsión de nuestra bandera de las tierras que descubrimos y conquistamos; todos ven que alguna diligencia más en los caudillos, mayor previsión en los Gobiernos hubieran bastado para arrancar algún momento de gloria para nosotros, una fecha o una victoria en la que descansar de tan universal decadencia y posar los ojos y los de nuestros hijos con fe en nuestra raza; todos esperaban o temían algún estremecimiento de la conciencia popular; solo se advierte una nube general de silenciosa tristeza que presta como un fondo gris al cuadro, pero sin alterar vidas, ni costumbres, ni diversiones, ni sumisión al que, sin saber por qué ni para qué, le toque ocupar el Gobierno.
Se intenta plasmar en el cuadro lo fugitivo, lo momentáneo, a lo cual no es ajena, una vez más, la influencia de la fotografía, con su capacidad de retener una imagen fugaz y paralizarla en el tiempo.
Se multiplicaban los puntos de vista y se combinaban en el cuadro los diversos aspectos que ofrecía el motivo cuando se observaba desde ángulos diferentes.
Si considerásemos todo el conjunto, desde las primeras partículas elementales —antes de la formación de la materia— hasta el ser humano, se observaría un cuadro único e inequívoco de complejidad creciente, en el que existen enormes saltos, imposibles de explicar con los conocimientos que ahora poseemos.
Sin embargo, este cuadro nada tiene que ver con los principios del Neoclasicismo europeo, ya que la luz y el color se imponen sobre los elementos lineales del dibujo, y la pincelada obedece a toques de gran libertad, con una gama cromática muy variada.
Sin embargo, la interpretación del cuadro, más allá de la narración del mito, resulta muy controvertida.
Sin embargo, parece desprenderse de la atmósfera del cuadro cierta melancolía, lo que ha hecho pensar que tal vez el pintor no representó la llegada jubilosa a la isla, sino la inevitable partida que impone el paso del tiempo.
Su título procede de una grosera coplilla popular, cantada por los estudiantes alemanes, cuya letra nada tiene que ver con el cuadro.
Sus características se recogen en el siguiente cuadro.
Sus efectos van desde una simple sacudida hasta la electrocución, que consiste en una parálisis de los músculos respiratorios y en un cuadro de parada cardiaca.
Sus espacios suelen estar ocupados por arquitecturas, y a menudo se reconoce en ellos algunas plazas italianas, como en este cuadro con referencias a la ciudad de Ferrara, donde fue pintado.
Tema y significado El cuadro representa a Baco, dios del vino en la mitología romana, sentado sobre un tonel y coronando a quien por su indumentaria parece un soldado, en presencia de cinco tipos populares a su izquierda, y de otros dos de difícil caracterización a su derecha.
Tema y significado El tema de este cuadro es un retrato de carácter privado en el que una pareja de ricos burgueses contrae matrimonio en su propio hogar.
Temáticamente está relacionado con otro cuadro sobre el hallazgo del cuerpo del santo.
Toda la obra de Matisse transmite, como indica el título de este cuadro, una inconfundible alegría vital.
Todos los personajes se relacionan entre sí por grupos, en una composición flexible que resalta la figura de Cristo por diferentes medios: aparece enmarcada por el vano sobreiluminado a sus espaldas, los gestos de las manos de los apóstoles nos conducen a él, y su cabeza ocupa el centro geométrico del cuadro y en ella confluyen todas las líneas de fuga de la perspectiva aplicada.
Tratamiento de los motivos, en especial de la figura humana Tanto las figuras como los demás elementos del cuadro están tratados con gran realismo y detalle, en especial los rostros y los objetos de uso doméstico.
Un aspecto que destaca especialmente en este cuadro, también en correspondencia con la artificiosidad manierista, es la contorsión y el violento escorzo del ángel que en el centro del cuadro transporta el alma del difunto.
Un conjunto de espiras rectangulares, el cuadro móvil propiamente dicho, montado sobre un cilindro de hierro dulce y que puede girar sobre un eje vertical, se sitúa en el campo magnético creado por dos piezas que son los polos norte y sur de un imán.
Un muelle ofrece resistencia a este movimiento de rotación del cuadro y, cuando deja de circular corriente en él, lo retorna a la posición inicial.
Un rasgo característico de su obra es la adopción de puntos de vista muy bajos que le obligaban a realizar violentos escorzos, como el de este cuadro.
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