Al final de la Edad Media y durante el Renacimiento, algunos artistas emplearon la técnica del temple también como base de la pintura al óleo.
Al final de su vida escribió unos Comentarios en tres libros, con interesantes referencias sobre algunos artistas italianos y una autobiografía.
Al tiempo que el Salón oficial caía en un desprestigio creciente, las galerías privadas y los marchantes adquirían cada vez mayor importancia en el mercado del arte, como mediadores entre artistas y clientes.
Aunque se trata de una obra de colaboración de diversos artistas, no se aprecian grandes diferencias de estilo entre ellos.
Cada una de estas categorías ha pretendido agrupar a artistas muy diferentes, que desisten del afán de la novedad para inspirarse en fórmulas y lenguajes ya experimentados.
De ahí que las fronteras entre Neoclasicismo y Romanticismo no siempre estén claras, ni siquiera en algunos de los artistas más representativos, que han sido adscritos por diferentes historiadores a un movimiento u otro.
De ahí que muchos artistas clásicos, en cuanto a su estilo, puedan considerarse románticos por los temas que abordan y la pasión que en ellos depositan.
De igual anchura que la nave central, consta de tres vanos con arcos todavía escasamente apuntados, y las esculturas que cubren sus jambas, dinteles, tímpanos y arquivoltas son de diferentes artistas.
Desde entonces ambos materiales, piedra y bronce, se utilizaron indistintamente, dependiendo el uso de uno u otro de tradiciones locales o de las preferencias de los propios artistas.
Destacó en especial la escuela de Valladolid (segundo tercio del siglo xvi ) con dos grandes artistas, Alonso Berruguete y Juan de Juni, autores de fi guras y grupos de acentuado realismo y expresividad.
Durante el siglo, mientras el Gótico pervivía en el resto de Europa, los artistas italianos emprendieron en solitario su nueva andadura renacentista.
Durante mucho tiempo se aplicó el término manierista, con sentido peyorativo, a los artistas del siglo, a los que se consideraba meros imitadores del estilo ( ) de las grandes figuras del clasicismo, pero en la actualidad esta opinión no se sostiene.
El anonimato de los artistas romanos se debe a que muchos de ellos eran extranjeros, sobre todo griegos, y a menudo esclavos.
El Barroco clasicista, auspiciado por la nueva dinastía borbónica con artistas italianos y franceses principalmente, que tuvo su más genuina expresión en los palacios reales, aunque también se realizaron algunas obras importantes de carácter religioso.
El Cubismo fue creado por dos artistas que actuaron al principio con una gran compenetración: Pablo Picasso y Georges Braque.
El gusto de este público determinaría cada vez en mayor medida la producción de los artistas, cuyo éxito dependía de su aprobación, como en otros tiempos había dependido de la satisfacción de los clientes que encargaban la obra.
El Hiperrealismo también ha tenido seguidores en España, donde surgió un interesante grupo de artistas de esta corriente.
El mudéjar cortesano, generalmente encargado por la monarquía y realizado por artistas importados, de influencias ajenas a la tradición del lugar donde se edifica.
El Pop-Art no se fundamentaba en una determinada teoría o concepción del arte, sino que fue más bien un conjunto heterogéneo de manifestaciones llevadas a cabo por artistas que, inmersos en la realidad de su tiempo, se sirvieron de un amplio repertorio de motivos de la cultura popular: objetos de la vida cotidiana y productos de consumo, imágenes tomadas de la publicidad, el cine, la televisión, los carteles o los cómics, etc. Todos ellos se representan sin emotividad ni intención de enjuiciarlos, empleando a veces técnicas de impresión mecánicas.
El tránsito de la prohibición a la legalización del cristianismo coincide con el de la pintura al mosaico; en otras palabras: La pintura mural al fresco se desarrolló desde finales del siglo II hasta comienzos del siglo IV, esencialmente en las catacumbas, y su estilo presenta en la mayoría de los casos la tosquedad propia de artistas poco cualificados.
En cambio, los oficios manuales o remunerados no gozaban, en general, de buena reputación, aunque los artistas eran admirados por sus obras.
En consecuencia el afán de novedad y originalidad deja de ser una obsesión para los artistas.
En cualquier caso, el Realismo, encabezado por un grupo reducido de pintores, no introdujo innovaciones formales, sino una provocadora revolución temática en un panorama general de artistas que, en el más puro academicismo, producían su obra para una burguesía ya claramente conservadora.
En cuanto a los artistas, gozaron de una consideración creciente, pero no por ello su actividad dejó de asimilarse al trabajo manual, lo que representaba un serio obstáculo para su promoción social.
En cuanto a los artistas, salvo raras excepciones, no gozaron en Grecia de una consideración social mucho mejor que en el resto de las civilizaciones antiguas: se valoraban sus creaciones, pero su prestigio no superaba al de cualquier artesano que desarrollara bien su oficio.
En efecto, la radicalización política de la sociedad alcanzaba también a los intelectuales y artistas, en una época en que el compromiso político parecía ineludible en toda Europa: Antonio Machado, Ramón María del Valle-Inclán o Rafael Alberti, entre otros muchos, se orientaron hacia la izquierda; Ramiro de Maeztu o Eugeni d’Ors, hacia la derecha monárquica e, incluso, el fascismo.
En ese sentido, el arquitecto, escultor o pintor español estaba aún muy lejos de ser admirado como un artista en el sentido moderno del término; es decir, como un creador culto e intelectual, fama que ya habían conquistado, en cambio, algunos de los más grandes artistas italianos.
En España, que atravesaba la dura etapa del primer franquismo, el Informalismo tuvo un gran seguimiento, pues muchos artistas encontraron en este lenguaje una fórmula apropiada para expresar su angustia y su frustración, sin tener que recurrir a mensajes demasiado explícitos que la dictadura del general Franco no les habría consentido.
En este sentido destacaron en especial los Médicis, que gobernaron en Florencia durante el siglo, y sobre todo Lorenzo el Magnífico, cuyo círculo gozaba de merecida fama por el elenco de extraordinarios intelectuales y artistas que patrocinaba.
En este sentido rebasó los límites del clasicismo tradicional y se anticipó a los artistas del siglo que, como Picasso, se interesaron por el análisis intelectual de las formas y su estructura.
En este sentido uno de los artistas más interesantes es Joseph Kosuth.
En este sentido, la corriente dominante entre los artistas innovadores siguió un desarrollo lineal que, partiendo del Realismo, culminó en el Impresionismo y el Neoimpresionismo.
En este sentido, los artistas plásticos reivindicaron su libertad creativa por encima de todo, muchos de ellos con una actitud provocadora contra la sociedad en su conjunto, a la que despreciaban por su convencionalismo y su carácter conservador.
En este sombrío panorama algunos grupos de artistas de diferentes partes del país pretendían crear un espacio para la expresión libre de su rebeldía y sus anhelos de libertad, aprovechando la tímida apertura que se vislumbraba.
En la industria, por otra parte, es crucial saber coordinar a los múltiples especialistas que intervienen para lograr un producto, que pueden ser, desde ingenieros y cientí cos, hasta artistas, creativos y diseñadores, sin olvidar a los expertos en marketing ni a los economistas.
En todo caso, es evidente que los intelectuales y artistas más de izquierdas no tuvieron ni la posibilidad de visitar España ni de ver circular legalmente sus libros en ella, al menos hasta los últimos años del franquismo.
Entre los muy valiosos artistas españoles contemporáneos, te indicamos a continuación algunos de los más reconocidos: los pintores Eduardo Arroyo, Juan Genovés y Miquel Barceló ; los escultores Eduardo Chillida, Jorge de Oteiza y Susana Solano ; y los arquitectos Francisco Javier Sáenz de Oiza, Rafael Moneo y Santiago Calatrava .
Entre unos y otros los artistas han hecho muchas cosas.
Formaban parte de ellas los artistas que gozaban de mayor reconocimiento oficial, pero también se impartía una formación científica y humanística que pretendía dotar a los nuevos artistas de los instrumentos teóricos y prácticos necesarios para el adecuado desarrollo de su labor.
Gran parte de las mejoras alcanzadas por los artistas se debieron a su agrupación en gremios, fenómeno característico de la nueva burguesía urbana de la Baja Edad Media.
Incluso se podría afirmar que la gran mayoría de los artistas se movió entre diferentes estilos, a menudo difíciles de delimitar en la práctica a pesar de sus planteamientos aparentemente opuestos.
Incluye artistas, movimientos y términos de arte, pero no de arquitectura.
La fe ha sido fuente inagotable de temas para los artistas en pintura —el claustro de San Isidoro de León, la Capilla Sixtina—, en música —el canto gregoriano, las cantatas de Bach—, en literatura —poemas y autos sacramentales—, en escultura —las obras de Bernini o de Pedro de Mena—, en arquitectura —las catedrales—, en arte litúrgico —orfebrería y platería— etcétera.
La gran aceptación del Informalismo entre los artistas españoles de esos años se explica, precisamente, por la posibilidad que les ofrecía de dar rienda suelta a sus más intensos sentimientos (frustración, rabia, angustia, rebeldía), pero en un lenguaje abstracto que, al carecer de mensaje explícito, podía eludir con más facilidad la censura y la represión de un régimen dictatorial.
La Academia Neoplatónica, fundada en Florencia, reunía a un conjunto de intelectuales y artistas, en torno a su principal ideólogo, Marsilio Ficino, y pretendía conciliar el cristianismo con la filosofía antigua, mediante una recuperación del pensamiento de Platón (siglo a.C.) y la escuela neoplatónica de Alejandría (siglos ).
La atmósfera melancólica y angustiosa es un claro exponente de la visión pesimista que provocó en algunos artistas el gran conflicto bélico.
La incorporación de los artistas al sistema gremial supuso su asentamiento en un lugar, con lo que se redujo considerablemente el carácter itinerante que tuvo el artista del Románico.
La pintura hispano-flamenca A mediados del siglo se introdujo en España la influencia flamenca con sus innovaciones en el plano formal –detallismo, interés por el paisaje, etc.– y técnico –pintura al óleo–. Llegó a través de las numerosas obras que se importaron de aquellos territorios, pero también con la presencia de artistas flamencos en España; y en algunos casos, mediante la formación directa de pintores españoles en los grandes centros flamencos de producción artística.
Las academias contribuyeron de este modo a la pérdida de importancia y final desaparición de los gremios artísticos, al tiempo que dictaminaban sobre el buen gusto oficial y lo que era verdadero arte, según criterios clasicistas y casi siempre muy conservadores, lo que explica su descrédito a partir del siglo entre los artistas más innovadores.
Los artistas buscaban superar el hastío de la sociedad industrial de masas con distintas experiencias de tipo irracional o instintivo.
Los artistas del Expresionismo Abstracto se sirvieron de la pintura para liberar sus emociones y estados de ánimo, normalmente convulsos y extremos (rabia, angustia, crispación), y a menudo en grandes formatos.
Los artistas del Renacimiento reivindicaron la naturaleza intelectual de su arte y esto explica en parte la abundancia de tratados sobre teoría artística que se escribieron, demostrando así la necesidad de conocimientos matemáticos y científicos de todo tipo para la realización de la obra de arte.
Los artistas indagaron y el arte evolucionó con el tiempo, libre de convencionalismos y rigideces.
Los artistas mantuvieron una constante preocupación por representar el cuerpo humano mediante un correcto sistema de proporciones.
Los Carracci fundaron en dicha ciudad la Academia de los Encaminados, que recibió diferentes nombres con el paso del tiempo, en la que se pretendía proporcionar a los artistas, además de conocimientos técnicos, una sólida formación literaria y humanística.
Los clientes eran los grupos privilegiados de la sociedad, con el faraón a la cabeza; y los artistas, anónimos en su inmensa mayoría, ejecutaban su oficio siguiendo la tradición, como meros artesanos, lo que no impedía que su trabajo gozara de gran consideración y respeto.
Los grandes artistas del llamado clasicismo tardío – Praxíteles, Escopas, Lisipo – realizaron un arte más libre y subjetivo, y frente a la idealización característica del periodo anterior, mostraron un mayor interés por la expresión de emociones individuales.
Los que tenían tiempo libre podían escoger entre frecuentar los gimnasios y las palestras; pasear por las tiendas y por el ágora, la plaza pública en la que actuaban magos, malabaristas y todo tipo de artistas de calle; ir al barbero a arreglarse el cabello, la barba y las uñas de manos y pies, mientras charlaban y se informaban de noticias y rumores, o practicar juegos de azar, como el de los dados, a los que los griegos eran muy aficionados.
Muchos de ellos eran de origen italiano, descendientes de los artistas que habían acudido a España atraídos por los encargos de El Escorial.
Nos referimos a la formación de grupos de artistas que participaban de una misma concepción del arte y se unían para apoyarse mutuamente, haciendo frente común contra el rechazo social en caso necesario.
Numerosos artistas europeos, entre ellos la mayoría de los surrealistas, huyendo de la Segunda Guerra Mundial se habían refugiado en Estados Unidos, donde ejercieron una gran influencia sobre los artistas locales.
Para ello los artistas se sirvieron de recursos que también son peculiares de la escultura española, como la técnica tradicional de la madera policromada o el empleo de ojos y lágrimas de cristal, dientes de mar fi l e, incluso, pelucas y trajes sobrepuestos.
Pero Tiziano, de quien se conserva un abundante repertorio de obras por su longevidad y permanente dedicación a la pintura, fue uno de los artistas más famosos y cotizados de su época.
Pero a partir de entonces, se empezó a reconocer que no tenía sentido insistir en la búsqueda permanente de lo original (o moderno) y los nuevos artistas renunciaron al dogmatismo propio de las vanguardias, para realizar un arte libre de prejuicios y sin reparos en recuperar fórmulas de estilos anteriores: es el espíritu de la «posmodernidad», abierto a todo, no discriminatorio y con propensión al eclecticismo.
Pero la escultura propiamente gótica se inició en España en el siglo en la catedral de Burgos, no por evolución a partir de obras anteriores españolas, sino por influencia directa de artistas franceses.
Pero los artistas griegos experimentaron diferentes soluciones, hasta alcanzar la definitiva en el periodo clásico.
Pero si en Italia el Renacimiento había surgido a partir de la reflexión sobre las obras y concepciones artísticas de la Antigüedad, en España se pasó por alto esta reflexión y los artistas se inspiraron directamente en las creaciones de sus contemporáneos italianos.
Pero también, en sentido contrario, muchos artistas pueden divulgar sin limitaciones su obra por Internet y llegar a todo tipo de público.
Por ejemplo, los griegos y romanos antiguos pretendían un arte centrado en las categorías o valores estéticos de la belleza o la armonía, mientras que, siglos más tarde, los artistas románticos defendían que el arte debía ser, esencialmente, fuente de originalidad, expresividad y emoción.
Por esta razón, los artistas consagrados gozan de un prestigio social y una posición económica que nunca antes habían tenido.
Por otra parte, desde la posguerra el arte se ha universalizado, tanto por el desarrollo de los nuevos medios de comunicación, como por la actividad de influyentes galerías de arte y, sobre todo, la celebración periódica de exposiciones internacionales de gran prestigio, que han consagrado a movimientos y a artistas.
Por otra parte, hay que tener en cuenta que muchos grandes artistas, a lo largo de su trayectoria, participaron en diversas corrientes, por lo que aquí sólo estudiaremos algunas de sus obras en aquella en la que más destacaron.
Por otra parte, la veneración por el mundo antiguo extendió de nuevo la práctica del mecenazgo: a imitación de Mecenas, amigo del emperador Augusto, muchos príncipes, clérigos, nobles y burgueses de esta época dedicaron, por un afán de prestigio personal, un gran esfuerzo al fomento del arte y la cultura, manteniendo en sus círculos a los más afamados artistas e intelectuales y financiando sus obras.
Por otra parte, las Academias, las exposiciones públicas y la crítica de arte comenzaron a cambiar las tradicionales relaciones entre clientes y artistas.
Por otra parte, los artistas seguían sometidos al rígido sistema gremial.
Por puro placer creativo, es decir, por el disfrute del proceso de diseño y construcción, como es habitual entre ingenieros, tecnólogos, emprendedores, diseñadores, artesanos, artistas, etc. El diseño emerge entonces como una etapa más del proyecto tecnológico en la que se plantean las posibilidades y estrategias resolutivas, se valora su viabilidad y se plani can las operaciones necesarias para su ejecución.
Por tanto, a diferencia de lo que ocurría en la etapa anterior, en ésta los artistas eran profesionales cualificados.
Por tanto, es la manifestación artística que mejor re fl eja el espíritu práctico de los romanos, considerados tradicionalmente mejores ingenieros que artistas.
Por último, un rasgo característico de la época era el girovaguismo o continuo desplazamiento de algunos artistas, que cuando finalizaban una obra se dirigían en busca de otra y de este modo contribuían a la difusión de técnicas y estilos.
Sin embargo, hasta llegar a la plenitud clásica del siglo V a.C., los artistas griegos tuvieron que emprender un largo camino de indagaciones y tanteos a partir de las herencias recibidas, algunas de las cuales se remontaban en el tiempo a épocas remotas y casi de leyenda, como la civilización cretense del mítico rey Minos, o la micénica de los héroes de La Ilíada y La Odisea.
Sin embargo, los artistas, aún sin superar la condición de artesanos, gozaron de una mejor posición económica y vieron aumentar su prestigio social, en especial los maestros de obras.
Su calidad y duración –la solidez de que hablaba Vitruvio–, que ha dado pie al tópico de que los romanos eran mejores ingenieros que artistas.
Sus relieves, realizados por diversos artistas, narran escenas de la guerra.
Tan sólo hay artistas.
Unos y otros fueron realizados por dos artistas al menos, con un siglo de diferencia entre ellos: un primer maestro trabajó en la segunda mitad del siglo ; y otro posterior, a finales de la centuria siguiente.
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