A partir de entonces y como resultado de diversas infl uencias –los pintores venecianos de las colecciones reales, la visita de Rubens, sus dos viajes a Italia–, su estilo experimentó una evolución clara hacia composiciones más naturales, luces más matizadas, colores más fríos y una pincelada más suelta.
A partir de este planteamiento, desarrollado por teóricos como Winckelmann, se puede definir la escultura neoclásica por tres rasgos esenciales: Idealización de la realidad, en composiciones serenas y equilibradas.
Aunque se advierte una progresiva evolución hacia un mayor naturalismo y un carácter más narrativo de las composiciones, técnicamente no supuso una gran ruptura con la pintura románica tardía.
Composiciones dinámicas.
Composiciones muy variadas y abiertas.
Composiciones narrativas, con representación de escenas que describen una actividad.
El jardín barroco francés se inspira en el manierista italiano y se caracteriza por su estricta ordenación geométrica, tanto del espacio, normalmente organizado por ejes de simetría, como de la propia vegetación, que se recorta para darle diversas formas regulares (conos, esferas, cubos, etc.) o se dispone en composiciones variadas.
El tratamiento de los motivos era clasicista, en composiciones muy dinámicas y espectaculares que trataban de aturdir al espectador, admirado ante la grandeza del comitente de la obra (la Iglesia o la monarquía).
En cuanto a las composiciones en su conjunto, responden igualmente a ciertas convenciones antinaturales: La ley del respeto, por la que faraones y dioses se representan de mayor tamaño.
En escultura, como en pintura, tampoco hubo un estilo definido y las realizaciones fueron muy variopintas, desde composiciones construidas por adición de elementos de diversa procedencia, hasta los famosos «ready-made» (prefabricados) de Marcel Duchamp.
La pintura de Rubens partió tanto de los grandes maestros italianos, como de la tradición realista flamenca, pero alcanzó un estilo totalmente personal, que se puede resumir en algunas características: Composiciones abiertas, con predominio de los esquemas en diagonal.
La riqueza y el lujo inundan de detalles las composiciones, en una visión sensual y placentera de la vida.
Los personajes se distribuyen por el escenario en grupos independientes, perdiéndose por completo el carácter unitario de las composiciones clásicas.
Miguel Ángel representó figuras monumentales y vigorosas, a menudo desnudas, en composiciones de gran movimiento.
Pero la crítica racional de la pasión descontrolada, la defensa de ciertos valores pretendidamente universales, la reducción de las composiciones a sus elementos imprescindibles, la deformación de los rasgos al servicio de la fuerza expresiva, su desbordada fantasía y el carácter simbólico u onírico son características que hacen de esta serie de grabados de Goya una obra demasiado compleja e innovadora como para encasillarla dentro de los límites del Clasicismo o el Romanticismo de su tiempo.
Pero desde el siglo este panorama empezó a cambiar a partir de dos escuelas principales, la sienesa y la florentina, que alcanzaron en la centuria siguiente ( Trecento o siglo ) su pleno desarrollo: La escuela florentina tuvo su mejor representante en Giotto, uno de los grandes pintores de la historia universal, que superó el carácter lineal y plano de la pintura precedente para dotar a sus composiciones de volumen y profundidad mediante una aplicación natural de la luz y el color (modelado).
Realizaba sus composiciones a partir de la combinación de cuadrados, círculos, rombos y elipses.
Se prefieren las composiciones en diagonal o en aspa, que tienden a desbordar el marco y prolongarse fuera del mismo, rompiendo así con la tradicional separación entre el espacio ficticio de la pintura y el espacio real.
Su estilo combina el detallismo flamenco con la elegancia italiana, en composiciones sosegadas cuyas figuras denotan cierto ensimismamiento espiritual.
Sus composiciones sueltas y equilibradas superan la rigurosa simetría de Jan van Eyck, del que también se diferencia en que sus obras son más fáciles de comprender, pues carecen del simbolismo intelectual de aquel.
Sus composiciones, por tanto, tienden a la simplicidad.
Sus figuras son corpulentas, en composiciones abigarradas que, no obstante, insinúan una relativa profundidad espacial.
Técnicamente sus composiciones son simples, con una reducida gama de colores aplicados tanto al fondo como a las figuras, hasta el punto de que estas, según Van Gogh, «parecen pintadas con la tierra que labran y trabajan».
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