404 oraciones y frases con arte

¿Por qué el arte es un elemento importante en el desarrollo de la identidad personal y colectiva?

A estos factores específicamente italianos, se añadió a mediados del siglo la invención de la imprenta de caracteres móviles, que, desde un punto de vista técnico, posibilitó la fácil y rápida difusión de los escritos antiguos y de las nuevas teorías, contribuyendo así a potenciar el clima de debate intelectual sobre la cultura y el arte.

A lo largo de la historia del arte, veremos que hay periodos artísticos en que esto no preocupaba en absoluto y el espacio se ignoraba, o se cubría por completo de elementos: es lo que se denomina horror vacui (horror al vacío).

A medida que las distintas ramas del saber se han ido desgajando del saber filosófico, han aparecido —especialmente en el siglo XX — nuevas disciplinas filosóficas que se ocupan de los principios generales o fundamentos de estos distintos saberes: la filosofía de la ciencia, la filosofía del arte, la filosofía de la historia, etcétera.

A partir de entonces, sin romper por completo con la tradición anterior, se configuraron sus rasgos distintivos, que habrían de influir sobre el arte medieval occidental y, más aún, sobre la Europa eslava, donde el arte bizantino ha pervivido hasta nuestros días.

A su alrededor se disponen sus protectores, amigos, personajes de ideas progresistas (como Baudelaire, en el extremo derecho, leyendo un libro), gentes humildes, etc. El cuadro tiene, por tanto, un marcado carácter simbólico, que se contradice en parte con sus propias afirmaciones sobre lo que debía ser la pintura: «representación de los objetos que el artista puede ver y tocar… Un arte concreto, que únicamente puede estar compuesto por la representación de las cosas reales y existentes».

A su juicio, el arte, sometido a los imperativos del mercado y del consumo, perdía su sentido, se convertía en un mero medio y quedaba rebajado a un simple bien de entretenimiento, con lo que dejaba de tener capacidad para liberar al ser humano.

A todo ello se añadió la difusión de grabados de obras italianas, ya que esta técnica se generalizó a partir del siglo y contribuyó en gran medida a la popularización del arte.

A todo ello, en el arte hispanomusulmán habría que añadir la influencia romana y visigótica, a partir de los vestigios existentes en la península Ibérica.

A veces se habla de retórica o de dialéctica para hacer referencia al arte de la argumentación, no solo desde un punto de vista lógico, sino también desde la perspectiva de la persuasión.

Además de nuestra sensibilidad estética, el arte es posible gracias a la creatividad humana.

Además el arte adquirió una dimensión verdaderamente universal, sirviéndose para ello de los medios de comunicación de masas y, sobre todo, de las exposiciones y ferias internacionales que se celebran periódicamente en diversas partes del mundo.

Al igual que Duchamp, rechazaba la originalidad de la obra de arte y muchas de sus creaciones fueron realizadas por sus colaboradores mediante procedimientos mecánicos, como la proyección fotográfica o la serigrafía.

Al margen de otras lecturas que se pudieran hacer de esta obra, lo interesante de este y otros «readymade» es su planteamiento nuevo y radical sobre el concepto del arte: para crear una obra de arte ya no era necesario ni siquiera producirla, bastaba con la voluntad del artista para convertir en arte incluso un urinario prefabricado; al mismo tiempo, el arte se ponía al alcance de todos y desaparecía la actitud pasiva del espectador hacia la obra acabada, pues cualquiera podía transformar o completar una obra ya existente por medio de una nueva mirada o una diferente utilización.

Al tiempo que el Salón oficial caía en un desprestigio creciente, las galerías privadas y los marchantes adquirían cada vez mayor importancia en el mercado del arte, como mediadores entre artistas y clientes.

Algunas, incluso, revolucionaron el arte hasta sus cimientos, dinamitando por completo los principios básicos que se habían mantenido vigentes desde el Renacimiento.

Algunos autores distinguen de las anteriores dimensiones prácticas de la razón, otra a la que denominan razón técnica (del griego techné, ‘arte’), que rige los procesos a través de los cuales el hombre produce cosas u obtiene utilidades.

Algunos de los temas y tipos más significativos habrían de pervivir durante toda la Edad Media en el arte bizantino y se extenderían, incluso, al occidental.

Aparición del primer tipo de columna original del arte hispanomusulmán: de fuste liso, con varios collarinos y capitel compuesto por un cuerpo inferior, cilíndrico o poligonal, y otro superior, paralelepípedo de base cuadrada.

Arquitectura y obras públicas El arte romano fue al mismo tiempo heredero y transmisor de la tradición artística griega, aunque introdujo importantes novedades respecto a Grecia, en especial en la arquitectura: empleo del hormigón y del ladrillo, utilización del arco y la bóveda, etc. La arquitectura romana perseguía tres objetivos esenciales: la utilidad del edi fi cio, su perfección técnica y la propaganda del patrocinador de la obra.

Arte y estética se han utilizado para formar a miembros de una cultura en sus más decisivos valores.

Arte y oración «Hay expresiones artísticas que son auténticos caminos hacia Dios, la Belleza suprema; más aún, son una ayuda para crecer en la relación con él, en la oración.

Arte, cultura y sociedad El arte es decisivo como factor de comunicación y expresión de las per-sonas.

Arte, persona y naturaleza La dimensión estética del ser humano A la diversidad cultural le corresponden distintas concepciones de lo artístico, incluso teorías artísticas diferentes (visiones diversas acerca de lo que es o debe ser el arte).

Así, dentro de la tendencia expresionista, se pueden citar el Neoexpresionismo alemán (o Nuevos Salvajes), la Transvanguardia italiana, la Figuración Libre francesa o la Nueva Imagen norteamericana; y dentro de la tendencia del «arte frío», la Neoabstracción Geométrica o el Neo-Pop.

Así, el arte del Extremo Oriente presenta unas características comunes que lo diferen-cian del arte europeo; asimismo, el arte románico se puede distinguir del gótico.

Así, la retórica sería el arte de manipular a los otros y de dominarlos a través de la palabra.

Así, por ejemplo, comemos usando cubiertos y platos porque es bueno transformar la necesidad de la alimentación en la acción de compartir racionalmente (en forma de conversación, de arte de la buena mesa, de servicio de unos a otros, etcétera).

Así, por ejemplo, impulsó el estudio del arte y la estética.

Así, Salón y crítica posibilitaron que el arte adquiriese autonomía y se saliera de los restringidos círculos cortesanos en que se había movido hasta entonces.

Así, se habla de estilos artísticos, de escue-las, e incluso de épocas enteras del arte, salvando la singularidad de cada artista.

Asimismo, se utilizan como plataformas de soporte estructural para gradas, atrezo de espectáculos o rehabilitaciones de obras de arte.

Aunque a lo largo de los tres mil años de historia del antiguo Egipto el arte experimentó algunos cambios importantes, el peso de la tradición y el rechazo a cualquier influencia extranjera explican la relativa uniformidad de estilo de la escultura egipcia, cuyas características esenciales son: Estatua-bloque, resultado de una técnica de trabajo que talla un bloque de piedra prismático a partir del dibujo de la figura en cada uno de sus lados.

Aunque cristiano, en mayor o menor medida, fue en lo sucesivo todo el arte occidental, en esta unidad nos limitaremos a dos estilos muy relacionados entre sí: el arte paleocristiano, el de los primeros seguidores de la nueva fe, hasta la caída de Roma; y el arte bizantino, que evolucionó y se desarrolló a partir de aquel en el sector oriental del Imperio, hasta el final de la Edad Media.

Aunque el término se ha instaurado definitivamente en la historiografía del arte, incluyendo con frecuencia en él a los neoimpresionistas y a otros grandes pintores, como ToulouseLautrec, no deja de ser una categoría imprecisa que no permite una caracterización general.

Aunque en algunos momentos predominó una u otra, ambas convivieron a lo largo del tiempo: La corriente patricia o helenizante, que expresaba la admiración de los sectores sociales más ricos y cultos por el arte griego y su capacidad de imitación de la naturaleza.

Aunque en cada etapa se pueden distinguir ciertos rasgos propios –la influencia del clasicismo griego en tiempos de Augusto, por ejemplo, o la influencia cristiana y oriental en el retrato del Bajo Imperio–, existe suficiente homogeneidad en la evolución general del arte romano como para analizarlo en su conjunto, atendiendo exclusivamente a los diversos tipos de obras.

Aunque los estilos individuales eran muy distintos, se pueden señalar algunas características generales: Predominó la corriente naturalista de forma casi absoluta, pues conectaba a la perfección con la tradición realista del arte español y con las aspiraciones de quienes encargaban las obras.

Beuys entendía su propia historia como una sucesión de hechos artísticos en una total identificación de vida y arte.

Busca las principales carac terísticas del arte pictórico del Renacimiento.

Comentar una obra de arte no consiste únicamente en decir si nos ha gustado o no: es descubrir el mundo de signi fi cados y relaciones que encierra.

Comienza el arte barroco.

Comienza el arte gótico.

Comienza el arte románico.

Como arte propagandístico, empleaba a menudo recursos de gran teatralidad, encaminados a provocar la admiración del espectador y a cautivarlo emocionalmente.

Como en el arte paleocristiano, el aspecto exterior del edificio no preocupaba y solía ser de ladrillo, macizo y sin adornos.

Como no es posible asimilar el fondo cambiable de lo vital con la mentalidad calculadora de la ciencia, son las formas de expresión artísticas, como la música y el arte, las que transmiten la verdad de la vida con más exactitud.

Como todo el arte antiguo, tenía una finalidad práctica, pero también perseguía la belleza, entendida como orden, armonía y proporción.

Con el arte, nos hallamos ante un obrar excelente.

Con la desaparición de la cultura occidental decadente y la muerte de Dios, pregonada por Zaratustra, podría surgir el hombre superior, puede crear nuevas obras de arte.

Constituyen con las pinturas negras de esos mismos años la culminación del desengaño y el pesimismo de Goya, que ya no pretende denunciar para corregir, como en «Los Caprichos», sino dar rienda suelta a sus obsesiones y fantasmas personales, al margen de cualquier normativa y por delante del arte de su tiempo.

Crearon también una revista, con el mismo nombre del grupo, y en ella publicaron un Manifiesto en el que se afirmaba, entre otras cosas, que «el arte es una tontería».

Dado que el arte barroco se dirigía a los sentimientos del espectador para captarle, es lógico que se diera primacía al elemento sensitivo de la pintura (el color), sobre el intelectual (el dibujo).

De ahí que pueda afirmarse que no hay ninguna obra de arte más importante que la de nuestra propia vida.

De este modo, condenaron la vida por ser falsa y mala, prescindieron del espíritu dionisíaco, y condujeron a la cultura y al arte griegos a su completa decadencia.

De este modo, la influencia griega llegó al arte romano por dos vías diferentes: una indirecta, a través del legado etrusco; y otra directa, tras la conquista de Grecia.

De hecho, los términos «Gótico» y «Renacimiento» fueron acuñados por italianos, el primero para calificar con sentido peyorativo a un arte propio de pueblos bárbaros como los godos, y el segundo para definir una nueva etapa de resurgimiento artístico basada en la recuperación del espíritu de la Antigüedad clásica, que volvía a ser modelo y fuente de inspiración.

De igual modo que ha ocurrido con la economía, también se han mundializado la cultura y el arte, a lo que ha contribuido de forma decisiva el desarrollo de los nuevos medios de difusión, en especial la televisión digital por satélite e Internet.

De modo semejante a como una obra de arte se contiene en la inteligencia del artí fi ce antes de realizarla, las esencias de las cosas se hallan como ejemplares o modelos en la mente divina antes de crearlas.

De todas las consecuencias que en este sentido ha tenido la cultura visual de masas, se podrían destacar las siguientes: La relativa democratización del arte.

Del arte micénico conocemos algunos ejemplos notables de tumbas monumentales, de pintura mural y de objetos de orfebrería, pero lo más significativo es la arquitectura de sus ciudadelas y palacios.

Del arte almorávide apenas se conservan muestras en España.

Del arte asturiano al gótico y el mudéjar Desde el siglo viii hasta el xv el arte de los territorios cristianos experimentó grandes cambios que se pueden clasi fi car en cinco grandes estilos: asturiano, mozárabe o de repoblación, románico, gótico y mudéjar.

Del mismo modo, en el terreno específico del arte, el Romanticismo, gestado también a la sombra del Neoclasicismo dieciochesco, alcanzó su plenitud y encontró su ambiente más propicio en una época de exaltaciones revolucionarias de carácter liberal o nacionalista, que permitían canalizar con sentimental pasión los anhelos individuales y colectivos de libertad; sin que ello implicase abandonar por completo ciertos recursos del lenguaje clasicista.

Desarrolla brevemente el siguiente tema: Evolución de la iconografía, desde el arte paleocristiano al bizantino .

Desarrolla con brevedad, y limitándote a los aspectos arquitectónicos y urbanísticos, el siguiente tema: La Basílica de San Pedro del Vaticano, desde el arte paleocristiano al Barroco.

Desarrolla el siguiente tema: El arte románico como expresión de la mentalidad de su época.

Desde entonces, ha participado en los movimientos de vanguardia artística y raro es el museo de arte contemporáneo que no tiene alguna sección dedicada a las creaciones realizadas por este medio.

Desde un punto de vista formal, el pórtico presenta una serie de características que reflejan una nueva visión del arte más próxima al estilo gótico que al románico, como son el tratamiento naturalista de las figuras –en particular los apóstoles y profetas de las jambas–, con rasgos individualizados, recreación en los detalles, y gestos y actitudes más humanas (obsérvese, por ejemplo, la sonrisa del profeta Daniel).

Desde un punto de vista iconográfico, es una sacra conversazione, denominación que se aplica en arte a la representación de la Virgen con el Niño rodeada de santos.

Destaca la ausencia de detalles secundarios, propia del arte paleocristiano.

Destaca la perfecta alternancia de partes del cuerpo tensas y en reposo, conocida en arte con el término italiano de contrapposto: el hombro izquierdo, el que soporta la lanza, se alza; en cambio, el hombro y el brazo derecho caen relajados; por el contrario, es la pierna derecha la que soporta el peso del cuerpo, mientras la izquierda permanece relajada; en consecuencia, el torso se expande en el lado izquierdo y se contrae en el derecho.

Diccionarios G. Fatás y G. M. Borrás: Diccionario de términos de arte y elementos de arqueología, heráldica y numismática.

Dios, para un cristiano, es el arte por esencia, porque ha creado todo de la nada, porque ha donado la belleza y la bondad del mundo, porque él mismo es lo más bello y atractivo que puede existir.

Durero pensaba que el arte y la ciencia eran, en el fondo, una sola cosa.

E. H. Gombrich: La Historia del Arte.

Ejemplos de arquitectura romana en Hispania los hay de extraordinaria calidad, algunos de ellos ya se han comentado en esta unidad por ser representativos de lo mejor del arte romano.

El arte hispanomusulmán se suele dividir en cuatro grandes periodos, coincidentes a grandes rasgos, con las etapas políticas que atravesó Al Ándalus: cordobés o califal, de los reinos de taifas, de las dinastías africanas (almorávides y almohades) y granadino o nazarí.

El arte románico transmitía la concepción teocéntrica del mundo impuesta por la Iglesia a la sociedad, y desempeñaba una función didáctica fundamental, mediante la difusión de mensajes religiosos, con un sencillo lenguaje visual, a una población mayoritariamente analfabeta.

El mosaico estaba ya muy extendido en el arte griego helenístico y los romanos lo utilizaron con profusión, a veces como alternativa a la pintura, aunque lo emplearon con más frecuencia en la pavimentación que en la decoración mural.

El Partenón es, por todo lo dicho anteriormente, una obra fundamental de la arquitectura del período clásico, ya que en ella se plasman a la perfección los ideales estéticos de la civilización griega: arte concebido en relación con el hombre, sometido a la razón, y que alcanza la belleza a través de la armonía, la proporción y el orden de todas sus partes.

El tratamiento de las figuras es de una gran perfección técnica, en un ritmo narrativo natural y variado, que nada tiene que ver con el carácter repetitivo de las procesiones del arte oriental.

El arte de hacerlo se llama educación, que es, tal vez, el más elevado objetivo del filósofo.

El arte aspiraba a imitar la naturaleza con fidelidad.

El arte asturiano tuvo su momento de máximo esplendor a mediados del siglo ix y sorprende por su calidad en un territorio tan aislado y carente de tradición artística.

El arte cordobés o califal (siglos viii x ) nos ha dejado, como obra más representativa, la mezquita de Córdoba –imagen inferior izquierda–, que se levanta sobre la que fuera basílica visigoda de San Vicente, compartida en un principio por cristianos y musulmanes, y después comprada a los cristianos para realizar una mezquita más grande.

El arte de formar figuras con papel plegado, la papiroflexia, también fue inventado por los chinos y es casi tan antiguo como la invención del papel.

El arte de los reinos de taifas (siglo xi ) acentuó la tendencia decorativa, en parte para ocultar la pobreza de los materiales empleados.

El arte de los reinos de taifas (siglo XI ).

El arte egipcio carecía de la noción de belleza por sí misma, y sus realizaciones, determinadas por las creencias religiosas, obedecían a un criterio básico de utilidad y duración (de ahí el uso de la piedra).

El arte El arte es una forma privilegiada de expresión de vivencias y conocimientos que, de otro modo, no se podrían transmitir en toda su hondura.

El arte es posible gracias a la dimensión estética de la realidad, que los seres humanos captamos y apreciamos.

El arte gótico (siglos xiii xvi ) fue la manifestación de una nueva visión del mundo más optimista y de un nuevo espíritu religioso más amable, con un creciente interés por la naturaleza y el hombre como creaciones bellas de Dios.

El arte grecorromano se consideraba en estos círculos la más elevada expresión de los valores universales y la perfección formal, basada en la racionalidad, frente a los excesos del Barroco o las frivolidades del Rococó, que se identificaban con el caduco Antiguo Régimen.

El arte griego presenta unos rasgos muy característicos: racional : las reglas del arte son fruto de la reflexión.

El arte hispanomusulmán, en sus diferentes etapas, se desarrolló al mismo tiempo que se iban sucediendo en los territorios cristianos los estilos asturiano, de repoblación, románico y gótico.

El arte mozárabe introdujo en edi fi cios de culto cristiano algunos elementos propios del arte islámico, como el arco de herradura de tipo árabe.

El arte nazarí de Granada (siglos XIV y XV ).

El arte o la historia pertenecen a ese ámbito que excede a la ciencia experimental.

El arte permite conectar con lo más pro-fundo del ser humano.

El arte puede entenderse como una manera muy especial de colaborar en la tarea creativa de Dios y en su deseo de que lo ayudemos a ejercer «un dominio creativo sobre el universo que lo rodea.

El arte romano no es una imitación ni una continuación del arte griego, sino que es la suma de este más la influencia del arte del Asia Menor y de la tradición etrusca.

El arte se limitaba a la pintura mural en determinados lugares de enterramiento o de culto, y es presumible que muchos de sus autores, cristianos también, ni siquiera tuvieran una adecuada formación artística.

El arte y la literatura renacentistas toman como modelo a los clásicos.

El Barroco en la literatura y el arte En un sentido general se puede de fi nir el Barroco como la expresión cultural del siglo xvii europeo.

El Body Art (arte del cuerpo), a caballo entre el performance y el Arte Conceptual.

El caminante sobre el mar de nubes, de Caspar David Friedrich: el arte y lo sublime, el ser humano ante la naturaleza.

El censo de Belén, de Brueghel el Viejo: la representación de lo divino en el arte, el valor pedagógico del arte.

El criterio adoptado mayoritariamente es el de considerar la última de estas fechas como su inicio, ya que hasta entonces es más propio hablar simplemente de arte romano o paleocristiano, según el caso.

El crítico de arte Louis LeRoy fue demoledor con la técnica empleada por estos pintores y, en referencia al título de una de las obras expuestas («Impresión, sol naciente», de Monet), les aplicó con desprecio el calificativo de impresionistas, que fue asumido por el grupo en una actitud de orgullo y rebeldía.

El donante y su mujer aparecen retratados en la cara exterior de las puertas, reflejando ese afán de perpetuarse a través del arte que caracterizaba a la nueva mentalidad burguesa.

El estilo de todas estas obras, independientemente del material empleado, es muy recargado y efectista, como corresponde al Gótico tardío, y con un acentuado interés por el detalle minucioso propio del arte flamenco.

El humanismo se desarrolló desde el siglo xv a partir de dos focos principales: Italia, donde el Renacimiento impulsó la recuperación del pensamiento y el arte de la Antigüedad clásica; y los Países Bajos, donde los humanistas adoptaron una actitud religiosa renovadora, individualista y crítica frente a las autoridades eclesiásticas, que preparó involuntariamente el camino a la reforma protestante.

El Land Art o Earthwork (arte o trabajo en la tierra).

El maestro (rethor) les enseñaba el arte de hablar en público y de convencer.

El mundo ordenado y optimista del Renacimiento se empezó a resquebrajar y surgió un arte intelectual y efectista que se apartaba de las normas clásicas, reflejando a su manera la inquietud y la crisis de valores de la época.

El net art, desde un punto de vista puramente técnico, no se diferencia del arte por ordenador, pues uno y otro emplean las mismas herramientas o similares.

El nombre se lo aplicó un crítico de arte, Louis Vauxcelles, al ver sus creaciones expuestas en una sala cuyo centro lo ocupaba una escultura neorrenacentista, por lo que exclamó: «como Donatello en medio de las fieras».

El objetivo era reproducir en el plano pictórico el mundo real tal como lo perciben nuestros ojos, sustituyendo la «mirada interior» a la que iba dirigida el arte medieval.

El panorama se complica aún más por la propensión de los críticos y teóricos del arte a asignar nombres distintos a un mismo movimiento, y a establecer clasificaciones con criterios propios no siempre coincidentes.

El pensamiento humanista se desarrolló en Europa desde el siglo a partir de dos focos principales: Italia, donde el Renacimiento impulsó la recuperación de la filosofía y el arte de la Antigüedad clásica; y los Países Bajos, donde los humanistas adoptaron una actitud religiosa renovadora, individualista y crítica frente a las autoridades eclesiásticas, que preparó involuntariamente el camino a la reforma protestante.

El pensamiento político de Locke se contiene en sus Dos tratados sobre el gobierno civil, en los que refutó el derecho divino de los reyes, criticó el absolutismo defendido por Hobbes y expuso sus ideas sobre el arte de gobernar.

El poder de alterar la naturaleza por parte de los seres humanos resulta, en ocasiones, fecundo, como lo es convertir zonas áridas y resecas en jardines o cultivos de alimentos por medio de las técnicas de regadío; otras veces es una labor creativa, como transformar una simple roca de mármol en una maravillosa obra de arte (pensemos en el David de Miguel Ángel).

El Pop-Art no se fundamentaba en una determinada teoría o concepción del arte, sino que fue más bien un conjunto heterogéneo de manifestaciones llevadas a cabo por artistas que, inmersos en la realidad de su tiempo, se sirvieron de un amplio repertorio de motivos de la cultura popular: objetos de la vida cotidiana y productos de consumo, imágenes tomadas de la publicidad, el cine, la televisión, los carteles o los cómics, etc. Todos ellos se representan sin emotividad ni intención de enjuiciarlos, empleando a veces técnicas de impresión mecánicas.

El presidente francés Pompidou pretendía crear en París un gran centro destinado a la cultura y el arte, con múltiples dependencias (bibliotecas, museos, salas de exposiciones, etc.).

El primer cliente en importancia era el Estado, que se servía del arte para fines propagandísticos.

El Renacimiento en la literatura y el arte El Renacimiento, como movimiento artístico y literario, se inició en Italia en el siglo xv, desde donde se difundió por toda Europa en la centuria siguiente.

El Rococó fue un estilo esencialmente decorativo, que reflejaba la nueva actitud ante la vida de los círculos aristocráticos: el deseo de deleite, comodidad e intimidad, así como el carácter mundano y elegante, propios de una época de prosperidad que había superado la crisis del siglo anterior y renegaba de la pompa ceremoniosa del arte cortesano del Rey Sol.

El Salón, al exponer las obras al público, propició la crítica de arte en la prensa periódica.

El tema del Buen Pastor es uno de los más frecuentes desde los comienzos del arte paleocristiano, ya que toma como modelo al Mercurio protector de rebaños y le asigna un nuevo significado, como Cristo protector de la Iglesia y salvador de almas —el buen pastor que vela por su rebaño—. Se le representa de diversas formas, pero la más frecuente es con un cordero sobre los hombros.

Elabora un comentario sobre una obra de arte románico elegida por ti.

Elegid una obra del arte funerario egipcio (un sarcófago, una pintura, una escultura...) y comentad aspectos concretos de la concepción de la muerte en el antiguo Egipto.

En consecuencia, respecto al Barroco se puede afirmar lo siguiente: Fue un arte dirigido por el poder como instrumento de propaganda de sus valores ideológicos, ya fuera la defensa de los dogmas y de la autoridad de la Iglesia católica, o la exaltación de la grandeza de los monarcas.

En esta obra, además, reivindicaba la óptica y la teoría de las proporciones como base científica del arte.

En este sentido, en nada se apartaba el arte islámico de la tradición antigua y medieval cristiana, salvo en el hecho de que el Islam prohibía la ostentación y por ello la propaganda del benefactor se ocultaba bajo la apariencia de una obra piadosa.

En particular, Egipto ejerció una gran influencia en los comienzos del arte griego, por el carácter colosal y sorprendente de sus obras.

En cambio, de los almohades se pueden apreciar en Sevilla, la que fuera su capital en Al Ándalus, dos magní fi cos ejemplos: la Torre del Oro y la Giralda, esta última era el minarete de la mezquita, que ocupaba el solar de la catedral actual –véase imagen inferior–. Por último, el arte nazarí de Granada (siglos xiv y xv ) nos ha legado otra magní fi ca obra: el palacio de la Alhambra, el mejor y más antiguo de los palacios islámicos conservados –véase imagen superior–. Sus pobres estructuras están enmascaradas por una fantástica decoración, que cubre por completo techos y muros, con motivos vegetales, geométricos y epigrá fi cos.

En cambio, el Pórtico de la Gloria de Santiago, aun siendo algo posterior (finales del siglo ) y más avanzado en algunos aspectos, carece de continuidad en la escultura gótica española, por lo que se considera más correcto estudiarlo dentro del arte románico.

En conclusión, se puede considerar al Romanticismo como el primer movimiento vanguardista de la historia del arte, porque fue el primero que elevó a la categoría artística los temas de actualidad y la visión subjetiva del artista, en abierta ruptura con la tradición clásica, que solo otorgaba importancia a los temas de historia (religiosa, política o mitológica).

En conclusión, si el arte renacentista se había dirigido a la razón buscando la admiración intelectual, el barroco, en cambio, se dirigía a los sentidos buscando el impacto emocional.

En conjunto, es un perfecto ejemplo del predominio de lo decorativo sobre lo estructural característico del arte de taifas: los pobres materiales constructivos quedan ocultos bajo la profusa ornamentación.

En consecuencia, la civilización romana se convirtió en cierto modo en la continuadora de la griega; pero en el arte no se limitó simplemente a imitarlo, sino que lo enriqueció con contribuciones decisivas, en especial en el ámbito de la arquitectura.

En consecuencia, una historia del arte contemporáneo exige tener en cuenta esta realidad e incorporar como objeto de estudio las obras realizadas por los nuevos medios, entre las cuales podemos distinguir, según su finalidad, dos grandes grupos: las que pretenden ser exclusivamente una obra de arte; y las que persiguen otros fines (publicidad comercial, información, entretenimiento, etc.), pero utilizan para ello recursos artísticos.

En cualquier caso, éstos fueron los factores que explican el origen del renovado interés por la Antigüedad que caracterizó al Neoclasicismo: El culto a la razón del pensamiento ilustrado, que necesariamente debía identificarse con un arte como el grecorromano, para el que la belleza era orden, proporción y armonía, todos ellos atributos de la razón.

En cualquier caso, la aportación más interesante del Dadaísmo es el planteamiento revolucionario sobre el arte que subyace en sus obras y actitudes: ni la obra de arte se considera un objeto de culto, ni el artista un elegido dotado de cualidades especiales.

En cualquier caso, no se debe confundir el net art (obras de arte realizadas con herramientas informáticas para su exposición en Internet) con arte en Internet o arte en la web.

En cuanto a la relación entre público y arte, asistimos a un fenómeno aparentemente contradictorio.

En cuanto a los clientes, lo habitual en el arte bizantino era que las grandes obras, tanto civiles como religiosas, fueran encargadas y financiadas por el emperador, como máximo representante del poder político y espiritual, para promocionar y exaltar su poder.

En cuanto a los clientes, los principales fueron los emperadores y la poderosa Iglesia, lo que explica el carácter majestuoso, suntuario y propagandístico de este arte.

En definitiva era un arte dirigido más a los sentidos que a la razón, pues pretendía la admiración del espectador ante la riqueza del color y los efectos de luz, en particular con el mosaico de fondo dorado, una de sus manifestaciones más genuinas.

En definitiva, David fue también un genuino representante del Romanticismo, como sostienen algunos historiadores del arte, porque, como ya se ha dicho al comienzo de esta unidad, el Romanticismo fue fundamentalmente una actitud ante la vida, sin un lenguaje artístico específico, compatible por tanto con una técnica pictórica basada en la precisión del dibujo y con una intensa adoración hacia la Antigüedad.

En definitiva, la catedral de Santiago es la culminación de un camino de peregrinación, pero también de un arte, el Románico, que en esta obra integra y supera todas las influencias previas.

En efecto, el arte forma parte de la cultura de toda cultura o pueblo humanos.

En el arte se conoce a través de la intuición creadora.

En él se combinan estructuras arquitectónicas esencialmente románicas o góticas con materiales o elementos propios del arte islámico: el empleo de ladrillo como material fundamental, las cubiertas con armadura de madera, arcos de tipo islámico (de herradura, polilobulados), abundante decoración de carácter geométrico, etc. Como obras representativas se podrían citar la iglesia de San Tirso (Sahagún, León) –véase imagen inferior–, la iglesia de Santiago del Arrabal (Toledo), la catedral de Teruel o los Alcázares Reales de Sevilla .

En él se inserta el denominado «Siglo de Oro de la cultura bizantina», que corresponde al reinado de Justiniano (siglo VI ) y mantiene una clara continuidad con el arte paleocristiano occidental.

En el Suprematismo predominan las formas geométricas simples de colores planos, y la abstracción llega hasta sus últimas consecuencias, convirtiendo la obra de arte en un objeto material absolutamente autónomo, sin ningún tipo de dependencia respecto a un tema o a cualquier otro elemento externo a él mismo.

En ella los alumnos recibían una formación integral –técnica y artística, práctica y teórica–, en todos los campos –desde el diseño de objetos a la arquitectura–, con la intención de conciliar el mundo del arte y el de la producción.

En ese sentido, el arte griego ya fue considerado clásico por los romanos.

En España la burguesía era escasa y sin influencia, frente a la nobleza y el clero, que junto con la monarquía fueron los principales clientes del arte y condicionaron en gran medida sus características y desarrollo.

En esta ruptura con la tradición del arte occidental desempeña un importante papel, en unos movimientos más que en otros, el descubrimiento, a través de exposiciones y museos, del arte africano y de Oceanía, que revela otras formas muy distintas de interpretar la realidad y de entender el mundo.

En este mismo sentido, el Modernismo se interesó por la obra de arte total, desde la estructura arquitectónica hasta el diseño de muebles y utensilios domésticos, con una estética elegante y placentera, que recuerda en sus planteamientos e, incluso, en algunas de sus formas, al Rococó.

En este sentido, la retórica es el arte de comunicar la verdad sin imponerla.

En este sentido, pintura y mosaico paleocristianos presentaban ciertos rasgos comunes con el arte tardorromano contemporáneo: El hieratismo y la rigidez de las figuras humanas.

En esto se acercan mucho la filosofía y el arte, si bien difieren en los modos de expresión.

En las obras de arte, Cibeles se representa generalmente como una mujer robusta y embarazada, la cabeza coronada de torres y vestida.

En las obras que se han conservado, por ser en su mayoría procedentes de palacios y mansiones lujosas, predomina la corriente patricia, que aspiraba a una fiel imitación de la naturaleza, según la tradición del arte griego.

En ocasiones, la retórica se ha entendido como el arte de la manipulación a través de la palabra.

En ocasiones, las paredes del peristilo están decoradas con pinturas y obras de arte.

En realidad las muy dispares manifestaciones del arte prerrománico solo tenían en común un entorno de dificultades económicas y de estancamiento cultural, porque sus verdaderos rasgos distintivos los definían las circunstancias específicas de cada territorio y las tradiciones propias de los pueblos que con sus invasiones habían provocado la caída del Imperio Romano.

En su obra se sintetizan las diversas in fl uen- cias que recibió a lo largo de su trayectoria desde Creta hasta España: la espiritualidad del arte bizantino cretense, las luces irreales y los colores fríos del pintor veneciano Tintoretto, etc. Entre sus obras más destacadas, se podrían mencionar: La adoración del nombre de Jesús (El Escorial), cuadro que ofreció a Felipe II, ya que es una exaltación de su persona y de su triunfo contra los turcos en Lepanto; El martirio de San Mauricio (El Escorial), obra encargada por Felipe II, que nunca colocó en su destino por no ser de su agrado; El entierro del señor de Orgaz (iglesia de Santo Tomé en Toledo), probablemente su mejor obra; y magní fi cos retratos, como el del Caballero de la mano en el pecho (Museo del Prado, Madrid).

En su trayectoria como escultor, pasó por diferentes etapas: se interesó por el arte primitivo, el Cubismo, la abstracción y el Surrealismo, hasta alcanzar su estilo personal y maduro después de la Segunda Guerra Mundial, en que su obra nos transmite la angustia de la filosofía existencialista de esta época.

Entre sus rasgos principales, en su etapa fauvista, cabría señalar los siguientes: Representaban formas elementales, por influencia de Cézanne y del arte africano, simple y rudo, que todos ellos admiraban.

Eran grupos muy diferentes, tanto en su origen como en fecha de formación y características, pero curiosamente ambos compartían una visión espiritual de la pintura y reivindicaban como modelo ideal el arte previo al clasicismo de Rafael.

Ernst H. Gombrich, uno de los más prestigiosos historiadores del arte, afirmaba lo siguiente: «No existe, realmente, el Arte.

Es por esto que el paisaje fue fundamental en el desarrollo del arte moderno.

Es este uno de los rasgos del arte griego, sobre todo en la época clásica: el arte está al servicio de la comunidad y no solo de los poderosos.

Es evidente que en el Suprematismo lo que se valoraba era la reflexión sobre el propio arte, no la habilidad del artista ni la dificultad de ejecución de la obra (prejuicios de origen renacentista, que aún perviven).

Es quizás la serie de menor trascendencia en cuanto a contenido y en ella Goya recrea los orígenes y el arte del toreo de su tiempo.

Es un tipo de arte oficial que representa la máxima exaltación del poder religioso o político: Se especializó en la decoración de muros, sobre todo de bóvedas.

Es un edificio original del arte romano.

Es una obra representativa de la denominada corriente plebeya del arte romano, que sacrifica la corrección formal en aras de una mayor claridad narrativa: se superponen personajes para mostrar la profundidad de una escena, se combinan puntos de vista diferentes para evitar que unos elementos oculten a otros, se utilizan escalas diferentes para personas y edificios (o elementos de la naturaleza), etc.; todo ello policromado en su día.

Esta auténtica revolución tecnológica ha tenido consecuencias de toda índole (culturales, sociales, económicas y políticas) que resulta imposible abordar en un manual de introducción a la historia del arte.

Esta combinación de partes de frente y de perfil es característica de las pinturas y relieves egipcios, y del arte cretomicénico.

Esta debe alcanzar dos objetivos: situar al lec-tor ante la obra de arte y mostrar que es adecuada para la re fl exión sobre un determinado tema.

Esta obra pertenece al clasicismo de la época augústea, lo que se aprecia no solo en la influencia de su modelo, el Doríforo de Policleto, sino también en sus elementos alegóricos y mitológicos, que son más propios del arte griego que del gusto romano por lo histórico y concreto.

Esta plasticidad de entrantes y salientes ha tenido tanto éxito en la historia del arte que son pocas las cúpulas, desde el Barroco hasta el siglo, que no siguen este esquema.

Esta prohibía, como en el judaísmo, la representación de imágenes en los edi fi cios religiosos, por lo que el rasgo más acusado del arte islámico es el gusto por la decoración abstracta.

Estaba integrada por un numeroso grupo de escritores partidarios del realismo social, es decir, de la literatura y el arte como medio de denuncia de la realidad e instrumento de crítica social y política: novelistas como Rafael Sánchez Ferlosio, Carmen Martín Gaite, Ana María Matute, Juan Goytisolo, Luis Goytisolo, Luis Martín Santos o Juan Marsé; dramaturgos como Alfonso Sastre o Lauro Olmo; poetas como Carlos Barral, Jaime Gil de Biedma o José Agustín Goytisolo.

Estas se solían hacer de mármol, aunque el original fuera de bronce, y gracias a esta práctica podemos conocer mejor el arte griego, pues los originales, sobre todo los de bronce –material muy apreciado que se podía fundir y reutilizar–, en muy contados casos han llegado a nuestros días.

Este fortalecimiento de la democracia dio lugar a una importante demanda de profesionales que formaran a quienes pretendían acceder al gobierno de la ciudad en el arte de dirigir.

Este hecho produjo un distanciamiento religioso y cultural que también repercutió en el arte.

Este reino, bajo la dinastía Nazarí, fue el último escenario del arte hispanomusulmán, que tuvo en él un espléndido final.

Este se caracteriza por la profusión decorativa propia del Gótico final, pero se distingue en que a los elementos propios del periodo flamígero (bóvedas estrelladas, arcos carpaneles y conopiales) añade algunos específicos, como los escudos y otros motivos heráldicos, así como las bandas epigráficas de clara inspiración islámica (en la siguiente unidad se verá cómo un tipo de decoración característico del arte islámico son las inscripciones caligráficas).

Este último concepto se refiere a todas aquellas webs sobre arte que divulgan por Internet obras realizadas por otros medios (arquitectura, escultura, pintura, fotografía, etc.), para lo cual sus imágenes han tenido que ser previamente digitalizadas.

Este último parece ser el caso del grupo de Laocoonte, cuya clasificación dentro del arte griego helenístico o del romano sigue siendo objeto de debate.

Esto explica la continua aparición de nuevos planteamientos artísticos, a menudo de corta vida, pero de gran fuerza innovadora: son las denominadas vanguardias históricas o primeras vanguardias, que propusieron nuevas formas de entender la obra de arte.

Esto no significa que en muchas de sus creaciones no se puedan apreciar rasgos propios del arte de su época, tanto del Rococó como del Neoclasicismo y, sobre todo, del Romanticismo.

Estos palacios y las pinturas que decoraban sus muros constituyen el más rico legado del arte cretense.

Estos, en un alarde de libertad individual típicamente romántico, aspiraban en general a independizarse de los encargos de los poderosos y con frecuencia manifestaron su rechazo a las directrices de las Academias, que durante el siglo anterior habían surgido en toda Europa y se habían convertido en legisladoras del «arte correcto».

Estudio del arte centrado en una selección de obras y autores representativos.

Expresa tu opinión personal sobre el concepto del arte que se deriva de una obra como la «Fuente» de Marcel Duchamp.

Finalmente, surgió en Italia el arte renacentista, cuyo modelo fue el arte clásico.

Fortaleza, templanza, justicia, magnanimidad, Arte y prudencia.

Fue un arte conservador, ya que dichos valores ideológicos tenían la finalidad de mantener y reforzar el orden social establecido.

Fue un arte destinado a las masas con el fin de captar la voluntad del pueblo a favor de los poderosos y evitar que su malestar se manifestara en protesta o rebelión.

Fue un arte propio de una época de crisis profunda, en la que los grandes poderes del momento, la Iglesia católica –cuestionada por los protestantes– y las monarquías absolutas, pretendieron servirse de él como exaltación de su autoridad y los valores establecidos, asegurándose así la obediencia de sus fieles o súbditos.

Fue un arte retórico en las formas y sencillo en el mensaje, pues mediante un lenguaje aparatoso y espectacular se atraía la atención del público y se le sensibilizaba; y con un mensaje fácil se le convencía.

G. M. Borrás y otros: Introducción General al Arte.

H. W. Janson: Historia general del arte.

Hay obras de arte que no son exactamente bellas.

Hay plantas que no son trepadoras en otras regiones y aquí aprenden ese arte, como un modo de escapar a la oscura sombra; y así pueden verse a los jazmines o la ortiga común envolviendo los tallos de los cedros, luchando para alcanzar sus copas.

Historia del Arte Universal.

Historias generales del arte español J. Sureda (dir.

Historias generales del arte J. Sureda (dir.

I. Chilvers: Diccionario de Arte.

Iconoclasta: corriente nacida en Oriente que consideraba el arte figurativo como fuente de idolatría y que condujo a la destrucción de iconos en los que se representaba a Jesús y a la Virgen.

Igualmente significativos fueron los cambios en el mundo del arte, pues, si bien el Barroco pervivió durante gran parte del siglo, no es menos cierto que hubo de convivir con nuevas corrientes, como el Rococó, el Neoclasicismo o el Romanticismo, algunas de las cuales, incipientes aún, anunciaban ya las tendencias del arte moderno.

Incluye artistas, movimientos y términos de arte, pero no de arquitectura.

Introdujo la religión y el arte etruscos en Roma.

Junto a su afán por modernizar España, Ortega defendió las tradiciones en el arte, las costumbres (por ejemplo, la caza), las fi estas (como los toros)...

La fe ha sido fuente inagotable de temas para los artistas en pintura —el claustro de San Isidoro de León, la Capilla Sixtina—, en música —el canto gregoriano, las cantatas de Bach—, en literatura —poemas y autos sacramentales—, en escultura —las obras de Bernini o de Pedro de Mena—, en arquitectura —las catedrales—, en arte litúrgico —orfebrería y platería— etcétera.

La finalidad de propaganda y exaltación personal de la figura de Augusto, tanto de esta copia como del original en que se inspiró, es característica de todo el arte romano.

La arquitectura asturiana se inspira en el mundo clásico y anticipa algunas soluciones características del arte románico: La bóveda de medio cañón que cubre la totalidad de la nave.

La arquitectura cisterciense, por tanto, se caracterizó, al menos en sus comienzos (siglos y ), por la carencia absoluta de elementos decorativos, pero también por la incorporación de los adelantos técnicos de su época, en especial el arco apuntado y la bóveda de crucería, elementos básicos igualmente del arte gótico.

La arquitectura italiana denota una mayor influencia de la Antigüedad clásica y del arte bizantino, y sus dos variantes regionales de mayor interés fueron el Románico lombardo y el toscano, este a su vez con dos modelos: el pisano y el florentino.

La carencia de naturalismo y de detalles innecesarios para la comprensión del tema reflejan el mayor interés de este arte por el mensaje que por la corrección formal y el efecto estético.

La Corona, por su endeudamiento crónico y el estado ruinoso de la hacienda, y la nobleza, por la disminución de sus rentas, se vieron obligadas a reducir el gasto en obras de arte, sobre todo en las siempre costosas construcciones arquitectónicas.

La creatividad artística es la creatividad humana aplicada al campo de la sensibilidad y el arte.

La creatividad humana verdadera educación sin la transmisión de la cultura y el arte de quienes nos precedieron.

La decoración plateresca es un ejemplo ilustrativo de la continuidad que se dio en España entre el arte gótico y el renacentista, sin ruptura ni oposición entre dos concepciones arquitectónicas tan distintas.

La escultura africana, que deja su impronta en las dos figuras de la derecha, cuyos rostros nos recuerdan las máscaras de ese arte primitivo que tanta admiración estaba despertando en las nuevas generaciones de pintores.

La escultura es la manifestación artística que muestra una influencia mayor del arte griego.

La existencia personal como obra de arte Como se ha sugerido antes, la propia vida debe ser una realización creativa y, en este sentido, nuestra personal obra de arte.

La fi losofía ayuda a desentrañar el signi fi cado de la obra de arte, y el arte nos ayuda a visualizar cuestiones fi losó fi cas de gran alcance.

La idea cristiana de trascendencia, unida a la de infinitud, enriqueció al mundo occidental con el concepto de lo sublime, presente en el arte renacentista.

La Majestad Batlló (siglo ), de origen desconocido y asimismo en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (Barcelona), es también de madera tallada y policromada.

La novedad de la cultura visual de masas radica en que a este tipo de consumo minoritario de arte se ha añadido otro de carácter masivo, como consecuencia de dos circunstancias: por un lado, la reproducción de obras de arte por diversos procedimientos mecánicos se ha abaratado de tal modo, que amplias capas sociales pueden adquirir, por ejemplo, un póster con una pintura famosa o una copia fiel de un vaso griego de cerámica; y por otro, los más diversos objetos de consumo incorporan a su función propia, en su diseño o en su decoración, elementos artísticos.

La nueva mentalidad religiosa propició, asimismo, dos fenómenos que tuvieron una gran incidencia en el arte románico: La extensión de la vida monástica en el medio rural.

La obra de arte no se concebía solo como símbolo espiritual, sino que expresaba también la grandeza de quien la encargaba o de la propia ciudad, por lo que se acentuó con el tiempo el afán por lo decorativo.

La obra es un buen ejemplo de la agitación y el patetismo del arte helenístico.

La obra es, por tanto, una reflexión intelectual sobre el arte, que prescinde por completo de los incuestionables preceptos renacentistas: perspectiva para representar la profundidad espacial, luz y color como instrumentos de creación de volumen, imitación fidedigna de la apariencia real.

La palabra ciencia proviene del griego y significa conocimiento, pero no todos los conocimientos (por ejemplo, los de arte, los de literatura...) son ciencia : únicamente lo son aquellos que se adquieren aplicando método científico.

La posguerra fue un momento en el que las condiciones de vida fueron especialmente duras, las cuales inspiraron la literatura, el cine y el arte.

La prensa especializada, pero sobre todo la televisión e Internet, han permitido acceder al conocimiento de obras de arte, a través de sus reproducciones, a un amplio público que, por razones geográficas o sociales, nunca habría podido acercarse a ellas.

La progresiva humanización de la cultura y el arte se tradujo en la ampliación del repertorio iconográfico hacia nuevos temas relacionados con la Virgen y los Santos, cuyas vidas resultaban más humanas y próximas que las visiones apocalípticas o los juicios finales, que, no obstante, se mantuvieron en los tímpanos de las portadas occidentales.

La repercusión de esta crisis iconoclasta fue muy grave para el arte figurativo, pues apenas se crearon obras nuevas y se destruyeron otras muchas de épocas anteriores.

La serenidad y dignidad de las figuras son comunes a ambos frisos, ya que el arte de época augústea pretendía recrear la grandeza del clasicismo griego; no obstante, en el romano las actitudes son más naturales y realistas (obsérvese, en este sentido, la del niño que se agarra al general Agripa).

La Virgen de Ger (siglo ), procedente de la iglesia parroquial de esta localidad gerundense y actualmente en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (Barcelona), es un claro ejemplo de este tipo de Vírgenes románicas, en las que llama la atención, sobre todo, la falta de proporción entre su figura y la del Niño.

Las piezas mutiladas del arte antiguo, que le descubrieron el atractivo del fragmento (torsos, manos, etc.) o la figura inacabada como obra de arte final, y no mero estudio preparatorio.

Las academias contribuyeron de este modo a la pérdida de importancia y final desaparición de los gremios artísticos, al tiempo que dictaminaban sobre el buen gusto oficial y lo que era verdadero arte, según criterios clasicistas y casi siempre muy conservadores, lo que explica su descrédito a partir del siglo entre los artistas más innovadores.

Las diversas sociedades y épocas históricas reflejan expresiones y concepciones diversas acerca del arte, aunque todas se refieren a la realidad artística.

Las influencias artísticas que confluyeron en el Románico son numerosas: la romana occidental, la oriental (a través del arte bizantino y el hispanomusulmán) y las tradiciones locales de los estilos prerrománicos.

Las influencias recibidas por la civilización bizantina se reflejaron de forma específica en su arte, que se puede definir como místico y simbólico, por influencia cristiana, lujoso y solemne, por influencia oriental, y propagandístico, por influencia helenística y romana.

Las necesidades humanas se suelen dividir en necesidades básicas o primarias, que son universales y fundamentales para la supervivencia (alimentación, refugio, reproducción, etc.) y necesidades secundarias, que dependen de la sociedad y la cultura en la que vivimos, y que vinculamos a nuestro bienestar y desarrollo personal (ocio, arte, transporte...).

Las obras de arte —formas de hacer, destrezas o pautas estéticas— ayudan a forjar y a madurar la propia identidad comunitaria de las sociedades; es decir, facilitan la toma de conciencia de quiénes son y cuál ha sido su trayectoria compartida.

Las obras de arte, a su modo, suponen también una búsqueda.

Las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira son una de las manifestaciones artísticas más importantes del arte del Paleolítico superior.

Las reglas del arte eran fruto de la reflexión y no de la tradición.

Latas de sopa Campbell, de Andy Warhol: el arte como expresión cultural, el arte y la producción industrial, el arte y la sociedad de consumo.

Lo que ocurre con el arte y con la historia sucede también con el resto de las disciplinas o ciencias humanas.

Los artistas del Renacimiento reivindicaron la naturaleza intelectual de su arte y esto explica en parte la abundancia de tratados sobre teoría artística que se escribieron, demostrando así la necesidad de conocimientos matemáticos y científicos de todo tipo para la realización de la obra de arte.

Los artistas indagaron y el arte evolucionó con el tiempo, libre de convencionalismos y rigideces.

Los grabados japoneses desde el siglo habían roto con la rigidez del arte oficial, para ofrecer una visión más poética y placentera del paisaje o la vida cotidiana, mediante encuadres y ángulos de visión inusuales que proponían una forma distinta de mirar la realidad.

Los grandes artistas del llamado clasicismo tardío – Praxíteles, Escopas, Lisipo – realizaron un arte más libre y subjetivo, y frente a la idealización característica del periodo anterior, mostraron un mayor interés por la expresión de emociones individuales.

Los grandes centros artísticos de la pintura fueron Inglaterra y sobre todo Francia, más en concreto París, que se consolidó como la nueva capital del arte hasta bien entrado el siglo XX .

Los historiadores del arte se debaten entre considerarla una obra de influencia francesa o una manifestación de la tradición local de origen mozárabe.

Los nuevos clientes del arte eran los emperadores –Constantino, el primero de ellos– y las familias más aristocráticas de la sociedad romana, de las que procedía también el alto clero.

Los principales clientes del arte contemporáneo son fundamentalmente museos, grandes empresas y miembros de la alta burguesía, pues el arte en la actualidad, aparte del valor que encierra como bien destinado al disfrute estético, se ha convertido en una lucrativa inversión y mueve enormes cantidades de dinero, aunque se trata de un mercado minoritario.

Los principales elementos del arte islámico que se incorporan al arte mudéjar son los siguientes: Los materiales de construcción: ladrillo, mampostería, argamasa, yeso, madera y cerámica.

Los romanos eran prácticos y realistas, y esto se tradujo en un mayor interés por la perfección técnica del arte que por las cuestiones estéticas.

M. Bendala Galán y otros: Manual del arte español .

Marco Gavio Apicio, El arte de la cocina (texto adaptado).

Más allá de estos rasgos comunes de carácter muy general, la realidad del arte gótico es muy compleja y variada, tanto en el tiempo como en sus diferentes ámbitos geográficos.

Mientras el arte de la posguerra se decantaba por la abstracción y la modernidad, él practicó una pintura figurativa y expresionista de múltiples influencias, tanto contemporáneas (Picasso en especial) como antiguas (Rembrandt o Velázquez).

Mímesis: imitación de la naturaleza como fin esencial del arte.

Muchos de ellos acababan engrosando el cada vez más numeroso colectivo de pícaros y mendigos, que constituían una imagen habitual del escenario urbano, re fl ejado perfectamente en la literatura y el arte de nuestro Siglo de Oro.

No en vano, el arte y la experiencia estética se han considerado señales propias de lo humano.

No era un arte colosal, sino a la medida del hombre.

No es posible señalar unas características formales que permitan definir el net art y el arte por ordenador, pues las posibilidades creativas son prácticamente ilimitadas y se van ampliando día a día con el desarrollo o perfeccionamiento constante del software (lenguajes, aplicaciones, etc.) y el hardware (equipamiento físico).

No es propiamente una historia del arte, sino una introducción a la arquitectura, escultura, pintura y artes decorativas, con referencias a su evolución histórica.

No fue casual, por tanto, que la manifestación más representativa del arte gótico fuera la catedral urbana, como en el Románico lo fue el monasterio rural.

No hay ningún mal en llamar arte a todas estas actividades, mientras tengamos en cuenta que tal palabra puede significar muchas cosas distintas, en épocas y lugares diversos, y mientras advirtamos que el Arte, escrito con una A mayúscula, no existe...».

No obstante, conviene tener en cuenta que muchos historiadores del arte consideran el manierismo como un estilo propio e independiente del Renacimiento, aunque en sus comienzos resulte difícil marcar la frontera entre ambos.

No obstante, en esta introducción se proponen unos modelos, meramente orientativos, que abordan la obra de arte en sus aspectos fundamentales y desde diversos puntos de vista.

No obstante, más allá de las notables diferencias que existen entre unas zonas y otras, el Románico presenta algunas características esenciales: Era un arte religioso y simbólico, que pretendía expresar el mensaje de Dios.

No se puede a fi rmar que elaborase una doctrina política en sentido estricto, sino que analizó los hechos históricos que le parecieron más relevantes, de manera que se pudieran extraer experiencias de otros lugares y épocas que enseñasen, en aquel preciso momento, el arte de gobernar con éxito o el de fortalecer un Estado.

Nos agrada o atrae lo bello de un paisaje, como nos causa admiración lo creativo u original de una obra de arte.

Nos ofrece una arquitectura inspirada en el mundo clásico, que se anticipaba al arte románico en algunas soluciones, como la utilización de la bóveda de medio cañón, reforzada al interior con arcos fajones y al exterior con contrafuertes.

Nos referimos a la formación de grupos de artistas que participaban de una misma concepción del arte y se unían para apoyarse mutuamente, haciendo frente común contra el rechazo social en caso necesario.

O al menos esa es la impresión que se tiene en estos momentos, tal vez porque la proximidad en el tiempo nos impide tener la perspectiva histórica necesaria para distinguir con imparcialidad lo verdaderamente interesante, más allá de las modas y la valoración económica impuesta por el pujante mercado del arte.

Otra característica del arte de este periodo es la vertiginosa aparición de movimientos y corrientes, que conviven y se suceden a un ritmo mucho más rápido incluso que el de las primeras vanguardias de la etapa anterior.

Para algunos historiadores del arte, no sería propiamente un estilo artístico, sino más bien una combinación ecléctica de estructuras arquitectónicas occidentales (románicas o góticas en lo esencial) con materiales o elementos propios del arte islámico, como reflejo de la relación entre cristianos y musulmanes en la España medieval.

Para Leonardo, el cuerpo humano era una obra maestra en la que la ingeniería y el arte iban de la mano, y él pensaba que la increíble variedad de sus movimientos podía imitarse con máquinas o mecanismos simples, como palancas, poleas y engranajes.

Para muchos historiadores este sería el comienzo del arte propiamente bizantino.

Para sistematizar y simplificar en parte este complejo panorama, se podría decir que el arte, desde mediados del siglo XX a nuestros días, se ha movido entre la figuración y la abstracción; y dentro de cada una de ellas, entre dos tendencias de signo opuesto: La expresividad, en que la obra refleja el estado anímico o los sentimientos de su autor.

Pero el final de las vanguardias no significa en absoluto la muerte del arte; todo lo contrario, nunca como en nuestros días el arte había gozado de tanta aceptación y apoyo institucional, ni el artista había alcanzado un nivel tan alto de poder económico y reconocimiento social.

Pero a partir de entonces, se empezó a reconocer que no tenía sentido insistir en la búsqueda permanente de lo original (o moderno) y los nuevos artistas renunciaron al dogmatismo propio de las vanguardias, para realizar un arte libre de prejuicios y sin reparos en recuperar fórmulas de estilos anteriores: es el espíritu de la «posmodernidad», abierto a todo, no discriminatorio y con propensión al eclecticismo.

Pero al mismo tiempo, el arte del siglo XX se ha vuelto cada vez más elitista e intelectualizado, porque al desaparecer las convenciones tradicionales de representación que todo el mundo conocía, la obra de arte requiere para su comprensión una explicación previa de las intenciones del artista; y estas el gran público las desconoce o simplemente las desestima.

Pero algunos historiadores consideran este término inapropiado y prefieren otros como arte fronterizo o de repoblación, pues arte mozárabe en sentido estricto sería solo el de los cristianos en territorio islámico.

Pero con el tiempo fue empleado por los historiadores del arte para designar lo que consideraban el estilo arquitectónico genuinamente español de la primera mitad del siglo, ignorando que el exceso de decoración era característico también del primer Renacimiento en otros lugares de Europa, como Francia o Alemania.

Pero desde el siglo, una nueva coyuntura favoreció el surgimiento y difusión del arte románico, que reunificó el disperso panorama europeo.

Pero el mérito de la obra de arte y el reconocimiento social no recaía ni sobre el artífice teórico ni sobre el práctico, sino sobre el promotor o el donante.

Pero el poderío militar no cegó a los romanos y desde el principio reconocieron y admiraron la superioridad cultural de los griegos, cuyo arte asimilaron y adaptaron a su sensibilidad y a sus propias necesidades.

Pero entre todos, el más relevante, desde un punto de vista formal, fue Paul Gauguin, cuya obra ejerció una gran influencia en el arte posterior.

Pero este primitivo arte cristiano se estudiará en la unidad siguiente.

Pero lo que nació en principio como corriente literaria acabó extendiéndose en poco tiempo a todo el ámbito del arte.

Pero más importantes aún eran sus diferencias cualitativas, pues la pintura flamenca no introdujo un cambio de mentalidad respecto al Gótico, sino solo innovaciones técnicas, aunque sin duda fundamentales; en cambio, el Renacimiento defendía una concepción del arte diferente, que gravitaba en torno a la recuperación del mundo antiguo: Los admirados modelos de la Antigüedad clásica se convirtieron en la principal fuente de inspiración y, en consecuencia, fueron objeto de estudio permanente.

Pero Pozzo, además de gran pintor y arquitecto, era un teórico del arte y escribió un importante tratado sobre la perspectiva.

Pero rápidamente se extendió por toda Europa, incluyendo los países protestantes, ya que tanto la Iglesia –en los territorios católicos– como los monarcas y príncipes –en sus respectivos Estados–, pretendían servirse del arte para imponerse al conjunto de la sociedad.

Pero tras la desintegración del Imperio de Alejandro Magno, las circunstancias políticas y sociales cambiaron profundamente: los grandes clientes del arte fueron sobre todo particulares poderosos (monarcas, generales, hombres ricos), que pretendían exaltar su poder, su linaje o su riqueza con las obras de arte.

Pero un rasgo diferenciador de Grecia fue la importancia concedida a la razón humana, que marcó toda la evolución posterior de su cultura y propició el surgimiento del arte clásico (es decir, superior y modélico), cuyo concepto de belleza obedecía a criterios objetivos y racionales, pues se consideraba bella toda realización que reuniera los principios de orden, armonía y proporción.

Pero una vez más el interés de los romanos por lo concreto y real generó un arte original en dos aspectos: El gusto por el paisaje y los motivos naturales, de tradición etrusca, pero ajeno al arte griego.

Pero, aunque cada cultura y sociedad generan su propio arte, este tiene una di-mensión universal y duradera.

Pero, como en todo arte simbólico, no todos los motivos tenían siempre el mismo significado; así, por ejemplo, la figura de un león podía representar a Cristo, pero también la fuerza del mal, dependiendo del contexto; o el tetramorfos (las cuatro formas vivientes) podía simbolizar a los cuatro evangelistas, pero también las cuatro etapas de la vida de Cristo: nacimiento (el hombre), sacrificio y muerte (toro), resurrección (el león, pues se creía que después de nacer los cachorros pasaban tres días muertos hasta que el padre los devolvía a la vida con su aliento) y ascensión a los cielos (el águila).

Pertenece, por tanto, al periodo paleobizantino o, según la clasificación tradicional, a la primera edad de oro del arte bizantino.

Poco después, Louis Vauxcelles, el mismo crítico de arte que dio nombre al Fauvismo, acuñó también el nuevo término de Cubismo, pues, en su opinión, Braque «desprecia la forma y reduce todo, los paisajes, las figuras y las casas, a patrones geométricos, a cubos».

Por ejemplo, el valor de la belleza en una obra de arte.

Por otra parte, adquirió una creciente importancia el público, que a través de las exposiciones en los Salones oficiales y orientado por los críticos de arte, podía acceder a la contemplación de las creaciones recientes sin necesidad de poseerlas, algo que había sido tradicionalmente un privilegio exclusivo de unos pocos o una posibilidad limitada solo a las obras destinadas a lugares públicos, como las expuestas en iglesias o espacios urbanos.

Por consiguiente, rechazan la clasificación anterior, que reduce lo mudéjar a un simple revestimiento ornamental e ignora el hecho de que no siempre se aprecian elementos románicos o góticos en las construcciones mudéjares, y proponen otros criterios de clasificación, como el que adoptaremos en esta unidad: El mudéjar popular, como pervivencia en cada zona del arte hispanomusulmán, que se encontraría en una fase distinta según el momento de la conquista cristiana.

Por ejemplo, los griegos y romanos antiguos pretendían un arte centrado en las categorías o valores estéticos de la belleza o la armonía, mientras que, siglos más tarde, los artistas románticos defendían que el arte debía ser, esencialmente, fuente de originalidad, expresividad y emoción.

Por ello se puede afirmar que los griegos crearon el arte clásico, pero los romanos lo culminaron aportando su visión particular.

Por ello, se considera arte clásico tanto al griego como al romano, y su importancia como referente artístico ha pervivido hasta nuestros días.

Por eso, el arte cristiano ha sido siempre vehículo de catequesis.

Por eso, la definición clásica de arte era, en latín, recta ratio faciendi, que significa ‘un hacer las cosas de acuerdo con la recta razón, o de la manera más justa y adecuada’.

Por otra parte, dentro del arte romano se aprecian dos grandes corrientes que reflejan la división de la sociedad romana en cuestión de gustos.

Por otra parte, desde la posguerra el arte se ha universalizado, tanto por el desarrollo de los nuevos medios de comunicación, como por la actividad de influyentes galerías de arte y, sobre todo, la celebración periódica de exposiciones internacionales de gran prestigio, que han consagrado a movimientos y a artistas.

Por otra parte, el arte paleocristiano es ante todo un arte simbólico, en el que la calidad formal de la obra se supedita al mensaje que se pretende transmitir.

Por otra parte, en la sociedad islámica la religión es el centro absoluto de todas las facetas de la vida comunitaria: la política, el derecho, la educación, etc. El arte no escapa a esta regla y presenta, por tanto, ciertas peculiaridades: La principal actividad es la arquitectura religiosa, cuyo edificio más característico es la mezquita, aunque también son importantes, dentro de la arquitectura civil, los palacios y las construcciones militares.

Por otra parte, en los territorios reconquistados por los cristianos, la arquitectura islámica pervivió a través del denominado arte mudéjar, estilo sin equivalentes en el resto de Europa, que fusionaba estructuras y elementos musulmanes con otros cristianos en la construcción de iglesias o palacios.

Por otra parte, la veneración por el mundo antiguo extendió de nuevo la práctica del mecenazgo: a imitación de Mecenas, amigo del emperador Augusto, muchos príncipes, clérigos, nobles y burgueses de esta época dedicaron, por un afán de prestigio personal, un gran esfuerzo al fomento del arte y la cultura, manteniendo en sus círculos a los más afamados artistas e intelectuales y financiando sus obras.

Por otra parte, las Academias, las exposiciones públicas y la crítica de arte comenzaron a cambiar las tradicionales relaciones entre clientes y artistas.

Por otra parte, sus características manifiestan de modo inconfundible las peculiaridades de esta civilización: Es un arte colosal y desmesurado, reflejo de la grandiosidad del medio natural.

Por primera vez se había tomado conciencia de que el arte y la historia constituían un patrimonio común y, por tanto, su protección era responsabilidad de todos.

Por su destacado papel en los más diversos campos de la ciencia, el arte y el conocimiento en general, ha pasado a la posteridad como el modelo de hombre renacentista por excelencia.

Por tal motivo, expondremos brevemente las características generales de los nuevos medios citados, y sólo en lo relativo a las posibilidades que ofrecen de expresión artística, sin entrar en el análisis de realizaciones concretas y sin pretender tampoco que todo lo efectuado por estos medios deba considerarse necesariamente arte.

Por tanto, el sistema de trabajo sustituyó la cantería propia del trabajo en piedra del arte occidental, por la acentuada especialización de los alarifes mudéjares en los diferentes materiales.

Por tanto, lo importante era descifrar el mensaje divino que encerraban las cosas, y en el arte esta concepción se tradujo en un desprecio de las apariencias reales para ahondar en su significado profundo.

Por tanto, si Cézanne preparó el camino al Cubismo y a las corrientes formalistas, de Van Gogh partieron el Expresionismo y, en general, todas las corrientes expresivas del arte posterior .

Por tratarse de una obra maestra de la historia del arte, se analizará con más detalle al final del tema, como modelo de comentario de arquitectura.

Por último, a partir del siglo hay que tener en cuenta la emergencia del cristianismo, que no solo influyó en el arte romano, sino que además creó un estilo propio y nuevas tipologías.

Por un lado, cualquiera puede acceder al arte contemporáneo con relativa facilidad, pues a las exposiciones temporales o permanentes de museos y otras instituciones públicas se añaden las numerosas publicaciones y la difusión a través de Internet.

Por una parte, mientras la renovación flamenca se limitaba tan solo al ámbito de la pintura y el grabado, el Renacimiento italiano abarcaba todas las manifestaciones del arte (arquitectura, escultura, pintura y artes decorativas).

Rechazaban la pintura coetánea alemana y sentían una gran admiración hacia Munch, Van Gogh y Gauguin, entre los pintores más recientes, y hacia el arte medieval alemán y el arte primitivo de África y Oceanía.

Reflexionemos Debate con tus compañeros sobre el origen del arte y de los aprendizajes.

Se puede afirmar, por tanto, que el arte paleocristiano fue contemporáneo del arte romano del Bajo Imperio, con el que convivió en un intercambio mutuo de influencias.

Se denomina, por tanto, arte prerrománico a este heterogéneo conjunto de estilos, que se desarrollan en Occidente desde la desaparición del Imperio Romano en el siglo hasta la configuración del arte románico en el siglo .

Se incorporó tarde y en el siglo, mientras el resto de Europa desarrollaba aún la evolución final del estilo, fue abandonado por la irrupción del arte renacentista.

Se recuperaron el desnudo, el retrato o la estatua ecuestre, tipos frecuentes en el arte En el relieve, como en la pintura, se aplicó la perspectiva para representar las figuras y el espacio tal como aparecen ante nuestros ojos en la realidad.

Se trata, por tanto, de un ejemplo característico del Barroco de implicar directamente al espectador en el asunto de la obra de arte.

Se trataba, por tanto, de un arte promovido por una burguesía refinada y orgullosa de su época, que deseaba un estilo propio no sometido a las normas del pasado.

Se utiliza en los grandes museos para investigar falsificaciones de obras de arte, así como en los laboratorios de la policía para analizar restos de materiales.

Si en todas sus otras manifestaciones desarrolla su arte formando moles inmensas y deformes, conos apenas esbozados, pirámides imperfectas cuyas líneas generales no obedecen a un plan determinado, por lo que respecta al basalto, queriendo dar, sin duda, un ejemplo de regularidad, y adelantándose a los arquitectos de las primeras edades, ha creado un orden severo que ni los esplendores de Babilonia ni las maravillas de Grecia han sobrepujado jamás.

Si las dificultades agudizan el ingenio, esto fue sin duda lo que ocurrió en la España del siglo, sobre todo en los ámbitos de la literatura y la pintura, con escritores de la talla de Cervantes, Lope de Vega, Quevedo, Góngora y Calderón de la Barca; o pintores como Velázquez, uno de los grandes genios del arte europeo de todos los tiempos.

Sin Dios, la moral se reduce a buenas intenciones y su contenido básico podrá cambiar según quién ejerza el poder o domine el arte de la retórica.

Sin embargo, en ningún caso se pretendió limitar el arte a una mera imitación de los mismos.

Sin embargo, a pesar de eso, ni el arte ni la historia dejan de tener valor cognoscitivo.

Sin embargo, a pesar del papel unificador de la Iglesia en el ámbito religioso y cultural, el arte evolucionó hacia estilos propios de cada reino, determinados por su grado de romanización y por las tradiciones germánicas de los pueblos que asumieron el poder.

Sin embargo, aquí solo nos ocuparemos del arte del siglo xvii .

Sin embargo, desde mediados del siglo xii, se aprecia un cambio de sensibilidad que anunciaba la nueva visión del arte gótico: frente a la simplicidad del románico, algunas fi guras muestran una mayor naturalidad y detalle, con actitudes más humanas y formas más correctas y proporcionadas.

Sin embargo, el Romanticismo tuvo sus primeras manifestaciones en la literatura y el arte también en la segunda mitad del siglo, fundamentalmente en Inglaterra y Alemania.

Sin embargo, en el arte y lo estético no todo es completamente subjetivo porque, aunque cada cual tenga sus preferencias, siempre existen criterios objetivos o no arbitrarios para el juicio estético.

Sin embargo, esa variedad es posible, porque el arte y lo estético brotan de la naturaleza común del ser humano.

Sin embargo, esta influencia se combinó con elementos propiamente etruscos, en una síntesis que habría de ser fundamental en el desarrollo del arte romano posterior.

Sin embargo, no hay que olvidar que algunas de las obras más notables del arte mudéjar no son ni cristianas ni siquiera religiosas, como las sinagogas judías o los palacios, por ejemplo.

Sin embargo, si nos atenemos a un criterio sociológico, el Rococó expresa una concepción de la vida propia de una sociedad aristocrática, refinada y hedonista; mientras que el Barroco es un arte propagandístico del poder y la grandeza de la monarquía o la Iglesia.

Sin embargo, si se compara el proceso español con el italiano, llaman la atención dos diferencias: en España la adopción del arte renacentista no se planteó en contraposición al Gótico; y el Renacimiento español no surgió de una reflexión sobre la Antigüedad, sino de la inspiración directa en las realizaciones italianas contemporáneas.

Sin olvidar esta circunstancia, se pueden señalar las siguientes características generales: Adoptó modelos, técnicas y estilo del arte tardorromano, con el que coincidió en el tiempo.

Su nombre era una alusión a su voluntad de representar un avance, breve pero imprescindible, hacia la renovación del arte en España.

Su cronología varía de unas zonas a otras, ya que depende del proceso de reconquista militar cristiana de cada territorio, pero en conjunto abarca desde finales del siglo XII hasta el siglo XVI, conviviendo sucesivamente con el arte románico, el gótico e, incluso, el renacentista.

Su ejemplo, digno de imitar, convierte la misma vida en una obra de arte.

Su final, como primitivo arte cristiano, se hace coincidir con la desaparición del Imperio de Occidente, lo que no significa que carezca de continuidad en el arte posterior.

Su imaginación no tiene límites en la creación de formas fantásticas y extrañas que funden lo humano con los mundos vegetal, animal y mineral, en un claro precedente del arte surrealista del siglo .

Su obra, de una gran originalidad y esencialmente manierista, incorporó y sintetizó las diversas influencias que recibió a lo largo de su trayectoria desde Creta hasta España: Del arte bizantino cretense, el simbolismo y ciertos elementos iconográficos.

Su primera etapa, conocida como «renacimiento macedonio» (hasta mediados del siglo XI ), fue el momento más representativo del arte bizantino, ya que en él se fijaron sus rasgos esenciales, sobre todo en lo relativo a la iconografía.

Sus habitantes vivían esencialmente de la ganadería, complementada en las zonas costeras con la pesca y el marisqueo; y destacaron en el arte de la orfebrería, sobre todo en oro, aunque las piezas halladas son de dudosa datación.

Sus rasgos anticipan los del primitivo arte cristiano y bizantino: El hieratismo y la rigidez en la expresión y en la postura.

También muestra influencia etrusca, manifestada especialmente en el realismo, que coexistió con la tendencia a la idealización, propia del arte griego.

También se la denomina Cool Art (arte frío), Nueva Abstracción o Hard Edge Painting (pintura de contorno duro, por los contornos que delimitan los colores).

Tan prolongada presencia musulmana tenía que dejar inevitablemente su huella en el arte.

Tanto por el tema representado (arrebato místico de una santa recientemente elevada a los altares) como por el tratamiento que recibe (efectismo teatral, expresividad, agitación), el «Éxtasis de Santa Teresa» es una manifestación inequívoca del arte barroco, cuyo carácter propagandístico está en este caso al servicio de los valores ideológicos de una Iglesia que pretende reafirmar su autoridad y su doctrina en una época conflictiva de incertidumbre general y crisis religiosa, que contrasta con el optimismo renacentista.

Tanto las novelas como el arte subrayaron el sinsentido de la vida.

Tanto los temas como su tratamiento nos remiten al arte paleocristiano, en el que interesaba más el mensaje que la corrección formal, como se aprecia en la tosquedad y desproporción de los motivos, que se adaptan a la forma del capitel.

Tenía una función didáctica, ya que el arte era el único medio de poner al alcance de una población mayoritariamente analfabeta el conocimiento religioso, no solo a través de las imágenes, sino también de la arquitectura.

Tiene un especial interés para la historia del arte, ya que las pequeñas figuras son tan solo un pretexto para representar el paisaje, que es el verdadero protagonista.

Toda obra de arte re fl eja la cultura y el mundo a los que per-tenece, aunque el artista no lo pretenda.

Todo ello obedece a la economía de detalles anecdóticos que caracteriza al arte cristiano desde sus orígenes hasta la Edad Media, para el cual solo son importantes y dignos de representación los elementos significativos del mensaje.

Tomás de Aquino aceptó la distinción aristotélica entre virtudes intelectuales y morales: Las virtudes intelectuales son aquellas que potencian las operaciones del entendimiento teórico o práctico: arte, prudencia, ciencia, etcétera.

Tras graduarse en Arte Comercial, se instaló en Nueva York y trabajó inicialmente con notable éxito como ilustrador de revistas y publicista, lo que marcó toda su trayectoria artística posterior.

Tratamiento de los motivos y en especial de la figura humana El arte bizantino no es naturalista y el tratamiento de las figuras es esquemático.

Un detalle interesante de esta pintura es que la retuvo Rubens para sí mismo, por lo que, al no ser obra de encargo, plasmó en ella su concepción del arte sin limitaciones.

Un hecho de tal magnitud tenía que repercutir necesariamente en la evolución del arte, ya que las prácticas rituales del cristianismo, muy distintas de las paganas, exigían una tipología arquitectónica adaptada específicamente a ellas, y las creencias dogmáticas o morales afectaban a la iconografía y a la función de las artes figurativas.

Un precursor indiscutible del Arte Conceptual fue Marcel Duchamp con la idea del arte que se deriva de sus «ready-made».

Un rasgo peculiar de la civilización etrusca fue su creencia en la vida de ultratumba, que justificó un arte funerario con manifestaciones en todos los ámbitos: arquitectura (necrópolis), escultura (sarcófagos) y pintura (frescos de las tumbas).

Un relativo clasicismo que recuerda en cierta forma el arte paleocristiano de los siglos y .

Un tipo específico de Arte Cinético es el Op-Art (abreviación de Optical Art, por analogía con el Pop-Art ), referido a una variante de pintura abstracta de tipo geométrico, que pretende transmitir la ilusión del movimiento mediante diferentes efectos ópticos .

Una auténtica obra de arte puede conmover a personas de muy diferentes sociedades y tiempos, pues de alguna manera despierta algo permanen-temente presente en todo ser humano.

Varios autores: Historia del Arte Espasa.

Vivir e integrarse en una cultura comporta también asi-milar su arte y sus claves estéticas.

Y en efecto, ¿cómo será posible, sin el estudio de las matemáticas, adelantar el arte del dibujo, que es la única fuente donde las artes pueden tomar la perfección y el buen gusto? Ni ¿cómo se alcanzará el conocimiento de un número increíble de instrumentos y máquinas, absolutamente necesarias para asegurar la solidez, la hermosura y el cómodo precio de las cosas? ¿Cómo, sin la química, podrá adelantarse el arte de teñir y estampar las fábricas de loza y porcelana, ni las manufacturas trabajadas sobre varios metales?

Y aprovecha para rendir homenaje al arte que más le interesaba en ese momento: La escultura ibérica, cuya influencia se observa en las tres figuras de la izquierda.

Y en la actualidad se emplea para designar el arte que, como pervivencia del hispanomusulmán, se desarrolla en los territorios cristianos después de su conquista.

Y en la medida en que el arte carece de valor, cualquier manifestación puede ser una obra de arte, desde un gesto o una actuación hasta un objeto prefabricado.

Y es cierto que entre el arte griego –en particular el helenístico– y el romano no existió ruptura, razón por la cual se incluye a ambos en la categoría de arte clásico.